林郁晉 Lin Yu Chin

- ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.3.7（六）－ 2026.5.23（六） - 對你來說「模糊」是什麼？ 當我們習慣以網路影像、 社群照片與數據來確認世界的輪廓時， 清晰的影像逐漸不再只是技術條件， 反而像是一種必須。 必須可見，必須可證明， 必須可放大，必須可被讀懂。 於是，那些尚未成形的感受， 那些只能以身體慢慢理解的經驗， 常常來不及發生，就先被要求說明。 本次展覽邀請到 王愛眉、李秉璈、李盈蓁、陳寬睿、彭韋、劉文豪等六位藝術家， 回到繪畫這個緩慢而親密的媒材， 從筆觸的延宕、輪廓的游移、 色層的遮蔽與再現之間， 練習另一種不以辨識為目的的觀看。 模糊在這裡不是看不見， 也非失焦的缺陷，而是一種保留的可能。 保留了物與物之間尚未被命名的關係、 以及記憶與真實必然帶著的某種差異與錯位的狀態 或是情緒在尚未被語言收編之前的那個地方。 《模糊的風景》展名所指向的「風景」 並不只是單純的自然或地理， 而是一種觀看介面的選擇。 它可能來自衛星俯瞰地球的城市表面， 也可能是內在感知的折射， 或是被資訊不斷覆寫後的殘影， 乃至於是日常生活中不願被定義的陰影與留白。 藝術家們以繪畫的方式， 將這些清楚與不清楚之間的感知地帶重新啟動， 讓觀眾不必急著辨識，不必立刻回答「這是什麼」，而先停留在「我正在怎麼看」的問題裡。 ３／２１（六）《模糊的風景》下午14：00開幕， 邀請大家一通共襄盛舉， 在模糊的風景中我們意識到， 真正的自由不一定發生在更透明和清楚之中， 而可能發生在那些被允許暫時不清楚的時刻。 模糊是一種必要的自由， 因為它讓感受可以晚一點被命名， 讓理解可以慢一點抵達。 － 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/3/7（六）– 2026/5/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin @azzzfighting ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術館 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #桃園 #Art #襲園美術館 #當代藝術

生活 | 美術館不只是被觀看的地方，而是重新練習感受的地方 | 專訪 (三) 襲園美術館藝術總監林郁晉 「如果一間美術館可以不只作為展覽的容器，而是成為城市的節點呢？」襲園美術館藝術總監林郁晉認為，要將生活、藝術、思考視為三條交錯的軌，讓美術館不只是被觀看的地方，而是重新練習感受的地方。 與傳統美術館不同的是，襲園的經營時間並非週一閉館、週二到周日開放，而以預約制為主，本身是個介於展覽空間與品牌空間之間的場域，它的存在不如傳統正統美術館那樣功能齊備，但卻試圖在一個嵌入日常的狀態中，持續發出自己的策展語言。從早期，襲園美術館作為創作者展示平臺，展現各式精工、工藝、珠寶、繪畫等多元內容，這幾年來透過策展語法去實驗「非線性敘事」如何在空間中生成，讓藝術回應當代，同時也能作為重新組織日常、思考社會結構的方式。 「在沒有典藏、也沒有教育推廣單位的條件下，我們反而更積極去建構一種非典型空間教育場域」，林郁晉說。「我們從不以首展或全新作品為標準，而是關注創作者是否能回應展覽命題，參與我們策展所設定的感知節奏」，林郁晉說。襲園將內容生產、空間轉譯和收藏連結三部分相結合，得以在非高轉速的條件下，維持展覽製作的穩定與品質，同時持續進行實驗與生成。 ｜「有待延續的痕跡」：Kubomi、王昱翔、徐佳寧、彭禹慈、董心如 襲園美術館推動的不是商業的計算，而是一種在生活每一個大小細節的美學總和。剛剛結束的「有待延續的痕跡」是根莖式策展，讓觀者從各種角度進入「人如何生成」、「時間如何折返」、「社會如何滲透個體」。這也回到襲園作為「一座大山」的內部動線想像，展覽彼此獨立，卻能連接，每一檔都是思想的平面，非起點，也非終點。 畫作由地下入口開始延續，玄關入口兩旁是日本藝術家Kubomi的鮮花作品。她筆下的鮮花富有生命力，卻是一個生命中稍縱即逝的瞬間；她捕捉生活，將壓克力繪於透明板背後，使畫面呈現夢境般的光影層次與流動感，這種鮮艷奪目的背後是一種沉穩的溫柔和堅定。 台灣藝術家王昱翔、徐佳寧、彭禹慈、董心如的作品放置於整棟建築各層，每一幅畫也像融入於生活之中，就像旅程中無意中看到的獨特風景。展覽由藝術總監林郁晉策展，五位藝術家各自以獨特的語言與手法，在抽象與空無之中生長與延展的可能性。 徐佳寧出生在桃園，以獨特的小巧形式觀察生命中的各種痕跡和氣息，抽象的顏色一層覆蓋一層，就像是一層層呼吸，如此輕薄，卻又是十分重要。彭禹慈以碎形線條堆疊圖像，在層層交錯，而空間盡見「空/負空白」的運用。《暫別的風景》就放在食桌旁邊，作品似是未完成，筆觸看下去較少，構圖比例卻算得上大膽，建構流動的空間感，讓觀者意識超越邊界。王昱翔定居於台北，作品以原子筆為創作媒材，一筆一線地緩慢卻多少帶有缺陷地延展，《陰陽》以繪畫中的點、線作修行，似是細嘗生命中不同味道時港下的痕跡。董心如的中大型創作《窈渺》和《奧陶紀》約有一米半展闊，畫面看似抽象簡單，卻意外有力量，當中蘊含的是時間的累積和感性的濃縮。 「下一階段，我們將嘗試讓展覽不只存在於館內，而是進入城市感知系統中，成為一種潛伏的文化節點」，林郁晉告訴《藝術地圖》。展覽不再只是事件，而是微型生成結構（micro-generative structure），可以部署至教育、生活與建築場域中：「我們期待未來的策展語法不只是用來陳述藝術，而是成為一種可以被進入、被記憶、被再生的文化節奏，讓每一檔展出能留下脈絡感與心理節奏，也讓觀眾能在其中發生記憶。」 襲園美術館最新展覽《 斷與未竟 The Break and the Unfinished 》將於8月9日開展，邀請台灣藝術界重要人物 ── 林良材，以裂口為起點，展開關於感知、記憶與未竟意志的重構，展覽至10月25日。 📖全文請詳看： .hk/post/以人為尺度-襲園從不是單數-複製襲園生活圈-美術館不只是被觀賞的地方 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | 樊婉貞、勞拉申、胡敏慧 圖 | 襲園美術館 襲園美術館資訊 交通：乘高鐵至桃園站下車，步行約20分鐘 參觀：預約制，週六10:00-16:00 地點：桃園市中壢區青埔九街57號 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家計劃 #桃園 #中壢 #青埔 #桃園景點 #青埔景點 #美術館 #襲園美術館 #建築設計 #有待延續的痕跡#Traces_to_be_Continued #展覽 #art #design #museum #exhibition #life #taoyuantravel ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

「膨張する人格：透明な社会の枠組みを内側から揺るがすキュレーターの戦略」 登壇者｜#林郁晉 Lin Yu Chin（リン・ユージン）／（キュレーター） 日程｜2025年4月4日（金） 時間｜17:00～18:00 会場｜高架下スタジオSite-D集会場 住所｜〒231-0054 神奈川県横浜市中区黄金町1丁目 - トークイベント 現代社会において、デジタルメディアは、個人のイメージ形成にとどまらず、人と社会のつながりそのものにも深い影響を及ぼしています。本イベントでは、台湾のキュレーター、リン・ユージン氏を迎え、「ゲリラ戦術としてのキュレーション」をテーマに、透明化が進む社会や既存の権力構造への挑戦、そして新しい対人関係の可能性について議論します。 社会の透明化が加速する中、「膨張する人格」という現象が現代人の心理的特徴として浮かび上がり、私たちの世界観や人とのつながり方にも変化が生じています。本トークでは、リン・ユージン氏がどのように柔軟なキュレーション手法を駆使して従来の展覧会の枠組みを越え、現実と仮想をつなぎ、システムの隙間を活用する戦略を築いてきたのかを具体例とともに紹介します。 さらに、キュレーションを単なる展示手法にとどめるのではなく、コミュニケーションや行動の手段として再解釈し、デジタルメディアを活用してその影響力を広げる方法についても考察します。デジタル時代特有の疎外感にどう向き合い、より深い対人関係を築けるのか、そのための具体的なアプローチを探求します。 日々のキュレーション実践を通じて、行動と内省を促す新たな戦略を提案し、継続的な実験を通じて、さらなる可能性を模索していきます。 /event/250404event #日本 #橫濱 #黃金町 #浮腫人格 #膨張する人格

－ ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.03.07（六）－ 2026.05.23（六） － ｜因為有邊界，模糊才得以存在——李秉璈 畢業於國立臺北藝術大學美術創作研究所的藝術家李秉璈，近年以壓克力為主要媒材，在平面畫面中發展出複合性的視覺語彙。那些看似似曾相識的圖像，多半來自日常生活片段、社群媒體中的影像流，以及零星浮現的記憶。藝術家將這些散落的影像重新拼接與轉化，使畫面呈現出數位時代訊息層層堆疊後的朦朧輪廓。在這樣的情境下，「模糊」逐漸成為一種介於現實、記憶與虛擬之間的觀看方式。 此次展出的作品皆圍繞「風景」展開，由個人或他人的生活片段與影像碎片逐步拼湊而成。藝術家透過顏料的堆疊與反覆打磨，在畫面中建立出獨特的節奏與視覺趣味。〈千篇Day to day〉與〈生活的拓片04〉源於深夜觀看網路影像的日常經驗，那些反覆出現的影像畫面最終被轉化為繪畫的視覺語言。〈風情畫，彼方〉則從一張旅遊照片出發，加入繪圖軟體的手指符號，使畫面呈現出如同在手機螢幕上滑動般的輕盈感。〈翻頁單元02：天空〉則將日常背景中的天空拉至畫面前景，使那些曾被忽略的模糊風景重新進入觀看。 李秉璈說：「我好像從一種灰階、不明不白的狀態開始，去構築一個心靈風景。作品看似邊界清晰，但在意義上其實進行了混淆與打散，使畫面逐漸變得朦朧。」 － 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/03/07（六）– 2026/05/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術館 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #BlurringTheScenery #襲園美術館 #當代藝術 #李秉璈

－ ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.03.07（六）－ 2026.05.23（六） － ｜模糊是無法被控制的感受——劉文豪 在高清影像主導的當代社會中，「清楚」與「精準」似乎成為被期待的觀看姿態，如同人們修剪盆景時對自然所施加的控制與框限。 藝術家劉文豪在本次展覽中帶來《盆景》、《恐龍》與《雲》三個系列作品，從不同角度思考個體如何在框架之中生長，並在限制之間尋找新的可能。 《盆景》系列以盆栽作為隱喻。透過鐵絲綑綁、修剪枝葉等人為控制，自然被塑造成一種被期待的「完美狀態」。在藝術家的作品中，盆景成為對社會框架的提問：個體如何在限制之中形成自身的形態；《恐龍》系列則源於一個考古遊戲中的「連連看」機制。當藝術家嘗試連接點與點時，身體的細微顫動使線條無法保持筆直，反覆描繪後逐漸形成扭曲與誤差。這些錯位的線條最終構成對恐龍模糊身形的想像，如同人們依據零散化石重建遠古生物的樣貌；《雲》系列則來自一次日常觀察。藝術家透過紗窗觀看天空中的雲朵，並利用紗窗的網格作為描繪的框架。然而光斑穿越格線，使雲的形狀在限制之中逐漸變得模糊。 在劉文豪的作品中，「模糊」不只是視覺上的不清晰，而是一種在框架與誤差之間生成的觀看方式。 － 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/03/07（六）– 2026/05/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術館 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #BlurringTheScenery #襲園美術館 #當代藝術 #劉文豪

－ ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.03.07（六）－ 2026.05.23（六） － ｜模糊是充滿危機與詩意的世界——王愛眉 出生於比利時布魯塞爾的台裔視覺藝術家王愛眉，其創作長期植根於繪畫，並常以「碎片」作為出發點，從分離與重組的痕跡之中探索影像與其體現之間的關係。多年來，她在身體與景觀之間反覆轉換，使影像逐漸成為一種感知與記憶交織的場域。 本次展覽中，王愛眉帶來新系列《離體／原位》（In Vitro / In Situ）中的兩件作品〈清晰的後半部〉與〈路邊景箱〉，回應襲園美術館的空間條件。作品運用美術館的玻璃磚牆與清水混凝土等建築元素，重新思考風景如何在觀看中被建構，以及「清晰」與「透明」之間的關係。 畫面中的圖像來自藝術家蒐集 Google 與 Instagram 上與美術館相關的影像，並透過人工智慧重新生成視角。網格既呼應繪畫傳統中測繪風景的技術，也對應數位影像的像素結構。透過這樣的轉化，風景不再只是空間的再現，而更像是記憶沉澱後留下的痕跡，使「模糊」成為連結感知、時間與場域經驗的一種觀看方式。 － 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/03/07（六）– 2026/05/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術館 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #BlurringTheScenery #襲園美術館 #當代藝術 #王愛眉

展訊｜百年後，做夢仍是必要｜《超現實主義：對話中的世界》｜臺北市立美術館 一百年前，超現實主義誕生於第一次世界大戰後的廢墟之上。當戰爭撕裂了「理性必然通往進步」的現代神話後，超現實主義者們紛紛開始拒絕再將理性視為唯一通往真理的道路。百年後的2026年，世界的危機並未消失，我們依舊被捲入新的地緣政治、資訊戰以及數字治理對感知的操控之中。超現實主義當年反抗的理性神話，如今以更加複雜、更技術化的形式延續至今。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer 臺北市立美術館剛開展的《超現實主義：對話中的世界》，再度攜手德國圖賓根文化交流協會（Institut für Kulturaustausch, Tübingen, Germany），由策展人Maximilian Letze策劃，匯聚了近 60 位國際重要藝術家與影像創作者，逾 120 件代表性作品。從超現實主義先鋒馬克思．恩斯特（Max Ernst）、薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）、勒內．馬格利特（René Magritte）、曼．雷（Man Ray），到當代攝影大師辛蒂．雪曼（Cindy Sherman），乃至導演大衛．林區（David Lynch），展覽橫跨繪畫、雕塑、攝影與電影等多元媒材，完整呈現該運動對於「現實」的再想像。 | 展覽的四個子題從「集體夢境」到「幻化無際」，再到「慾望之體」與「荒誕玩趣」，它不是一場關於夢的招魂儀式，而是對現實提出質疑和抵抗。 雷內·馬格利特 （René Magritte）如夢似幻的現實陌異化場景，伊夫·唐吉（Yves Tanguy）無邊無際、荒蕪且光線奇特的內在風景，夢作為通往潛意識與重組現實的重要場域。如果將超現實的夢作為手段，那麼百年前的夢是對「內在裂縫」的探索，今日的夢則更像是「外部技術」生成的現實延伸。蘿倫·莫法特（Lauren Moffatt）透過遊戲引擎與擴增實境技術生成沉浸式的夢境。雅各布．吉爾多（Jacob Gildor）以直觀的方式運用「蛻變」，將潛意識呈現可多重解讀的歧義。以經典自拍像聞名的藝術家克勞德·卡恩（Claude Cahun）探討雌雄同體以及性別流動之間的變化，為後續創作者如同辛蒂·雪曼（Cindy Sherman）、歐蘭（ORLAN）等後世藝術家開闢了一條新的路徑。 | 超現實主義開啟的，不只是形式上的變形，更是一場主體、身份與身體的革命。 在「慾望之體」與「荒誕玩趣」子題中，達達主義與超現實主義重要代表人物之一曼雷（Man Ray），其著名《安格爾的小提琴》將女性背部化為帶有小提琴f孔圖樣的攝影作品，是最廣為人知的經典。此對既有認知符號的擾動，到了當代則被進一步轉化，藝術家梅雷特．奧本海姆（Meret Oppenheim）與莎拉．盧卡斯（Sarah Lucas）等挪用超現實圖像語彙，將傳統上被動的女性「客體」轉化為強大且主動的「主體」。《女孩》作品中運用多種日常材料拼裝雕塑，刻意拉長四肢與使其頭部缺席，讓「慾望之體」反倒成為拒絕供人投射慾望的載體。 電影之所以對超現實主義具有的重大意義，不僅因其前衛的視覺造型，更在於它透過剪接、疊印、拼貼與實驗性敘事，持續顛覆線性現實。三部在今日仍被視為最具代表性的超現實主義電影片段：潔嫚．杜拉克（Germaine Dulac）的《貝殼與牧師》、路易斯．布紐爾（Luis Buñuel）與薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）合作的《安達魯之犬》，以及布紐爾的《黃金時代》。大衛．林區（David Lynch）與葛雷摩．戴．托羅（Guillermo del Toro）等進一步將超現實意象與肉體恐怖、奇幻詭譎的元素相結合，讓潛意識優先於線性邏輯的觀看方式持續延伸。 | 做夢仍是必要 我們同樣生活失序、理性不再可靠；今日的演算法、AI影像、平台文化與技術治理卻讓夢改變了，成為人類對另一種現實的渴望。超現實主義曾為我們留下一整套重新想像世界的方式，它讓我們知道現實並非唯一形式，主體並非穩固不變，而未來也不必完全服膺於理性的單一路徑。 然展覽真正想提醒我們的是，超現實主義曾經改變了藝術，迫使我們重新思考：在今日，現實依舊荒誕，我們是否仍有能力對現實提出另一種夢？百年後，做夢仍是必要，只是夢不只是逃離，而是重新奪回現實的方法。 📖全文請詳看： .hk/post/超現實主義對話中的世界-臺北市立美術館 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文｜林郁晉 編輯 | 樊婉貞 圖｜台北市立美術館提供及作者現場拍攝 超現實主義：對話中的世界 展期｜2026.04.25～08.30 地點｜臺北市立美術館 地下樓D、E、F展覽室 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #臺北市立美術館 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected]

－ ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.03.07（六）－ 2026.05.23（六） － ｜模糊是現實與記憶之間的間隔 ——陳寬睿 入選 2025 年臺北美術獎的新銳藝術家陳寬睿，作品以複合媒材與裝置為主要形式，長期關注自然、結構與時間的關係。透過裝置、繪畫與雕塑之間的轉換，持續探索人與空間、時間之間的連結。 延續對環境與物質變化的關注。寬睿過去作品常見於裝置中的鏽蝕與氧化過程，在此次創作中被收束到平面繪畫之中。鐵鏽的時間性仍然存在，但不再劇烈變化，而是停留在相對穩定的狀態。那些鏽蝕的痕跡像是一段已經發生過的時間，被保留下來，成為風景的殘影。 在這樣的脈絡下，「模糊」不再只是視覺上的不清晰，而是一種介於記憶與現實之間的狀態。鏽的色層在畫面中擴散、滲透與堆疊，看似自然生成，卻同時被控制與凝滯。在他的作品裡，風景不再是具體的山與水，而更像是時間沉積後留下的感覺。 陳寬睿這次帶來三個系列作品。《破涘集》借用水墨中的「破墨法」，透過鐵鏽與藥水的生成關係，使形與勢在層層滲染中自然浮現，畫面成為時間與流動的痕跡集合。《落哀》系列從落葉墜地後逐漸變色、腐化的過程出發，以鋼鐵生鏽的特性，回應時間的流逝。《之間》則透過鏽與藥水的自然擴散，使痕跡停留在尚未確定的狀態，如同畫面完成前的片刻，也像故事結束前的瞬間。 － 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/03/07（六）– 2026/05/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術館 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #BlurringTheScenery #襲園美術館 #當代藝術 #陳寬睿

在一個無法退出的進步機制裡，被留下，還是被帶走？—《燼光之城──文明之後的迴響》｜忠泰美術館 我們習慣把「進步」理解為一條線性推進的時間線，彷彿所有人都被放進同一條路徑之中，只是速度不同。但《燼光之城──文明之後的迴響》所揭示的，卻是另一種更不穩定的現實：進步從來不是共同經驗，而是一種差異化分配的結果。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer 剛於忠泰美術館開展的《燼光之城──文明之後的迴響》由策展人高森信男與美術館團隊共同策劃，聚焦於較少被主流敘事所涵蓋、話語權相對有限的非歐美城市經驗，透過11組藝術家的創作，重新思考「城市」在不同歷史、政治與經濟條件下的現實樣貌。 我們對「世界級城市」的想像：一部分城市被建構為未來的樣貌，另一部分空間卻在被消耗、被掏空。「燼光」不只是毀滅之後的殘餘，而是一種仍在發光、卻持續消散的進行式。展覽從羅馬尼亞首都布加勒斯特的歷史建物拆除、敘利亞首都大馬士革的反烏托邦城市想像、加納首都郊區阿格博格布洛謝的電子廢棄物聚落、香港雨傘運動，到臺灣臺南的產業轉型與家園拆遷，這些看似遙遠的城市故事，映照出我們所身處的現代城市正在歷經的斷裂、重組與再造。 | 尚未發生的現實，提前佔據了我們的想像 台灣藝術家梅丁衍於2000年製作的作品《決戰境外》將軍事語言轉化為影像，使戰爭在尚未發生之前，便以可觀看、可消費的形式存在。它既屬於過去，卻持續滲入當下，讓某些尚未發生的現實，提前佔據了我們的想像。如今二十多年過去了，我們對戰爭、國族與自身政治位置的理解，真的發生改變了嗎？還是我們只是學會了以更熟悉的方式，接受危機成為日常背景？ Sebastian Moldovan 在布加勒斯特設置「巴黎」的路標，讓未曾抵達的未來，以一種近乎幽靈的方式漂浮在現實之中；Ayham Jabr 所描繪的未來大馬士革，則將戰爭創傷轉化為一種持續存在的視覺場域；而金雅瑛的《外送舞者星球》，則將演算法推向極端，讓人的行動被速度與效率徹底編排。這些作品並不是在預測未來，而是在揭露：我們其實早已被安置在某些被設計好的未來之中。 如果未來早已被預演，那麼問題就不再只是未來如何被想像，而是：這些被預演的未來，其代價被轉移到了哪裡？現代城市之所以得以維持其光亮與效率，往往仰賴另一端看不見的勞動、污染與流離。多哥藝術家席維斯特．艾耶歐（Sylvester A. Adero）的作品《貨幣—阿格博格布洛謝—戒指》揭示了那些被淘汰的電子產品送往西非後，在不安全的環境中被拆解；那些跨國遷徙的勞動力，最終在不同體制之間不斷移動、重新安置。進步在這帶來的成果與負擔，從來不是同時落在同一群人身上，而是透過全球性的轉移機制，被重新分配。 | 「家」不再是一個固定的位置，而是一種在流動之中被反覆組裝的狀態。 在這樣的移動與重新分配之中，「居所」本身也不再是穩定的存在。現居澳洲的菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦（Isabel and Alfredo Aquilizan）與 The Fruitjuice Factori Studio Collective 所帶來的現地大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》，正是從這樣的狀態出發。作品以大量使用過的紙箱搭建出一種臨時而可變的空間結構，這些紙箱既承載著遷徙、運輸與交換的痕跡，也指向一種不斷被打包、移動與重建的生活形式。 對菲律賓人而言，紙箱帶有濃厚的情感重量：它既是維繫家庭聯繫的寄送容器，也是街頭臨時棲身與搭建生活空間的材料。在這裡，「家」不再是一個固定的位置，而是一種在流動之中被反覆組裝的狀態。尤其對於長期處於跨國勞動與移動之中的群體而言，紙箱既是寄送物資的容器，也是暫時安置身體與記憶的空間。透過邀請在地居民共同參與，作品進一步讓不同的生活經驗在同一結構中交織，使「居所」成為一種持續生成、而非完成的狀態。 人們似乎知道得越來越多，卻感受得越來越少。當一切都被預測、被模擬，甚至連災難都成為背景，感知本身也被重新調整為一種可被承受的狀態。這不只是感受力的變化，而是一種被塑造、被編排的感知方式。 最後，也許在一個無法退出的進步機制裡，我們從沒有被帶往未來，也沒有停在原地；我們只是被分配到不同的位置，去承受不同版本的現在。 📖全文請詳看： .hk/post/燼光之城-忠泰美術館 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文｜林郁晉 圖｜忠泰美術館 《燼光之城──文明之後的迴響》｜忠泰美術館 日期｜即日起-2026.7.12（日） 地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號） 時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館） #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #忠泰美術館 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected]

－ ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.03.07（六）－ 2026.05.23（六） － ｜影像的視覺暫留 是另一種模糊的風景 —— 彭韋 藝術家彭韋，透過觀看本身所折射出的視覺反應與心理狀態展開創作。他將原本清晰而寫實的風景影像，透過物體與空間之間的互動經驗重新轉化，並以素描的方式提出提問：當我們看見風景時，究竟看見的是外在景象，還是經驗與感知所構成的影像？ 在彭韋的作品中，素描不再只是再現景物的技術，而是一種轉化機制。 鋒利而清晰的風景，在筆觸的轉譯之下逐漸變得模糊與柔軟，彷彿記憶在時間中慢慢沉澱。觀者也在藝術家精巧而簡潔的美學機制中，重新發掘觀看與創作之間的邊界與可能。 藝術家的創作契機，源自一次寫生經驗。那天正值夏至，刺熱的陽光使身體感到灼燒，眼前的景象彷彿在高溫中逐漸融化。當視線從刺眼的空白畫布移回眼前的景色時，所有真實的景物彷彿經過攝影翻拍與後製調整，呈現出過曝般的影像狀態：模糊而難以辨認。這樣的經驗開啟了藝術家對光的想像與好奇。移居竹北之後，他沿著頭前溪騎行、漫步與生活，透過不同速度的身體節奏感受這條河流的氣息，並在行走與停留之間進行素描。這些描繪不再追求景物的完整再現，而更接近一種觀看的過程：在看見與被看見之間，讓想像逐漸取代既定的風景。 在彭韋的作品中，純粹的想像空間取代了觀者對「完整圖像」的期待。透過這樣的反差，藝術家試圖翻轉觀看作品的方式，使觀者在面對畫面時經歷一連串心理轉換：想像、疑惑、期待，乃至短暫的失落。 － 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/03/07（六）– 2026/05/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術館 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #BlurringTheScenery #襲園美術館 #當代藝術 #彭韋

- ▋《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance 》 ▋展期｜2026.03.07（六）－ 2026.05.23（六） － | 風景 本身就是一個模糊的詞彙——李盈蓁 畢業於京都市立藝術大學陶瓷專攻的藝術家李盈蓁，近年創作以自動性筆觸為起點，探索陶瓷與繪畫之間的轉譯關係。當繪畫被轉化為陶瓷時，原本短暫、依附於紙張的痕跡轉變為具有時間性的物質存在。燒製過程中，紙或布的基底在高溫中消失，只留下黏土、釉藥與礦物的沉積，使色彩凝固為物質、筆觸轉化為浮雕，畫面以另一種形式持續存在。 本次展出的〈從底部而生的景〉系列中，風景不再被直接描繪，而是在材料與筆觸的生成過程中逐漸浮現。作品透過線條、色彩與質地構成一種感知結構，觀者在其中辨認出的形象，往往來自共享的經驗，而非藝術家事先設定的圖像。 李盈蓁的作品始終停留在繪畫與物質之間的臨界位置。它們延續了繪畫的手勢與節奏，卻最終呈現為輕薄的陶瓷片狀物。基底雖然消失，但繪畫性依然存在。在她的創作中，「模糊」並非來自影像解析度，而是生成於材料與時間的轉化過程之中，在燒成中逐漸浮現的物質風景。 📍看展預約：https://reurl.cc/46DyDv － ｜展期：2026/03/07（六）– 2026/05/23（六） ｜地點：襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街57號） ｜藝術家：王愛眉 - Aymei Wang、李秉璈 - Li Bing-Ao、李盈蓁 - LI Yin-Chen、陳寬睿 - CHEN Kuang Jui、彭韋 - PENG Wei、劉文豪 - LIU Wen Hao ｜策展人：林郁晉 - Lin_Yu_Chin ｜視覺設計：繆承翰 - Miao Cheng Han ｜展覽協力：謝婷卉 - Hsieh Ting Hui ｜影像統籌：葛映辰 - Ke Ying Chen ｜主辦單位：襲園美術 ｜協辦單位：僕人建築空間整合 襲園生活 _ #模糊的風景 #BlurringTheScenery #襲園美術館 #當代藝術 #李盈蓁

鬱卒不再只是情緒，而是一種結構性的觀看條件？| 威尼斯雙年展台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」| 臺北市立美術館 2026年威尼斯雙年展台灣館由北美館策劃，推出展覽「鬱卒的平面：李亦凡」，將於5月7日在義大利威尼斯普里奇歐尼宮開幕。這不僅是一檔個展的國際呈現，更是一個關於當代感知狀態的提問：「當我們幾乎所有的經驗都以螢幕作為開端時，『鬱卒』是否已不再只是情緒，而是一種結構性的觀看條件？」 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer 由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，即將在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動，並於5月7日晚間舉辦台灣館開幕儀式。今日（31日）於北美館舉辦行前記者會，代表參展藝術家李亦凡、策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）及北美館團隊一同揭開即將於全球藝術盛會發表的全新影像創作！ 「鬱卒的平面：李亦凡」，展覽最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思，指涉長期使用螢幕所生成的心理狀態。在轉譯為「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」之後，語意隨之產生位移。「鬱卒」不再只是低落或抑鬱，而更接近一種被壓縮、被攤平的感知形式。在資訊過量與人工智慧加速生成的條件下，觀看不再指向深度進入，而轉為持續滑動；情緒也不再累積，而是不斷被快速替換。人在這樣的介面中，感知逐漸趨於平面化，甚至開始以平面的方式理解自身。 李亦凡過去以操偶與 3D 影像構築出一種介於幽默與不適之間的敘事語法。那些帶著邪氣與黑色幽默的人偶臉孔，既令人發笑，也令人感到某種難以名狀的偏差。這些帶有明顯不健康氣質的人偶，同時也是他自身的投射與替身。透過操偶，畫面中這個看似虛弱、失衡，甚至帶有病態感的角色，一本正經地說出「做動畫很健康」，在身體狀態與話語內容之間的落差中，形成直接而尖銳的反差，使作品中的黑色幽默更具張力。 | 明確的世代意義 此次台灣館的組合，藝術家與策展人皆成長於網路技術的萌芽與擴張期，在數位轉型的過程中，同時扮演使用者與觀察者的角色。 策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）從李亦凡的第一件作品《海邊散步》（2011）至最新《鬱卒的平面》（2026）的創作脈絡切入，梳理其影像技術與敘事節奏的轉變。這種回溯並非單純的創作史整理，而更接近對影像條件本身的持續調校與試探。在此脈絡中，策展引入借鑑德國藝術家阿爾布雷希特．杜勒（Albrecht Dürer）1514年的版畫《憂鬱 I》（Melencolia I）作為對照。若說文藝復興時期的「憂鬱」仍指向人類面對知識與存在時的困境，那麼在今日，「鬱卒」則更接近一種由技術條件所生成的感知疲乏。兩者之間的差異，不在於情緒本身，而在於情緒被生產與被消耗的方式。 台灣館自1995年設於威尼斯「普里奇歐尼宮」，它是一棟建於17世紀的監獄。展覽場地普里奇歐尼宮的歷史，使這個問題進一步被具體化。這座曾作為監獄的建築，本身就是一個身體被規訓與導引的空間。李亦凡將其轉化為影像敘事的場域，使觀看不再只是視覺行為，而是一種被空間包裹的經驗。當觀者進入展場，影像、聲響與雕塑共同構成一個持續運作的感知環境，使人同時處於觀看與被觀看的關係之中。 | 一個關於眼球的故事 展覽以一件長達 60 分鐘的影像裝置為核心，並搭配兩件短片，圍繞一顆「眼球」返家的故事展開。這個設定看似荒謬，卻精準指向一個關鍵問題。當「看」成為主要的感知方式時，眼球本身是否也成為一種被分離、被觀看的對象。李亦凡以近似教學影片的語氣，混合即興獨白，從電腦動畫談起，逐步延伸至 AI 影像生成、高低文化的區分，以及身體與技術之間的界線問題。 影像之外，展場中的大型 3D 列印身體碎片進一步強化這種感知結構。手掌、頭部與肢體不再作為完整身體的一部分，而是以誇張比例被獨立呈現。觀者在其中移動，既像進入影像的內部，也像進入一個被拆解的身體之中。這種配置使「真實」與「數位」之間的界線失去穩定性，也使觀看轉變為一種具有身體重量的經驗。 文｜林郁晉 Lin Yu Chin 圖｜臺北市立美術館 2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」 展期｜2026年5月9日至11月22日（週一休館） 地點｜義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy） ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected]