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[柏林] 街頭藝術 | 2026年幸運貼圖 不論街頭壁畫還是巷弄塗鴉，它們都是柏林豐富公共藝術風景線不可或缺的一環。德國旅遊局為我們安排的柏林單車探索行，導遊是個「柏林飄」，來自瑞典，她帶領我們騎行一圈：從Prenzlauer Berg隱秘的小巷出發，經Mauerpark的圍牆遺址、沿著那段訴說德國和柏林歷史與變遷的東側畫廊，再穿梭Kreuzberg街區後折返。來自各地的創作者，各自拋出不同想法，訴說各種的故事，每一面牆都為這座城市注入量能。究竟是柏林自身吸引了世界各地的街頭藝術家蜂擁而至，抑或是他們的創作，才真正塑造了這座城市獨有的氛圍？無論如何，只要帶著好奇心，一路踩踏，就能在輕鬆騎行中享受柏林街頭文化的多元魅力。 | 不能錯過 東側畫廊（East Side Gallery）是德國柏林磨坊街（Mühlenstrasse）柏林圍牆上的藝術作品展示區，全長1.3公里。這段柏林圍牆因靠近東柏林市區分界線，亦被稱作「腹地牆」（hinterland mauer）。東側畫廊收錄了1990年在柏林圍牆東側繪製的105幅塗鴉壁畫；壁畫融合諷刺、政治表態和個人反思，編就一幅生動的長卷，記錄了圍牆倒塌後歐洲的樂觀與焦慮。自此，這裡成為自由的象徵與紀念地。 東側畫廊塗鴉作品中，名氣最大的是《兄弟之吻》（英語：Fraternal Kiss；德語：Bruderkuss），正式題為《My God, Help Me to Survive This Deadly Love》，Dmitri Vrubel 1990年創作。此作的原型是1979年拍攝的照片；畫面忠實再現1979年東德建國三十週年慶典上，蘇聯領導人列昂尼德·布列茲涅夫（Leonid Brezhnev）與東德黨魁埃里希·何內克（Erich Honecker）相擁一吻的經典瞬間。隨著歲月流轉，這幅震撼人心的作品已成為東側畫廊的象徵，既喚起冷戰時期的政治情誼，也在情感上契合德國對重獲統一的殷殷期盼。 [柏林街頭藝術]貼圖索取方法： （一）LIKE (讚) 以及FOLLOW (追蹤) 《藝術地圖》IG及FB； （二）LIKE (讚) 柏林街頭藝術專輯裡，其中一張你最喜愛的封面 （三）推薦3 位朋友，留言並請他們加入追蹤粉絲； （四）登入《藝術地圖》.hk 登記成為訂閱者； 記得之後請私訊@artmap_artplus IG，截圖你最喜歡的封面或圖片，同事會傳給相關圖片的影像，可以做為你最喜歡的新年貼圖，傳遞最棒的祝福給你的朋友群。活動僅進行三天，2026年1月4日起將不再寄送囉。把握機會就是現在！ ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

荔枝與椰子是怎樣與起司蛋糕打成一片？只有「Mr. CHEESECAKE Sakekasu Coconut」才知道 「那時候又年輕又貧窮，不知道什麼叫做害怕，我住在如起司蛋糕的三角地帶。現在想起來是很不爭氣的生活，卻很快樂。」—— 村上春樹在他的早期短篇小說《我的起司蛋糕形狀的貧窮》裡，收錄在《遇見100%的女孩》文章裡這麼地形容自己窮困簡單卻快樂的早期生活。 被認為可能起源於古希臘的起司蛋糕，源於第一屆奧林匹克競賽上，人們用麵粉、蜂蜜和起司製作了最原始的乳酪蛋糕，只為了給參賽選手增強體力、鼓舞士氣。而今，這常被描述為「輕乳酪是雲朵，重乳酪是靈魂。」的文人最愛，是最優雅的甜點，最療癒的輕下午茶。輕乳酪如同舒芙蕾般空氣感十足，重乳酪則以紮實濃郁的起司風味直擊靈魂，起司蛋糕是既溫柔又深邃的自由魂。 Mr. CHEESECAKE是一家被譽為「東京 No.1」、「一生必吃」的傳奇起司蛋糕品牌，由擁有法國米其林餐廳背景的廚師田村浩二創立。最近剛推出的香港夏季限定口味「Mr. CHEESECAKE Sakekasu Coconut」是香港限定新作。品牌創辦人田村浩二主廚特意將象徵日本的酒粕元素，結合深受香港人喜愛的椰子風味，打造專為香港創作的期間限定甜點，並以原條及杯裝兩種形態推出。而未曾在香港公開發售，日本大熱的「RICH TIRAMISU」亦將於同日開售。 | Mr. CHEESECAKE的三種經典吃法 剛打開「Sakekasu Coconut」起司蛋糕時，以為自己錯過了最佳品嚐時機，起司蛋糕的表面竟然沒有 BABY FAT，原來內容實在的椰子起司蛋糕，就是要那層椰子及酒粕的融合，濃厚的旨味與獨特香氣，是一種極具深度的食材，彼此產生良好的協同效應。Mr. CHEESECAKE 的味道和香氣會隨溫度轉變，可慢慢享受當中變化。冷凍吃：質感像雪糕般，酸味較突出。半解凍：既溫柔又剛強，細滑口感形成強烈對比。全解凍：如焦糖燉蛋般的口感 我最愛的吃法：先將雜果融化，熔岩般的莓蜜如水彩流瀉，與來自英國知名品牌陶器SUEURE相互呼應，我不信莫內會比我更懂吃。再來一杯如火山熔岩般流蕩出來的濃縮咖啡，馬上將甜味均衡出色的Mr. CHEESECAKE襯托地無懈可擊。這樣的下午茶，好比一幅畫。 | 荔枝與椰子原來偕同地特別融洽 主廚田村浩二還特別加入少量荔枝果泥，為整體風味增添香氣與更平衡的層次。沒想到荔枝與椰子雖來自相近地域，卻好像住在高樓裡的鄰居一樣從不打招呼，田村主廚是怎樣把它們打成一片的？就要試試才知道。荔枝與酒粕好像清新的少女，而椰子讓他透出淡淡的書卷味，就像融合了香港與日本的混血風情，這個特定風味的限定口味，只有香港才嚐得到。 Mr. CHEESECAKE 希慎廣場店資料 地址：香港銅鑼灣希慎廣場 B1 層 B110營業時間：每日 11:30 至 21:00 📖全文請詳看： .hk/post/mr-cheesecake 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 MR. CHESSE：/; IG: @mr.cheesecake.hk SUEURE陶器：；IG@sueure ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap 我要加入《藝術地圖》列表 | ArtMap Listing 《藝術地圖列表》是一項年度會員付費計劃，已執行超過20年，節目登錄以數據統計為目的；只要加入會員，便可刊登活動在網站「《藝術地圖》頁面」同步露出 @artmap_artplus 及臉書。《藝術地圖》列表，讓中港澳台鄰近城市的華文讀者第一手獲得您的展演活動。欲知更多詳情，歡迎先讚好專頁，將專頁選為「搶先看」與我們聯繫：WhatsApp | +852 5160 1226 EMAIL | [email protected];[email protected]

英國當代藝術的始作俑者 你不可能沒有聽過他們 |YBA & BEYOND: British Art in the 90s from the Tate Collection | 英國泰特美術館大展登陸日本 英國泰特美術館（Tate）藝術展《改變世界的90 年代英國藝術》（YBA & BEYOND: British Art in the 90s from the Tate Collection）今年登陸日本。這場為期超半年的展覽，集聚泰特館藏精華，一次性呈現英國當代藝術史上最具標誌性的作品，很多是首次在日本展出，分別在東京和京都巡迴展出。 《改變世界的90 年代英國藝術》聚焦1980年代末期至2000年代初的英國藝術，集合60位元英國當代藝術家的100件作品，回望二十世紀90年代的英國當代藝術軌跡。藝術是時代的切片，展覽完整還原1990年代英國社會變遷，涵蓋後柴契爾時代與全球化初興時期的青年文化爆發，探討身份政治的崛起。 | 從法蘭西斯・培根到英倫搖滾 走入展覽現場，法蘭西斯•培根（Francis Bacon）的紅色三聯畫第一個映入眼簾。這是法蘭西斯•培根在1988年對1944年舊作的再創作。作於二戰的首作《十字架底下人物的三張習作》描繪戰爭的滿目瘡痍與悲痛灰暗的時代情緒。44年後的1988年，即柴契爾夫人執政後期，經歷自由化改革的英國社會進入經濟繁榮和政治上升期，但法蘭西斯•培根仍以希臘神話中的三個復仇女神為原型，每格中分別有個扭曲的擬人動物。 自由主義經濟繁榮，帶來的不是老歐洲彼得邁爾式（Biedermeier）的感性雅致，而是搖滾般的英式叛逆。YBA是Young British Artists的縮寫，指英國青年藝術家。這個1980年代末至2000年代初在倫敦崛起的先鋒藝術群體，以反傳統、實驗性、直面社會議題為標誌。年輕藝術家挑戰學院派與商業藝術體制，通過繪畫、雕塑、裝置、影像、攝影、行為藝術等多元媒介，探討死亡、性、消費主義、身份政治和社會創傷等尖銳主題。 | 六個章節，再現先鋒大膽的英國90一代 YBA & BEYOND以6大章節、5個聚焦點再現英國當代藝術脈絡。「破碎的英格蘭：新世代的登場」仿佛社會新聞的頭版頭條，當柴契爾夫人召開記者會宣佈辭職時，倫敦橋爆炸，500多個員工正在街頭罷工；「大熊座：串起城市的影像」轉向城市景觀，讓城市成為被觀看與被改寫的場域；「共用那一刻：音樂、亞文化、時尚」以攝影師沃爾夫岡・蒂爾曼斯（Wolfgang Tillmans）的作品為主軸，把音樂、時尚與亞文化置入藝術語境。 展覽自上而下，由大變小，像攝影機鏡頭般，從廣角逐漸聚焦和收縮，從宏大指向微觀。第四章起，展覽傳遞出YBA的核心藝術理念，即身份敘事主流化，讓私人情感等同於公共藝術。「現代醫學」指向身體，觸及愛滋病引發的恐懼；「作為個人空間的家」將私人領域視為政治場域，在微小的個體空間中探索社會圖景；最後以「從平凡事物中誕生新意：身邊的材料」結束，呈現微不足道、脆弱短暫的物件，讓個體身份成為當代藝術的核心母題，讓藝術更關注人本身。 | 作為當代藝術鼻祖的YBA 當代藝術為何如此光怪陸離，令人費解？有這個困惑的人不只是你，大眾對當代藝術的「接受」，更多是因為習以為常，而非真正理解。如果你有這個困惑，不妨來展覽《改變世界的90年代英國藝術》中尋找答案，因為今天我們習以為常的諸多當代藝術話語，都能從YBA找到源頭。YBA不僅是90年代藝術潮流，更徹底改寫了當代藝術的規則邊界、創作邏輯和市場生態，今天我們看到的當代藝術形態，都深受其影響。 特納獲獎者翠西・艾敏《我的床》1999年橫空出世，震驚四座，把私人生活、垃圾、日用品、身體和創傷直接搬進美術館，終結了只有繪畫雕塑才是藝術的偏見，讓日常現成品與私密敘事成為當代藝術主流，徹底打破藝術的高雅門檻，普通人的生活、情緒和日常物件都能成為藝術素材。 YBA也是第一批主動商業化與品牌化先鋒藝術群體。達米安・赫斯特把藝術做成 IP進行規模化創作，與資本品牌深度合作，打破藝術家必須清貧的舊規。全球藝術市場規則因此被重塑，藝術家可以是創業者和品牌主理人，藝術與商業流量、大眾傳播不再對立，也是今天網紅藝術、IP和商業大展的源頭。 📖全文請詳看： .hk/post/英國泰特美術館大展登陸日本 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | 勞拉申 圖 | 東京國立新美術館 YBA & BEYOND 時間：2026年2月11日 - 5月11日 地點：東京國立新美術館 YBA & BEYOND 時間：2026年6月3日 - 9月6日 地點：京都市京瓷美術館 #藝術地圖 #artmap_artplus #泰特美術館 #東京國立新美術館 #YBA & BEYOND Tate 藝術展 英國藝術 YBA ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

走進復古麵包工廠 童年回憶殺來襲 | 嘉頓朗豪坊快閃店 「嘉頓麵包，物有所值。」老一輩港人耳熟能詳的廣告口號，在嘉頓麵包創立的100年後仍然可以朗朗上口；「時時食，隨時食，一齊食。」 (主打年輕與零食市場)對於麵包「熱氣」的誤解，時時食 (Sizzlers)更是深得人心。但對於嘉頓取名的來源，大概很多人並不知道是創辦人張子芳及表兄黃華岳在香港動植物公園（Hong Kong Botanical Garden）討論開麵包店大計時，因「Garden」命名，並取其粵語諧音「嘉頓」。 今年是嘉頓成立一百週年(創立於 1926 年)，首個跨界企劃「Every Bite Tells A Story」在朗豪坊四樓通天廣場舉行。品牌靈魂紅白藍主色調貫穿全場，搭配經典格紋細節鋪滿牆面、裝置、陳列台，彷彿穿越到上世紀。嘉頓平價耐吃的烘焙食品在港人及大灣區居民心中擁有極高的認知度，無論標誌性的藍白格仔蠟紙包裝的「生命麵包」，還是鐵盒裝的大份嘉頓什餅，都承載了不少人的回憶。 若坐著時光車回到1926年，一次世界大戰（1914-1918年）結束隨後的抗日戰爭，嘉頓在香港歷史中有其戰時「救命糧食」的社會地位。在 1937 年抗日戰爭全面爆發後，嘉頓承擔了糧食供應的重任，這香港國民品牌於戰時連續趕產，曾創下連續 7 天、24 小時不間斷生產的紀錄，趕製了 20 萬磅（約 9 萬公斤） 的「勞軍餅乾」供應給前線軍人。隨後生產高營養、長保質期的 「防空洞餅乾」和軍用餅乾，成為當時市民在戰火中維持生命的重要食糧。 | 朗豪坊穿梭復古廠房 感受時光倒流 朗豪坊四樓通天廣場中矗立著工廠主題核心裝置——巨型螺旋形生命麵包晾涼架，還原舊日真實生產場景，旁邊還停泊著一台彩色托盤麵包送貨車。 除了場景裝置，同場還有「百年故事展區」，完整梳理嘉頓百年本土發展足跡：初代餅乾罐、學生年代的卡侖治糖、60年代家家戶戶都食的大包加拿餅、過節必備家庭什餅、香蒜雞片、夾心蛋糕、忌廉威化⋯⋯逐樣看過去，每一件都是滿滿回憶。 | 限定聯乘 復古美學變日常好物 今次展覽的限定店獨家推出多款新品，包括首賣彩色朱古力手指餅禮盒。此外，嘉頓還由日常飲食跨界至潮流領域，聯同本地潮流品牌推出服裝，於限定店獨家發售。 限量版毛絨公仔扭蛋機，則將陪伴大家成長的經典美食化身為潮流收藏小物。 | 中菜風熱狗值得一試 麵包還有新吃法。嘉頓今次與新派中菜餐廳玥派聯乘，以嘉頓皇牌麵包做基底，大玩中西破格混搭，把乾炒牛河、蔥油手撕雞、梅菜扣肉、水煮牛肉四款中菜，變成特色熱狗，味道破格又驚喜。 圖文 | ASY 📅 展覽資訊 朗豪坊嘉頓「Every Bite Tells A Story」 展覽日期： 2026年4月30日 - 5月31日 時間： 10:30 - 22:30 地點： 旺角朗豪坊4樓通天廣場 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #嘉頓生命麵包 #EveryBiteTellsAStory ddprhk @langhamplace @gyeahyeah @ddprhk ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap 我要加入《藝術地圖》列表 | ArtMap Listing 《藝術地圖列表》是一項年度會員付費計劃，已執行超過20年，節目登錄以數據統計為目的；只要加入會員，便可刊登活動在網站「《藝術地圖》頁面」同步露出 @artmap_artplus 及臉書。《藝術地圖》列表，讓中港澳台鄰近城市的華文讀者第一手獲得您的展演活動。欲知更多詳情，歡迎先讚好專頁，將專頁選為「搶先看」與我們聯繫：WhatsApp | +852 5160 1226 EMAIL | [email protected];[email protected]

把在台北感受到的 EVERYDAY OBJECT 帶到香港 | The EVERYDAY OBJECT Select Shop By SCANNOW @EAST 生活中的感受，你是從哪裡啟發？一餐令人垂涎的美食？一場朋友的吹水歡樂？還是宅在家裡與自己喜歡的家居共處？ 告訴我那是甚麼樣的景況？一套軟濡的沙發，一杯不太計較的美式咖啡，一張剛剛買回來不久的黑膠碟，還是終於可以讀完的一本小說？ | 創造想像中的生活感 SCANNOW，一個從香港城市出發探索平台暨文化品牌，以「Explore to Earn」手機應用程式鼓勵用戶走進城市；EVERYDAY OBJECT（EO）一個從台北出發，全方位生活風格媒體與品牌 ，專注於透過多種媒介探討生活、消費，以及創造理想日常所需的㇐切 。2026年5月聯手策劃三個月「生活實驗」，透過 60+ 品牌探索「生活感」。 台灣生活風格媒體暨品牌 EVERYDAY OBJECT (EO)與香港城市探索平台暨文化品牌 SCANNOW 合作，從台北到香港，透過 1 間策展式選物店、2 座城市、60 餘個品牌，開啟為期三個月回歸生活感的實驗。由 2026 年 5 月 2 日 至 7 月 31日，於 EAST 香港東隅共同策劃，讓公眾走進 The EVERYDAY OBJECT Select Shop By SCANNOW，通過「Way To Travel, In The Office, At Home」的選物現場，從中尋找那件能⾧久陪伴他們的日常物件，於㇐物㇐器中感受生活，回到當下。 | ㇐場從台北到香港的「生活風格」實驗 生活感在不同城市的演繹，藏在日常選物和感知裡。深受台灣生活風格媒體 EVERYDAY OBJECT (EO) 的啟發，香港城市探索平台 SCANNOW 發起邀請，兩個主辦單位各自挑選品牌，策劃通過日常物件來感知生活的選物空間，㇐場從台北到香港關於生活風格異同的實驗就此展開。 每㇐件選品，都是策展人自己真正會用、會買、會推薦給朋友的東西。每㇐個品牌背後，都藏著㇐個關於如何好好生活的日常故事。以日常選物作為媒介，讓公眾在㇐個空間裡，能直接看到、摸到這份跨越地域對於如何感知生活的具體想像。 | 三個月，三個主題——關於我們如何好好生活 生活始於好奇與探索，從旅行到工作，最後回到家中。生活風格的具象化，最終是回到每㇐個日常和當下。本次選物店企劃以三個月為期，每月因應不同主題進行品牌更換： 5 月：Way To Travel（旅行） —— 出發前的準備、過程中使用的物件、旅途結束的紀念品 6 月：In The Office（工作） —— 透過這些物件，讓工作更有意思 7 月：At Home（家） —— 把家打造成自己的美術館，每個日常物件都是藝術品 The EVERYDAY OBJECT Select Shop By SCANNOW @EAST 日期 | 2026 年 5 月 2 日 — 7 月 31 日 地點 | 香港太古城 太古城道 29 號 費用 | 免費入場 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap 我要加入《藝術地圖》列表 | ArtMap Listing 《藝術地圖列表》是一項年度會員付費計劃，已執行超過20年，節目登錄以數據統計為目的；只要加入會員，便可刊登活動在網站「《藝術地圖》頁面」同步露出 @artmap_artplus 及臉書。《藝術地圖》列表，讓中港澳台鄰近城市的華文讀者第一手獲得您的展演活動。欲知更多詳情，歡迎先讚好專頁，將專頁選為「搶先看」與我們聯繫：WhatsApp | +852 5160 1226 EMAIL | [email protected];[email protected]##

最後假日去哪 | 體驗媽閣三日慢生活：品茶、逛市集，看非遺 五月的媽閣塘片區，比平日多了一層緩慢的氣息。走進海事工房一號、二號、大鐵棚與戶外廣場，人群在竹棚、茶席、手作攤位之間自然流動。第二屆「媽閣慢活節」以「一念茶時 × 非遺拾光」為主題，將亞洲茶文化市集、非遺市集、貴州村T、茶席、茶宴、工作坊、講座、設計展與音樂表演集合於媽閣塘片區。四十多間來自不同地區的茶品牌，帶來茶飲、茶食、茶啡、茶酒與茶物。「茶」不只是茶席上的一壺熱湯，也可以是帶有果香與酒感的創意飲品，或是轉化為甜點、器物與生活美學。 | 景德鎮手工陶瓷茶杯（限量版）「水鏡茶席」竹棚下坐一坐 首次在澳門集結的亞洲茶文化市集先從一杯試飲開始，在味覺裡慢慢辨認茶的層次。「一念茶時 × 景德鎮手工陶瓷茶杯（限量版）」供觀眾於現場試飲二十多款茶品。據介紹，這種茶杯隨著日後反覆飲茶，茶湯會慢慢滲入細密開片之中，養出如金絲、葉脈或河流般的茶線。 建築設計師 João Ó 與 Rita Machado 打造的兩座竹棚空間「茶殿場」與「茶演場」，重新解譯茶文化語境，既保留傳統建築手工的粗糙感，也呈現出輕盈可呼吸的空間。 「水鏡茶席」是活動中最值得細品的體驗之一。一張門票可體驗三位不同茶藝師的專業侍茶，每場約一小時，每日限量三場。茶席把人的速度放慢下來。坐定之後，茶藝師從選茶、注水、聞香到分杯，逐步展開一套具有節奏感的儀式。茶湯入口之前，先有器物的觸感、熱氣的升起、茶藝師對茶品的介紹，以及同席觀眾安靜等待的片刻。 | 福州百年洪家茶 第五代傳人茶演示 福州百年洪家茶第五代傳人洪卉搬出10年好茶。武夷山上的岩茶，茶樹於岩縫中生長，有強烈的地質味，對於喜好重口味的茶癡，有如品了一桌宴席。知名的紅茶名品「青岐岩蓮香」歷史已逾百年，最初產自洪家的福勝春茶行，由洪天賞研發。洪家人來自金門青岐，「岩蓮香」指這種紅茶的茶湯質地如岩石，幽香似蓮花。在一次訪問中，洪植錦表示由於父親年歲漸大，他接替父親四處走訪製茶師，尋求復原之法。2016年，在福建省茶葉研究所技師劉敦的協助下，在茶客中頗負盛名的青岐岩蓮香終於重新問世。現在由第五代傳人接手，更將茶的推廣散至中港澳台，一饗眾名家。 | 因為一位場長改變鹿野茶經濟 臺東鹿野博雅齋將紅烏龍發揚光大 臺東的鹿野海拔不高，300公尺後山過往僅能種出清香型的綠烏龍，但怎樣也無法與1500尺的高山茶比較，一直處於劣勢，很多茶樹都改成甘蔗、鳳梨 (港稱「菠蘿」) 等水果。2008 年（民國 97 年），當時的茶業改良場臺東分場長吳聲舜與其研究團隊，決心解決中低海拔茶區的瓶頸。他結合了「烏龍茶」與「紅茶」的製茶技術精髓，以「重萎凋、重揉捻、重焙火」的獨特工藝打造而成。從此改變了鹿野的茶經濟。 此次演示茶的博雅齋第二代傳人簡睿萱表示鹿野的茶一個半月可以採收一次，比較起高山茶一年只能2-3收，鹿野採收量很多。「紅烏龍」現在已成為台灣茶飲的明星品項，配合起奶茶或單飲，有相當個性的表現。博雅齋由茶人吳秋伶經營，堅持「自然農法」無毒耕種，自2008年起累積獲得超過97面金牌，更榮獲有「食品界米其林」之稱的國際風味評鑑（iTQi）最高三星及二星榮譽。 與另一種熱門茶飲「蜜香紅茶」不同。蜜香獨特並非人工添加，而是茶樹的自我保護機制。它是茶葉受到小綠葉蟬（Jacobiasca formosana）叮咬後，釋放出特殊的物質以吸引害蟲的天敵，這種特殊的生化作用被稱為「著涎」。蜜香紅茶接近 100% 的全發酵，屬於紅茶類。綠烏龍不是發酵茶，紅茶是100%發酵。紅烏龍介於70-80%發酵，較接近紅茶，它兼具烏龍茶的「甘醇喉韻」與紅茶的「蜜果香氣」，茶湯橙紅明亮，適合中低海拔茶葉，解決了夏秋茶品質不佳的問題，開啟了鹿野茶業的復甦之路。 | 貴州村T首次來澳門 近年受到廣泛關注的貴州村T，由凱里苗族青年古阿新（楊春林）發起，以T台形式推廣貴州黔東南苗侗民族文化。它最動人的地方，不只是服裝本身的華麗，而是老人、小孩、村民都可以成為展示者。當民族服飾、銀飾、刺繡與步伐一同出現在舞台上，觀眾可以看到一個地方如何把自己的文化重新穿在身上、走向外部世界。對有意降低博彩關注度、借助非遺與舊區活化拓展旅遊業的澳門來說，是一個很好的學習榜樣。 媽閣慢活節：一念茶時 × 非遺拾光 日期 | 2026年5月1日至3日 時間 | 中午12時至晚上8時 地點 | 媽閣塘海事工房一號、二號、大鐵棚、戶外廣場 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #澳門藝文 #茶藝 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

專訪 | CCDC藝術總監桑吉加 | 新舞季主題「疊景」發佈 2025年，香港城市當代舞蹈團（CCDC）迎來新一任藝術總監桑吉加。出生於甘肅藏區的桑吉加（桑巴）是一位在舞團內部創作近十年的編舞者。2026舞季之際，桑吉加與《藝術地圖》談及最初與CCDC的緣分，從舞者到編舞，再到如今作為藝術總監的思考與策略。 CCDC是桑吉加在香港的起點。1992年他被現代舞大師曹誠淵在廣東建立的中國首個專業現代舞團——廣東實驗現代舞團所吸引，決定了將來要以現代舞作為職業方向，1999年順勢作為舞者加入曹誠淵創辦的CCDC。CCDC之後到歐洲學習當代舞蹈，2006年從德國回來後卻決定不再做舞者，只專注編舞。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer 2015年在曹誠淵的邀請下，桑吉加回到CCDC擔任駐團編舞。當時舞團正面臨創作世代的更新：長期駐團編舞黎海寧退休，新的創作方向尚未完全確立。對於已在歐洲與內地長期工作的桑吉加而言，香港並不是一個需要重新適應的城市，而更像是一個允許創作者重新調整節奏的中途站。「做藝術總監，其實還是創作，只是把創作的範圍從一個作品，擴大到整個舞團。」桑吉加的上任並非從外部「空降」，他的身份轉變是在排練室中逐步完成的。 CCDC的舞者來自不同文化背景，多數剛從院校畢業，對舞團制度與長期創作流程仍在適應之中。如何讓舞者從技術執行者轉變為參與創作的人，是他目前反覆思考的問題。「舞蹈不是只把動作完成」他說，「舞者要知道自己為什麼站在舞台上。」 | 編舞《茫然先生》：空間先於動作 「命題」是編舞的起點，而「空間」是桑吉加在命題後第一個想到的事。 他反覆提到，自己創作時首先思考的從來不是舞步，而是舞台如何存在。「空間本身會決定舞蹈往哪裡走。」他說。 例如在被他評價「挑戰最大、投入最多」的作品《茫然先生》的創作中，他以小說家Paul Auster的《密室中的旅行》為靈感，在舞台上建構出一個封閉房間，將十六名舞者長時間困於其中。觀眾看到的並非單純的動作編排，而是一種持續的狀態。 這個作品對他而言既是突破，也是困境。 最初版本中，觀眾被安排在高處俯視舞台，只能看到舞者的頭頂，整體觀看效果並不理想。同時，他在舞台上設置多個監控鏡頭，試圖重新思考「誰在觀看」與「觀看什麼」。排練過程中，他必須解決大量實際問題：舞者如何在一個多小時內保持角色？不跳舞時如何存在？等待是否也是表演的一部分？ 「像是自己給自己挖了一個坑。」他回憶。「但這個作品讓我積累了大量創作經驗，對我來說意義重大。」 | 從創作者到帶領者 正式接任藝術總監後，桑吉加所面對的已不再只是作品，而是整個舞團的運作。「與其說是權力增加，不如說是視野被迫擴大。」他需要思考的不僅是下一部作品，而是舞者五年後會成為什麼樣的藝術家、舞團如何與國際建立長期關係，以及如何在有限資源中維持創作環境。 他早年的跨文化學習經驗在此派上大用場——從九十年代加入中國第一代現代舞團，到紐約學習，再到德國跟隨William Forsythe學習和工作的五年。不同制度之間的差異，使他理解舞團如何塑造舞者。 桑吉加也為 CCDC 帶來了不同的思路和資源。比如拿到他的導師William Forsythe的作品版權讓舞團表演。「以前CCDC很難實現這件事，他的作品通常只給波士頓芭蕾舞團、荷蘭舞蹈劇場、法國歌劇院芭蕾舞團等大型舞團。」讓香港的舞團排演大師作品，能幫助年輕舞者快速成長，之後也會朝著這個方向，他希望為CCDC引進更多舞蹈版權。 | 舞季新主題「疊景」強調連結 CCDC 2026–27 舞季主題為《疊景》（Sensory Matrix），以「人景、、事」的層疊、並置與互動為線索，強調感官、共情與當下之間的連結。 舞台製作上，新舞季已公布四個重點節目，包括《兩咚咚》，將於 2026 年 5 月 29 至 31 日在葵青劇院演藝廳上演；熠熠炅系列《生如夏花》，將於 2026 年 7 月 31 日至 8 月 2 日在西灣河文娛中心劇院舉行；佼佼錚錚系列《基利安與桑吉加》，定於 2026 年 10 月 30 至 31 日在東九文化中心劇院上演；以及《疊疊不休蔓蔓舞》，預計 2027 年 1 月於香港文化中心劇場登場。 作為文化交流與節慶平台，CCDC 表示本季將繼續推動來訪與出訪交流，延續「在地 x 至外」的節奏；其中「跳格」今年將作境外巡迴放映，而「城市當代舞蹈節」則再次在本地舉行。 重點節目城市當代舞蹈節 2026將於 2026 年 10 月 23 至 31 日在東九文化中心舉行，以文化交流為核心，並再度呈獻「HOTPOT 東亞舞蹈平台」。這個平台由香港、首爾與橫濱三地舞蹈節於 2017 年共同創立，聚焦中、日、韓青年編舞，透過工作坊與演出促進跨地域合作；同時也會帶來國際作品與大師班。 📖全文請詳看： .hk/post/CCDC藝術總監桑吉加 文｜Vicky Fan 圖｜香港城市舞蹈團提供   ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected]

一場沒有終點的冒險 重構孩子的感知田野 | 桃園市兒童美術館「小旅人 · 大旅程」 桃園市兒童美術館於2026年3月21日（六）至6月14日（日）推出年度主題展覽「小旅人 · 大旅程」。展覽以「旅程」為核心，從孩子的視角出發，思考旅行如何成為自我認識的重要契機。在這段旅程中，藝術不僅是觀看的對象，更成為引導探索與對話的媒介，邀請大小觀眾帶著好奇心走進展區，透過藝術家的創作，展開一段獨一無二的探索旅程。 | 三大敘事展區：從個體感知到集體連結 展覽規劃三個主題展區，分別對應旅程中的不同階段，並集結致穎、原倫太郎＋原游、不二擊聲音製造所、鹽池工作室、蕭其珩、尹子潔、邱創乾及宋海容等藝術家的創作，期望讓觀展經驗成為一段打開感官、情感與想像力的探索歷程。 | 第一站：啟程的自由與嘗試 一樓展區著重於「空間的移動性」，原倫太郎與原游共同打造兩條冒險路線，觀眾可自由選擇沿水路或是陸路展開旅程。〈水之村 · 桃園〉藝術家呼應桃園豐富的水文化，在美術館裡打造了一條貫穿展廳的水道，邀請孩童親手做一艘專屬小船在水面上航行，建立對土地紋理的初步感知。而〈桃園雙六〉將桃園的在地歷史、文化與景觀特色融入大地遊戲，讓親子在挑戰任務中完成對城市特質的再閱讀。致穎的〈豐田〉則運用現成物的敘事轉向，透過一輛老車的物質記憶，幽默而深情地回應當代都市化進程中的家庭生命史。 | 第二站：途中的新奇與發現 展覽的中段，敘事軸線從空間轉向「感知」。蕭其珩的〈暑假〉就像是色彩斑斕的圖畫日記，他將夏天的炎熱感，以及旅行時開心期待的心情隱藏在畫裡面。藝術家使用繪畫重構敘事，將個人經驗轉化為具備遊戲感的視覺故事。 從典藏品裡選出的邱創乾作品〈大溪展望〉與〈飛橋臥波〉帶領觀眾穿越時空，回望百年前藝術家以水彩描繪故鄉桃園大溪的風景。與此互相呼應，展覽邀請同樣出生於桃園的藝術家宋海容，帶領展前工作坊「旅行者的眼睛」，帶著小小創作者一起放慢腳步、在美術館周遭感受環境、探索自然，進行風景寶盒的寫生創作。不二擊聲音製造所的〈耳朵怪的聲音製造機〉將日常物轉化成樂器，邀請大小觀眾親手操作裝置，聆聽並分享耳朵怪蒐集的聲音與感受，引導孩子發現聲音不只是物理現象，更是情感與想像的延伸。 | 第三站：邂逅、分享與連結 旅程的終章強調「人際連結」的建立，展場成為交流與表達的場域。鹽池工作室〈手的旅行日記〉，藝術家在走訪世界各地時，發現即使不說話，一雙手也能傳達很多事情，他們將日常微小的手勢動作，轉化為巨大而柔軟的雕塑，記錄下人與人之間最靠近的瞬間。 尹子潔〈寄風景的人〉取齊柏林空拍「過去的桃園」風景，也是藝術家的故鄉，並製作成明信片，邀請親子一起回應藝術家的提問，也可以回一封別人寫的明信片。這件作品透過「投遞」與「等待」，讓原本陌生的觀者產生真實的連結，讓展覽的生命力延伸到美術館之外。 | 作為感知田野的美術館：一場不設終點的感官練習 旅行，不只是從一個地方移動到另一個地方，每一次出發都是暫時離開日常節奏、重新感受世界的練習。本展融入遊戲式探索設計，鼓勵孩子化身為小旅人，以觀察力、感受力與想像力完成大旅程。在參與過程中，孩子可以自由探索未知、主動做出選擇，讓觀展轉化為一段珍貴而獨特的親身經驗。 展覽期間亦陸續辦理「多感官旅行體驗、孩童視角的攝影旅程、戲劇導覽、視障導覽及寶寶劇場」等親子教育推廣活動，帶領觀眾透過互動參與，細緻捕捉旅行的風味與色彩，共同創造獨一無二的觀展旅程記憶。更多展覽與活動資訊，請至桃園市立美術館官方網站(/ch)及桃園市兒童美術館臉書粉絲專頁(/tmofa.kids/)查詢。 📖全文請詳看： .hk/post/桃園市兒童美術館-小旅人大旅程 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 ****************** 《小旅人‧大旅程》 Tiny Traveler, Big Adventure 展覽日期 | 2026年3月21日（六）至2026年6月14日（日）( 週三至週一09:30-17:00，每週二休館) 展覽策畫 | 桃園市立美術館機構策展人周庭伊 展出藝術家（依展區動線排序） | 致穎、原倫太郎＋原游、不二擊聲音製造所、鹽池工作室（吳有容＋顏鈺恬）、蕭其珩、尹子潔 典藏展出 | 邱創乾 展前工作坊策畫 | 宋海容 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #桃園市立美術館 #兒美館 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

跨越五千年的珠寶對話 珠寶作為連結神與人的靈性媒介｜紐約大都會博物館珍藏首度海外亮相香港 紐約大都會藝術博物館最近頻頻在亞洲活躍，繼「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」於 2025 年 6 月 14 日至 10 月 12 日在台北國立故宮博物院（北部院區）盛大展出後，剛剛開幕的「琳琅——紐約大都會藝術博物館珠寶珍藏展」日前在香港故宮博物館舉行。展覽匯聚約200件首次於香港亮相、來自紐約大都會藝術博物館的館藏珍品，同時精選香港故宮文化博物館夢蝶軒、賀祈思收藏以及千燈室的經典藏品，展開一場深邃的跨文化藝術對話。 |香港展作為海外巡迴展首站 這是紐約大都會藝術博物館舉世聞名的珠寶珍藏，首次以巡迴展形式於海外展出，並以香港作為首站，極具歷史意義。展品橫跨超過五千年，涵蓋古埃及、中國、歐洲、美洲等多種文明，從王室權杖到信仰聖物，從古典金工到前衛創作，應有盡有。 | 以珠寶為語，連結世界文明 珠寶，是最貼近身體的藝術，也是人類情感、權力與信仰的濃縮載體。璀璨奪目珠寶作為一種世界共通的「語言」，從各國以珠寶作為禮儀外交，已成為促進不同文明之間的對話與理解。香港故宮文化博物館董事局主席孔令成將此次合作更是為故宮走出國際的承諾，視香港作為中外文化藝術交流中心的獨特地位。香港本是中國面向國際的窗口，故宮作為重要的國家禮儀及文化的載體，與國際大型藝術機構是開館以來重要的使命。 | 珠寶家族體現人類奢侈生活的提升，五大主題探索珠寶的多重宇宙 「金飾——聖人之軀」探索古埃及、美洲與中國文明中，黃金如何被賦予神聖力量。亮點包括 夢蝶軒收藏的戰國時期動物紋冠，與南美洲哥倫比亞的古老頭飾展開一場靜默而震撼的對話。「王室貴族珠寶——王者之軀」則見證珠寶如何彰顯權力與地位。重點展品 千燈室收藏的「橡樹葉與橡果冠冕」（約1840-1850年）華麗非凡。展廳更設有 AR擴增實境裝置，觀眾可虛擬試戴這頂冠冕，親身體驗「加冕」的蛻變瞬間。 進入重要展區「珠寶與信仰——超凡之軀」聚焦珠寶作為連結神與人的靈性媒介。從尼泊爾的神像耳飾到拜占庭的奢華項鍊，訴說人類對超凡世界的敬畏與祈求。「藝術珠寶——魅力之軀」剖析珠寶與女性魅力、社會觀念的複雜關係。展出來自卡地亞、蒂芙尼、夏帕瑞麗、亞歷山大·麥昆等傳奇品牌與設計師的作品，包括超現實主義的驚豔創作，挑戰傳統美學界限。最後，「工藝與創新——絢麗之軀」壓軸單元頌揚珠寶工的極致工藝與創新精神。從 清代點翠花蝶紋鈿子 的精湛傳統工藝，到1980年代 喬治奧·迪·聖安傑洛 模糊珠寶與服裝界線的前衛創作，展現藝術家無窮的創造力。 | 香港設計師與故宮合作緊密 故宮一開展即與香港設計師做緊密的合作，例如2022年7月正式開幕時，又一山人擔任了開幕展中「器惟求新——現代設計與古代工藝」專題展廳（展廳五）的藝術總監以及2025年上海巡展中參與《城市脈動》的策展研究。故宮以獨特的「香港視角」與「國際視野」展區相結合模式，積極邀請香港設計師與藝術家參與策展與展覽設計，已不是第一次。 此次展覽特別邀請香港設計師陳幼堅擔任藝術顧問及平面設計的藝術指導，將其「東情西韻」的設計哲學融入展場。其中一個單元被佈置成「黃金屋」，耀目的黃金珠寶與金色馬賽克地板相互輝映，配合鋪貼金色壁紙的牆身，營造出璀璨奪目的視覺效果。另外兩處展廳的牆紙亦由陳幼堅根據對應的展品而創作。 與M+博物館由西方當代美術館邀請過來的菁英組成的團隊，以西方的視角來審視亞洲當代藝術的的進程及發表，香港雖作為中國對外的窗口，面向國際的港口，始終在國家任務、西方角力與當代藝術及設計間的模糊，充分融合了世界的精華 (笑)。博大精深的藝術呈現都在香港這塊彈丸之地百花齊放。 圖文 | ASY 琳琅—— 紐約大都會藝術博物館珠寶珍藏展 日期 | 2026年4月15日 – 10月19日 地點 | 香港故宮文化博物館 展廳8 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #香港展覽 #紐約大都會藝術博物館 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

專訪｜從阿布札比到中國醫藥大學美術館 Frank Gehry 留在亞洲最後的建築手稿 | 訪亞美館李玉玲館長的雙館實踐 (三之三) 如果說高美館的改造是旨在打破體制藩籬、重獲藝術自由，那麼當李館長跨出公立體制，步入由醫療與教育集團交織的全新場域時，她對機構空間潛能的挖掘，轉向了對人類生存處境的宏大關懷。她同時接手中國醫藥大學與亞洲大學「雙館」即附屬美術館的工作。「雙館」，指的是隸屬於「中亞聯大」（中國醫藥大學與亞洲大學聯合系統）這兩所兄弟學校名下的兩座重量級美術館：位於臺中偏南的霧峰（市郊）的亞洲大學附屬現代美術館（亞美館）以及位於臺中偏北的北屯（城市邊緣）的中國醫藥大學美術館 (中醫大美術館)。 |雙館形上學：共命與連結 在傳統的概念裡（如早期的香港大學美術館或臺灣的清華大學藝術中心），大學美術館往往被定位為服務校內藝術系學生、或是保存經典藝術的「教學輔助機構」，其功能極度受限，缺乏面向公眾（Community）與國際的動能。 在此李館長也感謝在前任館長潘襎教授的努力之下，亞美館自2023年完成改制，從原先隸屬於大學層級之下的單位，轉變為專業運營機構（獨立）「附屬」在這裏代表的是「Independent（獨立）」。美術館從原先從屬於學校的層級單位鬆開，成為等同「中亞聯大」雙大學底下的「附屬醫院」一樣，是一個具備獨立專業治理權、擁有自身使命（Mission）的專業機構。與此同時，她也期待：「藝術能走出建築，從精致藝術珠寶盒，轉型為具有動態動能的會場，更進一步藝術跨出校園，進而走入社區⋯⋯」 | 從阿布札比到臺中：Gehry 留在亞洲最後的建築手稿 這套結合生命關懷的機構理念，也將直接延伸至雙館架構的另一建築—中醫大美術館。 由於建築大師 Frank Gehry 於近期（1929-2025）辭世，這座醫學美術館即將在2027年開幕，與阿布札比古根漢美術館（Guggenheim Abu Dhabi）一起，成為了 Gehry 生前親自完成全部設計理念與圖稿的絕世遺作。這不僅意味著它是亞洲唯一由 Gehry 親自操刀的專屬美術館，更賦予了首任館長極為沈重的歷史託付與文化期許。 這座具有劃時代意義的建築之所以延宕至今，深刻地映射了近年來的全球危機與臺灣本土經濟的劇烈變動。早在 2021 年前後，Gehry 團隊便已完成主要的細部設計，但隨之而來的疫情以及疫後臺灣半導體產業的建廠狂潮，極大地擠壓了高難度文化建築的施工資源。如同當年由伊東豐雄聯手打造的臺中國家歌劇院一樣，前衛建築的落地往往伴隨著漫長且艱難的硬體施工挑戰。Gehry 最具標誌性的有機金屬外殼，目前正交由其長期配合的意大利工廠負責打造，這不僅考驗著工程的精密程度，更是對跨國協作與本土營建能力的一次極限挑戰。 面對巨匠的隕落與施工的重重關卡，館長的言辭間卻透出一種深層且理性的篤定。這種底氣來源於她早年與 Gehry 事務所深厚的歷史淵源。在師從國際頂尖建築史學家 Jean-Louis Cohen 期間，她得以在2000年初有機會探訪 Gehry 位於洛杉磯的工作室。那段經歷讓她深刻理解到，Gehry 的事務所早已蛻變為一個成熟運作的龐大建築工場。數百名專業人員在其中協同工作，確保了大師的設計能夠持續運轉。這座美術館的硬件成型已是必然，它必將完美呈現 Gehry 對空間烏托邦的想象。 為此，她定義兩座性格迥異的美術館：亞美館象徵人、藝術與大自然的平衡，是對外在世界的凝視；而中醫大美術館則側重身體、生命與科技，探索內在生命。以此，她提出的「雙館形象」，是指在頂層戰略上，不再將它們視為兩座孤立的大學附屬建築，而是橫跨臺中南北邊界（Edge）的向全球發聲的文化網絡。(三之三，全文將分3篇刊完。) 📖全文請詳看： .hk/post/專訪亞美館李玉玲館長的雙館實踐 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 撰文 | 許瀚尹 編輯 | 樊婉貞 圖片 | 亞洲大學附屬現代美術館 亞洲大學附屬現代美術館 地點 | 臺灣台中市霧峰區柳豐路500號 #藝術地圖 #artmap_artplus#藝術地圖_大評論家計劃 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

沒有那樣的鬆開，不可能真正看見｜訪亞洲大學附屬現代美術館館長李玉玲 (三之二) 亞美館李館長以日本空間演進為核心的探索的論文，是以日本首屈一指的普立茲克建築理論大師磯崎新曾提出著名的「美術館發展的三個世代」論述為研究理論的基石。 |高雄市立美術館 空間邊界（Xiejie）的破與立 深挖臺灣的藝術語境中，「白盒子」往往被簡約闡述為一種表象的空間塗裝（即白色的展牆）。但李館長在訪談中則澄清這一概念使用的泛化，並且精準的回溯了其藝術史的根源：「白盒子」的本質是一種空間的封閉性與隔離機制，其目的是為了剝除現實脈絡，成就現代主義藝術品的絕對純粹。然而，當藝術史演進至當代藝術（特別是裝置藝術），藝術家已無法忽略展示空間。在Brian O’Doherty的著作《在白盒子之內Inside the White Cube: The Ideology of the Gallery Space》的闡述中，「White Cube is more than just a white box... 它是比較講究作品本身的自主性（Autonomy），也就是作品畫完之後，燈光打上去，他希望給你形塑的是一個，你跟觀眾跟作品單獨的世界，而外面的世界完全都被忽略掉。」 「然而，在當代藝術裡，脈絡即是內容，所謂的 “context is content”, 脈絡往往跟內容同等的重要。」所以，在反思美術館的社會功能時，李館長直言不諱地提出對機構公共性的質問：「我們是不是陷入了另一個資本主義中消費主義的一種競爭性呈現？⋯⋯美術館是不是你這個城市的文化指標的情感投射？那如何讓它成為這個文化指標的情感投射？從空間改造來的一親近性跟榮譽感，就是一個重要的課題。」 與此同時，她推動了「美術館」概念的本體論與認識論轉向（Ontological and Epistemological Shift) 她致力於將美術館從傳統西方現代主義下封閉的、視覺霸權的「知識殿堂」，轉化為具備高度社會滲透力與身體感知性的場域。「我希望產生一個地方，就是你進來這裡，你身體的感覺會不一樣的。那樣一個身體感覺的不一樣，譬如說速度的放慢、聲音的變小，你的整個身體的放鬆等等。......沒有那樣的鬆開，無法真實地看見。」 |「以軟帶硬」：反思臺灣的「硬體先行」 要落實這種空間轉向，絕非僅靠建築師的圖紙便能達成，它首先需要一場機構體制與思維的根本革命。在檢視高美館的當代轉型時，首要前提是理解其領導者突破性的體制身分定位。2016年，李玉玲作為臺灣首位兼具藝術史博士學位與豐富實務經驗、且非循傳統「官僚指派」或「大學借調」路徑的專業館長入主高美館。這種跳脫傳統行政體制的獨立身分，使她能夠以純粹的專業視角，直指臺灣美術館建設的「硬體先行」的迷思。 李館長犀利地指出，政府與體制往往迷信國際知名建築師打造的「大盒子」，卻將內部空間如何與當代藝術對話的難題留給後人。為了翻轉這種將實體建築凌駕於藝術內容之上的倒果為因，她果斷提出了「以軟帶硬」（以軟體帶動硬體）的治館哲學：空間改造絕非「為換新而換新」，而是必須帶著「Institution 本身的 Mission」去進行，實體空間的形式設計必須兼具服務於機構想要傳達的核心價值。 | 體現對在地公民生活的細膩觀察 這套「以軟帶硬」的原理，隨即在2018年的高美館的空間革命中被具象化為兩大破壞與重建的工程。首先是打破機構的階級感。傳統的古典美術館透過讓人「氣喘吁吁地往上走」的龐大階梯，來建立機構的高階與權威感；為此，她將高美館外部原有的平臺式階梯，改造成平緩且向下延伸的坡道廣場。 在內部，以高美館105展間為例，她大刀闊斧地打開了舊建築的光線與天花板，讓自然與脈絡重新介入展場；更關鍵的是，她徹底移除了原有的三個巨大水泥階梯、厚重的地毯與封閉的燈櫃。這些本質上服務於「現代形式雕塑」（即必須放置於臺座上的雕塑）的陳舊遺跡，粗暴地割裂了空間流動性。透過徹底剷除這些不合時宜的空間屏障，李館長成功地將空間的尺度與自由，完整地交還給了當代創作者。 | 改造後的高美館建築空間 李館長的人情味，體現在她對在地公民生活的細膩觀察。她敏銳地察覺到，臺灣人極愛逛公園，卻往往對美術館心生敬畏。為了打破這層隔閡，她向曾任職過的台新銀行文化藝術基金會爭取支持，在董事長吳東亮的全力贊助下，推出了「月昇．樂昇－小週末音樂會」。 她當時想著：「如果來公園散步的人，發現有一個亮亮的盒子，裡面傳出演奏音樂，他們會不會就此走進來？」這不僅是新型態的美術館服務，更是一場溫柔的誘引。透過音樂與燈光，她試圖向公眾傳達：「美術館是城市美好生活的存在，是你隨時可以步入（step in）的友善空間」。(三之二，全文將分3篇刊完。) 📖全文請詳看： .hk/post/專訪亞美館李玉玲館長的雙館實踐 撰文 | 許瀚尹 編輯 | 樊婉貞 圖片 | 亞洲大學附屬現代美術館 亞洲大學附屬現代美術館 地點 | 臺灣台中市霧峰區柳豐路500號

專訪｜宛如一部臺灣當代美術館進化的縮影 | 訪亞洲大學附屬現代美術館館長 李玉玲 (三之一) 「空間」從來不只是展示藝術的容器，更是機構意識形態的具象化。從親身參與臺北市立美術館 90年代快速國際接軌的歷程，到重新定位高雄市立美術館的「大南方」新座標，李玉玲館長的職業軌跡，宛如一部臺灣當代美術館進化的縮影。身為紐約大學（NYU IFA）藝術史博士，她不僅擁有嚴謹的學術基石，長期致力於解構美術館內匿藏於空間的權力層級，更具備在體制邊界上揮刀改革的實務膽識。 跨出公立體系，接掌由安藤忠雄操刀的「亞美館」，並同時籌備 Frank Gehry 在亞洲的絕世遺作「中醫大美術館」。在這場跨越臺中南北、連結醫學與藝術的「雙館」實踐中，李玉玲館長再次展現了「以軟帶硬」的治館哲學—她拆除的不只是美術館內僵化的白牆，更是傳統機構對藝術與社會的隔離。 此次專訪，《artplus》透過她的視野，進一步瞭解美術館不再是收藏普世知識的封閉殿堂，而是引領觀者在光影與建築的交織中，重啟對生命本質的深層對話。 |1990年代台灣當代藝術的「機構話語權」 李玉玲擁有紐約大學現當代藝術史暨建築史博士學位，歷任北美館展覽組長、國際公共事務小組召集人（現雙年展辦公室前身），與台新銀行文化藝術基金會藝術總監。在2016至2023年擔任高雄市立美術館館長期間，她積極推動空間改造與國際跨館策展，並提出「大南方 (South Plus)」與「泛．南．島 (Pan-Austro-Nesian」等創新概念。透過打破地域框架及強調「文化差異、平等對話」的有機論述，她成功重新定位了高美館在臺灣當代藝術界的座標，大幅提升其國際能見度。 然而，李館長的機構意識，萌芽於1990年代她在臺北市立美術館（北美館）任職的時期。此時期正是臺灣及整個亞洲當代藝術發生劇變的歷史節點。 1990年代，伴隨臺灣解嚴與「亞洲四小龍」的經濟崛起，臺灣急需在國際當代藝術版圖中尋找定位。正如她所言，當時臺灣藝術家非常優秀，但在國際上缺乏關注。1995年，臺灣首度以「臺灣館」的名義進軍威尼斯雙年展，在這個由北美館主導的國家級文化展演中，在國際政治現實下，臺灣因非大會認證的「國家成員」，連「館（Pavilion）」字都備受官方文宣限制（僅2013年曾以「這不是一個臺灣館」巧妙規避）。 面對這種「在不可見的國家館中展示可見的臺灣」的嚴苛條件，全權主導展務的北美館不僅要應對外部政治角力，李館長更在此實務中深刻意識到「機構」自身掌握的龐大權力—其機制與選擇，實質上決定了誰能代表臺灣被寫入主流藝術史。在此背景下，李館長深刻意識到了「機構（Institution）」本身所掌握的龐大權力：機構的品味、機制與選擇，相當程度地篩選了當代主流藝術史的敘事主體。早期的北美館經常借重所謂的國際視野共同製定參展名單，這些過程都成為她對「機構批判（Institutional Critique）」意識的最初萌芽。 這種將臺灣當代藝術接軌全球機製的企圖心，在1998年的臺北雙年展達到了巔峰。首屆具分水嶺意義的展覽名為《慾望場域》（Site of Desire），由日本策展人南條史生擔綱策劃。這是臺灣首次引入國際策展人製度的大型雙年展，標誌著臺灣當代藝術正式與全球「雙年展/三年展（Biennial/Triennial）」的連線遊戲之中。 |NYU IFA 與「美術館的三個世代」 帶著對「機構如何形塑藝術史」的質疑與困惑，李館長前往紐約大學美術史研究所（NYU IFA）攻讀博士，並將研究視角從純粹的藝術史轉向了機構與建築空間的關係。她的論文主題為《當代美術館的空間化策略：日本新美術館與當代藝術之探索性研究》（Strategies of Spatialization in the Contemporary Art Museum: A Study of New Japanese Institutions），以六個日本當代美術館 (MoCA) 作為案例研究（Case Study）。 在這項以日本空間演進為核心的探索中，建構其分析框架的最關鍵理論源頭，正是日本首屈一指的普立茲克建築獎得主、建築理論大師磯崎新（Arata Isozaki）。磯崎新曾提出著名的「美術館發展的三個世代」論述，這也構成了李館長研究的理論基石。(三之一，全文將分3篇刊完。) 📖全文請詳看： .hk/post/專訪亞美館李玉玲館長的雙館實踐 撰文 | 許瀚尹  編輯 | 樊婉貞 圖片 | 亞洲大學附屬現代美術館及網上圖片 亞洲大學附屬現代美術館 地點 | 臺灣台中市霧峰區柳豐路500號 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected]