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話題 | 在北歐造一座火山口 光與空間運動先驅 James Turrell 迄今最大作品將永久落戶丹麥 被譽為「光與空間運動先驅」的美國當代藝術家詹姆斯•特瑞爾（James Turrell）將於2026年6月在丹麥奧胡斯藝術博物館（ARoS Aarhus Art Museum）帶來其「天空空間」（Skyspaces）系列最新作品《如下圖所示——圓頂，一個天空空間》（As Seen Below—The Dome, a Skyspace），也是今年83歲的詹姆斯•特瑞爾迄今最大規模的裝置作品。 這座高16米、直徑40 米的穹頂不僅是詹姆斯•特瑞爾對光與感知的探索，也象徵他對觀看經驗的深化。「《如下圖所示》不僅是傳遞圖像，而是正在塑造視覺體驗」，詹姆斯•特瑞爾說，「它讓天空變得更近，觀看行為就是作品本身。」當觀眾走入這座被光環繞的空間時，將不只靜觀，而是與天空、時間和自身展開一次深沉對話。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer | 觀看即藝術 穿過被光線籠罩的地下走廊，踏入巨大圓頂大廳的一刻，仿佛走入太空飛船艙體，即將登上月球。天空開口無邊無際，又分外緊密，光線為整個空間注入色彩。隨著燈光顏色變化，空間開始演變，感知系統受到挑戰，籠罩於關於冥想的感官之旅。當自然光和人造光的界限消失時，時間感和地點感亦隨之變化，時空概念不復存在。人類感知時間與宇宙，通常依據陽光變化，《如下圖所示》提醒人類，每天第一縷和最後一縷陽光本身就是傑作，固定在自然和季節變化節奏中的光線，正是對人與自然、天空和星球關係的絕妙注釋。 「我的作品更多是關於你的看到，而不是我的看到，儘管它是我所看到的產物。」詹姆斯•特瑞爾通過直接與光和空間的合作，創作出讓觀眾感受到人類感知極限和奇跡的藝術作品。他認為真正的核心不是空間，而是「空間感」：「空間感是你感覺到存在的空間，幾乎是個實體，那是空間可以賦予的物理感覺和力量。」 | 光譜與天空 1943年生於洛杉磯的詹姆斯•特瑞爾，是最具工程師氣質的藝術家，藝術作品有科學實驗氣質。詹姆斯·特瑞爾的父親是位元航空工程師，母親是醫生，或許受父母影響，特瑞爾對科學的興趣似乎大於藝術，藝術不過是他探索科學的方式。他16歲就取得飛行執照，在取得藝術學位前，最早的學歷是感知心理學，及數學、天文學和地理學。作為飛行員，詹姆斯•特瑞爾翱翔於天際，觀察天空的層次、氣候與光影變化，在特瑞爾的世界，光是能夠改變意識與感知的存在，他的藝術作品有著擅長色彩的羅斯科（Mark Rothko）、光影藝術大師特納（J.M.W Turner）和風景畫家約翰·康斯特布爾（John Constable）的風格，他不僅像藝術家般研究色譜，也像科學家般研究光譜。 《如下圖所示》是詹姆斯•特瑞爾最具代表性的「天空空間」（Skyspaces）系列的一部分。自1970年代，「天空空間」已遍佈世界各地逾80處美術館與公共空間。特瑞爾用封閉空間將觀者包圍，以控制觀者接收光線的程度，他用光線隧道和投射手法，創造出看似具有品質和重量的形狀，但其實這些形狀只是光線的投射。「天空空間」由幾何結構的室內空間構成，可容納15人，頂部開有圓形天窗，觀者坐在邊緣長凳上觀看天窗。自然光與人工光隨時間、氣候變化而流轉出色彩，當觀者仰望天空時，現實與感知的界線被柔化，凝視本身成為藝術。 | 再現火山口 作為丹麥奧胡斯藝術博物館（ARoS）擴建計畫的巔峰之作，《如下圖所示》的天空圓頂，讓博物館成為奧胡斯市又一座標志性建築，也是丹麥城市的象徵。巨大圓頂與弧度，仿佛美國亞利桑那州那座著名的羅丹火山口（Roden Crater），被移植到北歐。 羅丹火山口是世界上最神秘的作品之一，是詹姆斯•特瑞爾最著名的作品，也是他從未完成、仍在持續創作中的藝術。1977年啟動的《羅丹火山口》是特瑞爾藝術源頭般的存在，在美國亞利桑那州弗拉格斯塔夫，特瑞爾在天文學家協助下，將一個死火山的噴火口改造成可用肉眼觀測的天文臺，專為欣賞天空上各種自然現象而設計，且在火山裏面挖了40多年地道，至今還沒挖完。他將死火山改造為融合大地藝術與裸眼天文觀測的長期創作，通過精密運算和巧妙設計，在人類知覺領域內，具象呈現宇宙的廣袤無垠與變幻莫測。 📖全文請詳看： .hk/post/話題-在北歐造一座火山口-james-turrell 文 | 勞拉申 圖 | ARoS Museum/網路 James Turrell：As Seen Below—The Dome, a Skyspace 時間：自2026年6月19日起永久展出 地點：丹麥奧胡斯藝術博物館 #藝術地圖 #artmap_artplus #JamesTurrell #美國藝術 #當代藝術 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus ampost_artmap

話題 | 百年書店，把書籍演成短劇給讀者看，看完好想買書！ 在短視頻、直播和社交媒體時代，紙媒加速衰落，售賣印刷書籍的書店生存有多艱難，可想而知。何況，在處於戰爭狀態、經濟被高壓制裁的俄羅斯，一家創始於1926年的老書店，還能活下去嗎？ 位於俄羅斯聖彼得堡的訂閱號書店（Podpisnie Izdaniya）用100年歷史告訴人們，即使艱難，書籍與知識的魅力依然像不滅的火焰。書店的店員們用創意，演繹納博科夫的日記和比利時漫畫《丁丁歷險記》，他們站在建築、走廊、樓梯和教堂前，為包浩斯建築師畫冊宣傳，也為小說《女王的棋局》和茨威格《昨日的世界》演出封面人物。店員會變成神毯上的阿拉丁，飛躍聖彼得堡街道，也會化作19世紀末沙俄時代的男女在咖啡店戀愛約會。訂閱號書店中還有秘事和鬼故事，但更多人在此遇見真愛，喜結連理。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer | 用Cosplay演繹書籍封面故事 訂閱號書店是聖彼得堡標誌性的城市書店，由一群富有創意的俄羅斯年輕人共同經營。他們充滿活力，富有才華，滿是腦洞大開的創意，用平面攝影和短劇式視頻，將書店銷售的書籍用表演、Cosplay、道具、攝影和錄影等多媒體方式，演繹成可供讀者觀看的故事，生動活潑，有滋有味，完全不是媒體宣傳中那個苦悶陰鬱、好戰又凶巴巴的俄羅斯人刻板形象。 訂閱號書店的店員們，從拍攝暢銷書封面開始。亞裔女性與半裸男躺在貂皮上，為《藍儂與小野洋子》一書宣傳；6個年輕人沙發前圍坐，身穿婚紗者手捧《老友記》著作；躺在花叢中的少女演繹《前拉斐爾派》畫冊中的奧菲利亞；水面上的側臉表現《女性攝影》；女人被男友懷抱在風衣中，眼鏡男不知所云地望著前方，是電影《龍蝦》的小說原型。店員們還把澡堂和桑拿搬到書店裏，四位大漢身穿半裸白袍，演繹古羅馬酒神，為畫冊宣傳；也穿俄羅斯傳統民族服裝，在眾人見證下步入婚姻，在《論婚姻和非婚生活》中討論婚姻和性傳統。 | 把所有書都拍成情景劇 近年，訂閱號書店開始突破，與創作者Angelina Bogatina合作，從平面攝影向平面電影和有聲短劇轉型。三位店員扮演成哈利波特、羅恩和赫敏，在書店散步，為作家J·K·羅琳（J. K. Rowling）的新書《霍格沃茨的鑰匙》做宣傳，回到中世紀，觀察巫師故事。 訂閱號書店售賣的周邊產品也很有一套，他們專門去到拍照最醜的火車站，在人擠人、鬧哄哄的地方，居然因為手捧一本書，立馬拉高格調，知識份子氣質瞬間拔高出片品質。店員的真實人生也是書店的短劇故事。一位男店員就是在書店認識了愛看書的未來妻子，共同愛好讓他們走到一起，如今他們的孩子也像他們一樣愛書，從小在書店耳濡目染，享受這個有書的美好世界。 | 百年書店成為城市文化客廳 今年迎來百年誕辰的訂閱號書店，創立於蘇聯時代1926 年的聖彼得堡，書店俄文名Podpisnie Izdaniya指代訂閱出版物。作為蘇聯時期國營書店，書店核心業務不是賣書，而是圖書訂閱。讀者需預付費用訂購未出版的書籍，出版社按訂閱量印刷，讀者憑收據取書，書店名由此而來。在「賣方市場」主導的國營模式下，書店不愁銷路和經營生存，1991年蘇聯解體突如其來，書店面臨巨大衝擊，規模萎縮。 轉折發生在2010年。首任店主的孫子米哈伊爾・伊萬諾夫接手書店，他認識到，雖然國營模式讓書店難以適應經濟變化，但也給書店經營高品質圖書的空間，保持高雅品位，不必為錢賣「口水書」。1950年代起這裏是文學出版社經典著作合集的訂閱點，在讀者中積累高口碑，只要改變思路，也能轉劣為優。他將面積擴至800平方米，以復古氛圍、小眾書籍與創意運營聞名。店員更是錦上添花，創意圖書攝影走紅網路，Instagram粉絲26萬，吸引全球關注，成為書店標誌性傳播符號。 訂閱號書店既承載蘇聯時期的訂閱出版記憶，又以年輕化運營與創意玩法延續閱讀魅力，是聖彼得堡的城市文化客廳。俄烏戰爭後，俄羅斯文化被多方封鎖，作為文化產業的書店尤為困難，但訂閱號書店跨越語言障礙，用生動的視覺表達與豐富動人的故事跨越文化隔閡，讓人們享受文學樂趣，不僅溫暖讀者，也為世界各地的愛書人灑下光芒，在暗沉的世界，只要內心追逐陽光，就會被照亮。 📖全文請詳看： .hk/post/百年書店把書籍演成短劇給讀者看 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | 勞拉申 圖 | PodpisnieIzdaniya 訂閱號書店（Подписные Издания） 時間：每日10:00-22:00 地點：俄羅斯聖彼得堡，涅瓦大街 57 號（Литейный пр. 57） #藝術地圖 #artmap_artplus #PodpisnieIzdaniya #訂閱號書店 #百年書店 cosplay 攝影 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

議題 | 回顧2023-2025年文化藝術盛事/衰事 是光害還是沉浸式體驗？用等同故宮半年展覽的錢資助一個中型藝博會？反思香港盛事撥款的制度崩壞 隨著三月藝術月的到來，香港巴塞爾(ART BASEL) 與藝術中環展會(ART CENTRAL)即將受到最大的注目。這兩項獲得香港政府文化藝術盛事基金贊助額最高的年度盛事，隨著《藝術地圖》2月16-17日的議題文章，我們一併來回顧2023至2025年的盛事基金。 2024/25年西九文化區管理局年度報告中提到：受一次性收入減少和香港市場氣氛低迷影響，管理局的收入按年減少18%，由10.61億港元降至8.71億港元，主要源於沒有若干「一次性非經常收入」（例如上個財政年度文化體育及旅遊局的文化藝術盛事基金和一次性贊助），以及入場費及節目收入下降。 2024/2025年由文化藝術盛事基金發出資助的項目，早已蘊藏令人擔憂的隱形問題而引起社會的關注。(文化藝術盛事基金獲資助清單請看配圖) 🏷️是光害還是沉浸體驗？領賢慈善基金《梵高·樂印》 獲資助1,180 萬港元的《梵高·樂印》由領賢慈善基金2024年3月於文化中心露天廣場舉行。該展以「大屏幕數碼影像 = 沉浸式體驗」非但未能獲得遊客的矚目，而徒有外殼、缺乏藝術深度的「打卡裝置」僅以梵谷《星空下》圖像作成的螢幕影像，再套以「沉浸式體驗」的「公關用詞」企圖吸引群眾圍觀。對於「暴露於光害之下 = 沉浸式體驗」的無知宣傳手法，再次暴露政府對於「藝術」的淺薄以及對於吸引「一般民眾 = 不會走進展演節目的民眾」的宣傳迷思。 🏷️ICAC沒有查嗎？《武林盛舞嘉年華》 獲資助1,468 萬港元的《武林盛舞嘉年華》由唐婭藝科與中國武術國際學院於2024年7月舉辦。其活動標榜「千人武術操」，但開幕式被媒體揭發實際參與人數僅有數十人，引發公帑被濫用的質疑。主辦機構「唐婭藝科」的榮譽顧問陳李藹倫，同時亦是擔任盛事基金委員會副主席，因利益衝突亦引發社會對撥款公正性的爭議。其在執行細節（如人數達標）及撥款透明度上面臨不少輿論挑戰。雖然文化體育及旅遊局強調相關人士已按機制申報並在審批時避席，但行政會議召集人 葉劉淑儀 指出，這反映了基金審查機制存在「重大缺陷」，予人「自己人批錢給自己人」的負面觀感。然此事件似乎沒有再跟進。 🏷️用等同故宮半年展覽的錢資助「ART021香港廿一當代藝術博覽會」 獲資助 1,500 萬港元，來自上海的「ART021香港廿一當代藝術博覽會」於2024年8月於不同場館舉行。然場館租用極低成本，佈展品質極度低質。有評論指出部分展場空間狹促，且存在安裝粗糙的問題（如用膠紙黏貼展品、電源線外露等）而參展機構濫竽充數，其所謂聲稱的「國際標準」實有極大差距。 令人驚訝的是，該藝博會第一次落戶香港居然可以獲得政府資助等同香港故宮博物院級別的高額資助，亦相當巴塞爾藝博會的資助金額。藝術小圈都知道「ART021」這僅是「富二代藏家圈」的中型藝博會，在如何的情況下可獲得此高額贊助？ | 藝博會只是一場大數定律遊戲 我們僅僅探討藝博會。試以香港巴塞爾期間同期搭著「順風車」舉辦的中小型藝博會，在藝博會式微的大環境下，一些藝博會已進一步的整合，以策展人與明星節目包裝下的藝術盛會，有些藝博會本身參與畫廊質素參差，更別說有些甚至是沒有實體空間的藝術顧問或是沒有畫廊代理的獨立藝術家。 藝博會只是售賣展位的展會。明白地說，做莊的局很少有虧空的。大數定律 (Law of Large Numbers)底下，個別畫廊在短時間內靠市場「波動」或藏家「變異數」取得回報；但對展會而言，只要參與的人夠多，利潤結果一定會回歸到那個預設的統計期望值。政府張揚地資助一個藝博會1500-1100萬港幣，包括ART CENTRAL, ART 021，5天的藝博會真的可以藉此來粉飾自己城市的派頭？ | 反思香港盛事撥款的制度崩壞 「盛事經濟」多個獲資助項目在執行質素、KPI達成率及利益迴避上引發排山倒海的質疑，香港政府「急功近利」引進這些國際盛事，不僅容易喪失其文化自主性，亦可能淪為國際品牌「割韭菜」的次級場館。2024年2月4日美職聯足球隊邁阿密國際受邀來香港，萊納爾·梅西的缺陣即是一例。 「盛事基金」想透過大型活動（Mega Events）帶動經濟（經濟效益）並提升城市形象（軟實力）本是好事，但在執行層面上，這種由「商界名流」主導內行的情況沒有辦法扭轉的情況下，只是冰山一角。然而，這些年的文化盛事，到底我們有多少驕傲可以炫耀？ 讓我們聽聽你的聲音： 1. 若是沒有香港巴塞爾，你還會興致勃勃地去看其他的藝博會嗎？ 2. 你有被沉浸式體驗感動到嗎？ 📖全文請詳看： .hk/post/2023-2025年文化藝術盛事基金 文｜安思亞 圖｜西九管理局及網上圖片 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected]

荔枝與椰子是怎樣與起司蛋糕打成一片？只有「Mr. CHEESECAKE Sakekasu Coconut」才知道 「那時候又年輕又貧窮，不知道什麼叫做害怕，我住在如起司蛋糕的三角地帶。現在想起來是很不爭氣的生活，卻很快樂。」—— 村上春樹在他的早期短篇小說《我的起司蛋糕形狀的貧窮》裡，收錄在《遇見100%的女孩》文章裡這麼地形容自己窮困簡單卻快樂的早期生活。 被認為可能起源於古希臘的起司蛋糕，源於第一屆奧林匹克競賽上，人們用麵粉、蜂蜜和起司製作了最原始的乳酪蛋糕，只為了給參賽選手增強體力、鼓舞士氣。而今，這常被描述為「輕乳酪是雲朵，重乳酪是靈魂。」的文人最愛，是最優雅的甜點，最療癒的輕下午茶。輕乳酪如同舒芙蕾般空氣感十足，重乳酪則以紮實濃郁的起司風味直擊靈魂，起司蛋糕是既溫柔又深邃的自由魂。 Mr. CHEESECAKE是一家被譽為「東京 No.1」、「一生必吃」的傳奇起司蛋糕品牌，由擁有法國米其林餐廳背景的廚師田村浩二創立。最近剛推出的香港夏季限定口味「Mr. CHEESECAKE Sakekasu Coconut」是香港限定新作。品牌創辦人田村浩二主廚特意將象徵日本的酒粕元素，結合深受香港人喜愛的椰子風味，打造專為香港創作的期間限定甜點，並以原條及杯裝兩種形態推出。而未曾在香港公開發售，日本大熱的「RICH TIRAMISU」亦將於同日開售。 | Mr. CHEESECAKE的三種經典吃法 剛打開「Sakekasu Coconut」起司蛋糕時，以為自己錯過了最佳品嚐時機，起司蛋糕的表面竟然沒有 BABY FAT，原來內容實在的椰子起司蛋糕，就是要那層椰子及酒粕的融合，濃厚的旨味與獨特香氣，是一種極具深度的食材，彼此產生良好的協同效應。Mr. CHEESECAKE 的味道和香氣會隨溫度轉變，可慢慢享受當中變化。冷凍吃：質感像雪糕般，酸味較突出。半解凍：既溫柔又剛強，細滑口感形成強烈對比。全解凍：如焦糖燉蛋般的口感 我最愛的吃法：先將雜果融化，熔岩般的莓蜜如水彩流瀉，與來自英國知名品牌陶器SUEURE相互呼應，我不信莫內會比我更懂吃。再來一杯如火山熔岩般流蕩出來的濃縮咖啡，馬上將甜味均衡出色的Mr. CHEESECAKE襯托地無懈可擊。這樣的下午茶，好比一幅畫。 | 荔枝與椰子原來偕同地特別融洽 主廚田村浩二還特別加入少量荔枝果泥，為整體風味增添香氣與更平衡的層次。沒想到荔枝與椰子雖來自相近地域，卻好像住在高樓裡的鄰居一樣從不打招呼，田村主廚是怎樣把它們打成一片的？就要試試才知道。荔枝與酒粕好像清新的少女，而椰子讓他透出淡淡的書卷味，就像融合了香港與日本的混血風情，這個特定風味的限定口味，只有香港才嚐得到。 Mr. CHEESECAKE 希慎廣場店資料 地址：香港銅鑼灣希慎廣場 B1 層 B110營業時間：每日 11:30 至 21:00 📖全文請詳看： .hk/post/mr-cheesecake 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 MR. CHESSE：/; IG: @mr.cheesecake.hk SUEURE陶器：；IG@sueure ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap 我要加入《藝術地圖》列表 | ArtMap Listing 《藝術地圖列表》是一項年度會員付費計劃，已執行超過20年，節目登錄以數據統計為目的；只要加入會員，便可刊登活動在網站「《藝術地圖》頁面」同步露出 @artmap_artplus 及臉書。《藝術地圖》列表，讓中港澳台鄰近城市的華文讀者第一手獲得您的展演活動。欲知更多詳情，歡迎先讚好專頁，將專頁選為「搶先看」與我們聯繫：WhatsApp | +852 5160 1226 EMAIL | [email protected];[email protected]

全球男性精子數量在50年內減半的公共衛生危機，與網紅文化、直播平臺數位社群媒體，發生了甚麼事？| 丹麥館藝術家 Maja Malou Lyse 2026年第61屆威尼斯美術雙年展丹麥館藝術家 Maja Malou Lyse 的展覽「未來之事」（Things To Come），被認為是當屆最具話題性的項目之一。Lyse作品深受網紅文化、直播平臺（如OnlyFans）和數位社群媒體影響，反映虛擬與現實交織的當代欲望。 「全球男性精子數量在50年內減半」的公共衛生危機，與數位螢幕的普及直接掛鉤，是怎麼回事？Lyse 作為丹麥館歷史上最年輕的藝術家，她用新世代的眼光，隱喻了當代人的肉體不再僅由基因決定，而是由數位編碼與演算法深度重塑，認為數位技術已從單純的傳播工具，演變為改變人類生物特性的媒介。 展覽將「科技」認定為造成疏離、降低生育率的元兇，提供一個科技解方的實驗場。Lyse 運用 AI 與合成圖像（CGI）重塑人類身體，做成一個被演算法、自拍文化和欲望經濟所控制的現實虛擬世界，討論「當代數位媒體」的雙重性：具象化的虛擬想像，若螢幕成癮，則會變成破壞親密關係的「毒藥」。Lyse以一貫的犀利風格，將極度私密的幻想與宏觀的生態、文明危機連結，在「感官與觀念雙軌並行」的大規模錄像裝置，為雙年展帶來了少有的挑釁性與生命力。 有評論表示，「OnlyFans 直播文化、色情影像與精子危機」放在威尼斯雙年展這樣嚴肅的國際地緣政治舞臺上，顯得有些「娛樂化」與「獵奇」。在2026年雙年展充斥著俄烏戰爭、中東衝突以及評審團大總辭等沉重政治陰影下，丹麥館的議題被部分評論指責為「中產階級的科技焦慮」或「藝術圈內部的孤芳自賞」。但我們也反問：是不是要一味的迎合時態，跟風著當下的政治議題討論，反忽略了實驗場裡「藝術」才是真正主角，這種反客為主的議題也許才是非常態？ 然而，Lyse的作品帶給觀眾過度感官刺激的合成圖像與錄像�

香港中樂團 | 傳承三十載，香港中樂團藝術總監閻惠昌將於明年卸任，新任總監人選待公佈 2026年5月，香港中樂團宣佈藝術總監兼終身指揮閻惠昌將於2027年9月卸任藝術總監一職，結束在香港中樂團的三十年生涯。五月的一場午餐會，大家依依不捨地與閻總監話家常，要著簽名。難得一見跨歷年重要樂季海報的指揮玉照，驗證了30年閻惠昌與香港中樂團一路成長的歷史，也是一位青年30年人生的成長史。閻惠昌自1997年6月獲任香港中樂團第四任音樂總監以來，是樂團1977年成立以來任期最長的藝術總監，見證了香港回歸三十年間的民族交響樂發展歷程。2027年即將迎來50周年紀念香港中樂團，將在新一代音樂家帶領下，傳承與弘揚中國民族音樂精華。 | 三十年，三十張唱片：讓傳統民樂成為現代人的精神燈塔 1983年畢業於上海音樂學院中樂指揮專業的閻惠昌，是中國民族交響樂的「當代傳承人」，師從指揮家夏飛雲、作曲家胡登跳和何占豪。過去的四十多年間，閻惠昌走遍大中華地區，從故鄉陝西省開始，先後指揮北京、上海、浙江、臺灣、新加坡及香港等地專業中樂團。 中國民族音樂因強烈的地域特色和古典文化，易被理解為高深莫測的「古董」和「歷史化石」，但好的音樂家總能通過巧妙的編曲與妙手回春式的指揮特色，將古典與現代融合，讓民族音樂走出歷史，成為現代人的精神燈塔與文化瑰寶。在閻惠昌的帶領下，過去三十年間，香港中樂團先後錄製超30張影音唱片，推出一系列膾炙人口的民樂專輯，包括世界首張大型中樂團 SACD 現場錄音的《明月星輝——香港中樂團銀禧音樂會》、《樂壇神筆趙季平音樂精選之夜》、《世紀中樂名曲——頒獎音樂會》和《尋找中國新音樂——林樂培作品集》等。《鼓王群英會》系列囊括中國各地方打擊樂與民謠名曲，《絲綢之路幻想組曲》與《劉邦•項羽•兵馬俑》跨越千年歷史，以低徊婉轉的音符，釋放出撼動人心的能量，細膩演繹歷史的磅礴氣勢。盪氣迴腸的音樂作品，讓傳承與創意彼此交融。 閻惠昌不囿於傳統的音樂廳表現形式，他大膽創新，積極推進中樂藝術與新媒體及網路平臺創新，創辦了「香港網上中樂節」和「中樂節慶系列中樂 MV」等線上音樂會，還與網路科技公司合作，開創全球首個「中樂網上音樂廳」，全方位推廣發展中國音樂。 | 用嶄新旋律，更新聽覺體驗 民族交響樂不是簡單的再現和重複古老的音樂曲目，更需通過創意與更新，不斷豐富中國民樂曲目庫，創作嶄新旋律，更新聽眾的聽覺感知。過去的四十多年間，閻惠昌不僅活躍於指揮舞臺，還積極從事音樂創作。交響音畫《水之聲》和琵琶獨奏《思鄉曲》獲國內多項大獎，《如來世家》及《二胡現代作品集》獲臺灣唱片金鼎獎。受聘拿索斯（新加坡）唱片公司音樂總監期間，先後創作及監製《雲》、《月》、《黃河音樂之旅》、《將軍令》等唱片專輯。由閻惠昌創作與改編的作品更是經常被內地及其他地區樂團廣泛演奏，2022年，閻惠昌創作了具有濃郁地方特色的組曲《海南風情》，以家鄉陝西線腔創作的《線狂》更獲選2026年度國家藝術基金。 配樂是電影的基石，民樂對中國電影發展具有巨大的賦能作用。經典電影《大紅燈籠高高掛》、《黃河謠》與《五個女子和一根繩子》，他指揮中國中央交響樂團與著名作曲家趙季平合作，為中國電影錄製影片樂曲，助力中國電影榮獲多個国内外電影節大獎。 | 創新教育，讓民樂傳承 傳統文化，靠的是人才的傳承與堅守，在人才培養與傳承中樂文化上，香港中樂團在閻惠昌的帶領下，實現多個「首創」：2009年，閻惠昌在香港演藝學院開創中樂指揮碩士課程；2012年，創辦全球首個國際中樂指揮大賽，被中國音協主席趙季平譽為「中國音樂發展史上的里程碑」；2013至2017年出任臺灣國樂團音樂總監期間，創立「青年指揮培訓計畫」，還曾倡議香港演藝學院與香港中樂團合作實施「專業樂團實習計劃」和創立全球首個中樂團樂隊學院。 閻惠昌將於2027年9月香港中樂團第51樂季揭幕後，卸任藝術總監一職，轉任香港中樂團「藝術委員會主席」及「樂隊學院院長」，9月開幕的第50樂季音樂會《千簧一宇》，或為是閻惠昌在任的最後一季，新任藝術總監人選待未來公佈。 📖全文請詳看： .hk/post/香港中樂團藝術總監閻惠昌將於明年卸任 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | ASY 圖 | 香港中樂團 第50樂季開幕音樂會——千簧一宇 時間：2026年9月19日（六）晚上8:00；2026年9月20日（日）下午3:00 地點：香港文化中心音樂廳 #藝術地圖 #artmap_artplus #香港中樂團 #Orchestra #HKCO ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

《夠鐘叉電》，你準備好停一停未？人需要休息，機器需要充電，展覽就是一場能量交換的餐桌！ 香港城市大學創意媒體學院（SCM）2026年畢業展（MFACM）名為《夠鐘叉電》，將於2026年5月8日至22日舉行。多位年輕藝術家以裝置、影像、表演及遊戲設計，將創作化為一道道「菜餚」，邀請你喺忙碌縫隙中慢慢品嚐。從自我反思到社會議題，從視覺到互動——歡迎光臨，請慢用。 🔋 Time to recharge — are you ready to hit pause? Humans need rest, machines need power. This exhibition becomes a dining table of energy exchange. 🍽️ Emerging artists here use installation, video, performance, and game design to turn their works into “dishes,” inviting you to savor them in the cracks of a busy life. From self-reflection to social issues, from visual to interactive — welcome. Take your time. TEA BREAK: SCM MFACM 2026 Graduation and Student Show 香港城市大學創意媒體學院（SCM）2026年畢業展（MFACM） • 展覽名稱： 夠鐘叉電：SCM MFACM 2026 畢業及學生展覽 • 日期： 2026年5月8日 - 5月22日 • 開幕典禮： 2026年5月8日 19:00 – 19:30 • 地點： 香港城市大學邵逸夫創意媒體中心 開幕典禮 Opening Ceremony 日期 Date：08.05.2026 進場時間 Entry： 6:45pm 開始時間 Start Time：7:00pm - 7:30pm 地點 Venue：1/F 多媒體劇院 Multimedia Theatre（M1060） 公眾展覽時間 Public Exhibition Period： 日期 Date: 08.05.2026 - 22.05.2026 開放時間 Opening Hours： 11:00am – 6:00pm (星期一到日）（Mon - Sun) 展覽地點： 畢業生作品展地點 Graduation Works：M3301 學生作品展地點 Student Show：6/F 遊戲單元 Games Unit: M3351 電影及動畫試映 Film & Animation Preview 試映日期 PreviewDate：08.05.2026 試映時間 Preview Time： 12:00 pm - 3:00 pm 地點 Venue：6/F 未來電影工作室 Future Cinema Studio（M6094） 電影及動畫循環播放 Film & Animation Looped Screening 日期 Date：9-22/05/2026, 時間 Time：12:00 pm - 6:00 pm 地點 Venue：M1052 立即報名，喺生活嘅空隙為自己叉叉電！展覽免�

日本館 | 酷兒寶寶 日韓兩館共同撫養 | 百餘個重約6公斤的嬰兒讓你感受國家的重量 2026年的威尼斯雙年展隨著數個國家館因戰爭、政局動盪或經濟崩潰而被迫關閉或轉向（如俄羅斯館的缺席、以色列館因抗議關閉），現在還生出讓他國撫養的國家館。 今年的日本館由日韓兩館一起舉辦，第一位不具日本國籍藝術家的日裔美籍藝術家荒川醫（Ei Arakawa-Nash）代表日本參加雙年展。他以《Grass Babies, Moon Babies》探討「照顧」與國家認同。作品透過百餘個重約6公斤的嬰兒公仔與觀眾互動，以酷兒家長視角重新詮釋「日本」與如今威尼斯雙年展所面臨的現實處境。 踏入威尼斯雙年展日本館，逾百個重約 6 公斤的嬰兒公仔，膚色各異，散落四處，藝術家邀請你彎下腰，親手抱起這份沉甸甸的生命，甚至為其更換尿片。荒木醫 (Ei Arakawa-Nash) 的作品《草嬰兒，月嬰兒》（Grass Babies, Moon Babies），他的存在本身就是一場對「國家」定義的辯論。 Arakawa-Nash是日本參與威尼斯雙年展70年以來首個沒有日本國籍的藝術家，卻是一個土生土長的日本人。「許多年前，我放棄了日本國籍。我以為我一生都不會有機會代表日本參加雙年展，」Arakawa-Nash在訪問時說。疫情後的日本館，遴選流程發生了巨大變化，藝術家需要自行選擇策展人，並自行籌款以完成展覽。他找來常居新加坡的策展人堀川理沙和常居香港的策展人高橋瑞木，共同詮釋日本故事。 在構思展覽的想法時，Arakawa-Nash 以酷兒家長身分與另一半決定以自身撫養一對雙胞胎的實境體驗，將展場轉換成實體的重量。他邀請觀眾從觀看者轉為「照顧者」，與他們共同跨越政治與藝術的疆界，用最柔軟的符號：嬰兒、溫柔與循環，叩問：國家到底是甚麼？藝術到底與我們生活有何息息相關？ 當國家生出子民、父母孕育孩子，照顧者能為孩子想像怎樣的未來？嬰兒象徵著藝術家與國家之間那種脆弱、依賴卻又無法割捨的關係。觀眾抱起嬰兒感受到的重，也代表體制變革後，藝術家需獨自承擔策展與籌資責任的「實體負荷」。 威尼斯雙年展被譽為「藝術界的奧林匹克」，其核心特色在於自 1895 年延續至今的「國家館」制度。這種以國族身分為界、將綠園城堡（Giardini）劃分為各國領土的模式，高度依賴國家資源。然當一個國家面臨空前的體制鬆動與財務危機，藝術不再是遠觀的物件，而是手臂上的痠痛、懷裡的溫度，以及國家與藝術家之間脆弱的連結。 已經不是隱藏的秘密：威尼斯雙年展展出的藝術家作品，多已是藏家內定的作品。政府的撥款已經傾向於「掛名」，財務風險早已轉嫁給藝術家與民間贊助例如畫廊。荒木醫所反映的現實背後，實則是國家公共預算的退位。他進一步地叩問：如果國家不再能扶持藝術，藝術贊助者是否能像照顧嬰兒一樣，建立一種跨越國界、基於「共同照顧」的全新藝術社群？ 📖全文請詳看： .hk/post/威尼斯雙年展-日本館 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | 樊婉貞 圖 | 常嬋 2026 年（第 61 屆）威尼斯雙年展 主題 | 「小調」（In Minor Keys）由 Koyo Kouoh 擔任策展人 公眾開放日 | 2026 年 5 月 9 日（星期六）至 11 月 22 日（星期日）。 每週一休館（5/11、6/1、9/7、11/16 等特定國定假日除外）。 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #威尼斯雙年展 ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap 我要加入《藝術地圖》列表 | ArtMap Listing 《藝術地圖列表》是一項年度會員付費計劃，已執行超過20年，節目登錄以數據統計為目的；只要加入會員，便可刊登活動在網站「《藝術地圖》頁面」同步露出 @artmap_artplus 及臉書。《藝術地圖》列表，讓中港澳台鄰近城市的華文讀者第一手獲得您的展演活動。欲知更多詳情，歡迎先讚好專頁，將專頁選為「搶先看」與我們聯繫：WhatsApp | +852 5160 1226 EMAIL | [email protected];[email protected]

法國五月藝術節 | 被稱為當代馬戲藝術的「氣壓計」 法國國家馬戲藝術中心（CNAC）獻技法國五月 《以身相承》（VOÛTE） | 大館檢閱廣場 法國五月藝術節 | 被稱為當代馬戲藝術的「氣壓計」 法國國家馬戲藝術中心（CNAC）獻技法國五月 《以身相承》（VOÛTE） | 大館檢閱廣場 全球頂尖的馬戲學府—法國國家馬戲藝術中心（CNAC），正在大館檢閱廣場免費上演。此次來港演出2026年「法國五月藝術節」的重點節目之一《以身相承》（VOÛTE）。這場由 CNAC打造的當代馬戲表演，融合了雜技、舞蹈、現場音樂與視覺藝術，沒有特技、彈簧床、雙人特技等高難度動作，卻帶來令人耳目一新的當代馬戲新意境。  傳統的馬戲通常都以驚心動魄的技術來吸引觀眾的眼球，CNAC 的演出不只是單純的特技展示，而是一場結合了高超技巧、劇場美學與社會反思的視聽饗宴。你可能也知道，許多知名的馬戲團成員（如太陽馬戲團或法國本土劇團）皆出身於CNAC學校，專業團隊如Galapiat Cirque (享譽國際的法國新馬戲團團隊)演出知名的馬戲劇碼《L'âne & la Carotte》（驢子與蘿蔔），也曾回歸母校指導，CNAC的演出幾乎被稱為當代馬戲藝術的「氣壓計」，在國際藝壇與觀眾間享有極高評價。 今年的「法國藝匯@大館」由 CNAC 法國國家馬戲藝術中心演出《以身相承》，深入探索衝突——無論是內心的掙扎、企業的矛盾、社會的對立，甚至世界的碰撞。靈感源自人與自我、與他人互動的豐富層次，三位年輕演員年少輕狂的友情、愛情，配以多媒體音樂家 Lilian Boitel 的電子現場音樂，在動靜對峙中探索身體話語與衝突。CNAC 的演出不只是單純的特技展示，而是一場結合了高超技巧、劇場美學與社會反思的視聽饗宴。 CNAC 每年邀請不同領域的著名導演或編舞家（如 Philippe Decouflé）合作，每屆演出風格迥異，從「優雅簡潔」到「後烏托邦」風格皆有，其深刻的敘事與情感張力，不同於一般強調娛樂性的馬戲團。CNAC往往帶有深刻的主題探討，如內心掙扎、社會衝突或政治隱喻，被評價為具有「強烈的人文氣息」和「詩意美感」的團隊。 除了演出外，還設有《以身相承》親子工作坊及公眾工作坊，讓參與者體驗雙人托舉等雜技技巧。表演團隊已經於5月8日開演，分開在6點及8點，演出直到5月17日，觀眾可以在大館歷史建築中看到「日」與「夜」不同情調的法式馬戲。 源自瑕疵中的美感；源自情緒的張力——那些被 壓抑而沉默的情緒、那些猶豫著吐露的心聲、那些洶湧到幾乎無法掌控的情感。 這是一種純粹的美學，一份邀請：凝視那些抵抗、奮鬥、辯論、等待、支持、承載的身 體。這是一場對內心風暴的探索，也是對暴風雨過後寧靜的讚頌。 「法國藝匯@大館」| CNAC 法國國家馬戲藝術中心《以身相承》 日期 | 08 May 2026 - 17 May 2026，6:00PM & 8:00PM （5月11日無演出） 地點 | 大館檢閱廣場 (免費入場) #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #法國國家馬戲藝術中心 #法國五月   ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap 我要加入《藝術地圖》列表 | ArtMap Listing 《藝術地圖列表》是一項年度會員付費計劃，已執行超過20年，節目登錄以數據統計為目的；只要加入會員，便可刊登活動在網站「《藝術地圖》頁面」同步露出 @artmap_artplus 及臉書。《藝術地圖》列表，讓中港澳台鄰近城市的華文讀者第一手獲得您的展演活動。欲知更多詳情，歡迎先讚好專頁，將專頁選為「搶先看」與我們聯繫：WhatsApp | +852 5160 1226 EMAIL | [email protected];[email protected]

大評論家 | 當塞維亞遇上跑馬地：霓虹年代的命運博弈——評 2026 年香港歌劇院版《卡門》 在世界歌劇的長河中，比才（Georges Bizet）的《卡門》始終是一座關於自由、慾望與命運的豐碑。當這部經典在 2026 年 5 月登上香港文化中心大劇院時，由香港歌劇院與法國五月藝術節聯手打造的全新製作，展示出一場極具野心的文化轉譯。導演甲丁將這齣發生在 19 世紀西班牙塞維亞的悲劇，大膽地平移至 1978 年——那個處於經濟騰飛、萬象更新與草根氣息交織的黃金年代香港。筆者有幸置身其中，觀賞這部西方瑰寶如何在東方明珠的歷史斷層中，開出一朵最具反叛精神的「紅玫瑰」。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer | 從玫瑰圖騰到都市空間的魔幻重塑 本次演出的舞美設計是全劇的視覺靈魂。導演捨棄了傳統的寫實主義，轉而採用一種層次分明的玫瑰景片作為舞台的核心意象。這朵巨大的、可開合的玫瑰，不僅是卡門靈魂的符號，亦承載香港都市空間變遷的載體。 隨著劇情的推進，舞台運用了大量的數位投影與實景道具，將觀眾帶入一個數位懷舊夢境。第一幕的玫瑰中心如明月高懸，背景則是璀璨奪目的霓虹招牌。兩側林立的店舖模型與燈影，勾勒出一種向 70 年代城市空間致敬的仰視感。第二幕的玫瑰轉化為酒色迷離的夜場背景。五光十色的霓虹燈箱層疊交錯，將原劇中小酒館的喧囂演變成了帶有現代香港氣息的醉生夢死。轉到第三幕的葵涌碼頭，這是筆者認為最精彩的一處轉置。至於第四幕的跑馬地馬場，當玫瑰重新閉合，投影變成了擠擁的黑白看台。在命運的終點，那朵玫瑰隨著卡門與唐荷西衝突的升級，逐漸染上了一層觸目驚心的鮮紅。 | 精緻藝術與市井煙火的諧擬碰撞 本次製作最引起劇場熱烈迴響的，莫過於在嚴謹的法語演唱中，突如其來地穿插了極其地道的廣東話道白。這種跨語言的處理，便展現了其消解古典疏離感的威力。當卡門在街頭展現魅力時，身旁的「港女」女工脫口罵出一句「你個死八婆！」，瞬間打破了劇場內凝重的儀式感，引發觀眾席的哄堂大笑。顯示出一種在地文化的「突襲」，讓本地觀眾在短時間內建立起對人物階級與衝突的直覺認知。 此外，製作團隊在細節上的還原亦令人玩味。街頭叫賣《龍虎豹》等成人雜誌的市井景象、酒樓與船艙內供奉的金色關公神位，這些具象的民俗符號與主唱們精湛的唱法形成了鮮明的對比。這種「雅」與「俗」的強烈碰撞，實際上是 1970 年代香港文化雜食性的縮影——在西化的文明外殼下，依然湧動著最底層的原始生命力與宿命信仰。 | 紅色長裙與中式婚禮旗袍的宿命象徵 在人物塑造方面，女主角卡門的形象在本次製作中被賦予了多重的符號意義。在一眾穿著迷你裙、牛仔裝等 70 年代摩登服飾的女工群體中，卡門始終保留著那一襲標誌性的紅裙。儘管剪裁與場景同步現代化，但那抹紅色代表的是一種跨越時代的、不被馴服的生命意志。 筆者認為，全劇最具視覺衝擊力的神來之筆，在於第四幕馬場決鬥中卡門的著裝——她捨棄了西洋裙裝，換上了一身華美的中式婚嫁旗袍。雖然旗袍在視覺上象徵著傳統秩序與束縛，但由卡門穿上，卻顯現出一種「向死而生」的決絕。 在跑馬地馬場那個擁擠、黑白的背景投影下，旗袍的線條勾勒出卡門在命運博弈中的孤高。當唐荷西在爭論激化至頂點後扣下扳機，卡門緩緩倒在整朵染紅的玫瑰花中心。那一瞬間，西方歌劇的悲劇內核與東方服飾的華麗靜謐完美縫合，視覺美感將死亡的恐懼昇華為一種永恆的解脫。 | 一場關於黃金年代的藝術豪賭 整體來說，這個版本的《卡門》算是一次大膽的藝術嘗試。除了證明經典劇目具備超越時空的普世性，亦展現了香港作為文化紐帶，對西方經典進行二次創作的生命力。 製作團隊巧妙地利用了 1978 年這個時代座標，將卡門對自由的追逐，轉化為對那個醉生夢死、充滿變遷的香港黃金年代的註腳。雖然在融合深度上仍有待商榷，但那種敢於將「死八婆」與《龍虎豹》帶入大劇院的膽識，確實擦出了新奇的火花。 當最後那一朵鮮紅的玫瑰在舞台中心隱沒，筆者在觀眾的掌聲中感受到了一種奇妙的共鳴。無論是 150 年前的西班牙，還是 50 年前的香港，那隻「反叛的小鳥」始終在霓虹與塵土之間，高唱著自由的悲歌。這部製作就像是獻給那座城市、那個時代的一封璀璨而淒美的情書。 📖全文請詳看： .hk/post/當塞維亞遇上跑馬地-香港歌劇院版-卡門 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | 立煦 圖 | 香港歌劇院 香港歌劇院 《卡門》 2026 年5月 9 日 19:30 香港文化中心大劇院 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #香港歌劇院 #OPERAHK ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

大評論家 | 希望與失敗的相伴而行──李昢：一九九八年至今的創作 | M+博物館 要認識李昢早期的階段，筆者只能透過觀看「李昢：早期行為展演」文獻放映來補課。《落胎》(1989)中，裸身的李昢一邊吃著「珍寶珠」糖，一邊抱著布偶嬰，口中念念有詞，身體被倒吊至痛苦難耐而大叫，表演才告結束。 《李昢：一九九八年至今的創作》展出韓國藝術家李昢自1998年以來的創作，橫跨雕塑、裝置、圖紙與表演，持續在美學與政治、身體與機械、脆弱與權力之間拉扯出新的想像。《李昢》大型個展由香港M+博物館與韓國三星美術館聯合主辦及策展，去年先在首爾展出。M+全展逾200件，新增49件補足早期脈絡；另呈現超過100件圖紙——圖紙勾勒從構想到實作的計劃性——與2024年委任作品模型。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：.hk/main-page-junior-art-reviewer 1960年代出生的李昢，父母是左翼社運份子，小時候為規避警察而常搬家；而在高度壓抑的韓國社會及政治氛圍中成長，李昢早慧地、直覺地意識到成為藝術家就意味著自由一種相對的自由，她把創作視為在體制裂縫中試探與突圍。 ｜當李昢還很野的時候 在這篇短評，筆者將集中細察李昢早期的創作：她的行為展演及《賽博格》系列及其延伸作品。早期以布料、珠繡與軟雕塑探索女性身體與個人記憶的作品，再到以賽博格為母題、對古典美學與科技邊界提出挑戰的雕塑與混成形態系列。 《Cravings》(1989)，表演者穿戴著或黑或紅、賤肉橫生的軟雕塑，在美術館的地上摸爬翻滾。可穿戴的軟雕塑挑戰社會禁忌與審美規範，那些既誘人又怪誕的形體像是在公共空間中爆發的宣言，讓觀者無法回避她對脆弱與抵抗的凝視。 《水難有感——你以為我是正在野餐的小狗嗎？》中，身穿怪異軟雕塑的李昢由韓國到日本各地標穿梭街頭，挑戰女性在社會中被動的角色。《無題》是1993年在第一屆亞太當代藝術三年展的展演，她與觀眾不停交換衣服。半小時的文獻放映展示四件作品的精華而非全貌，卻足夠讓人看見她行為展演的核心特質：她的行為展演，總{是帶著一種不容妥協的張力，直面社會禁忌的題材，讓人一眼就能感受到那股燃燒般的意志。這是李昢還很野的時候，很貼近我心目中「烈女藝術家」的形象。 ｜由《Cravings》到賽博格——由展演的身體過渡到機械身體裝置 以《賽博格W6》為焦點的一組展區，構成M+李昢展的策展重落墨，輻奏出李昢對身體與科技的思辨：賽博格意象與烏托邦／反烏托邦想像對照，既是對科技與完美主義的質疑，也是對身體政治、性別與權力結構的解構。 1990年代構成了新興科技改造身體的第一波全球高潮，其特徵是生物醫療與資訊技術的同步突破，並由此催生新的倫理、政治與文化回應。李昢的《賽博格》及《異序詞》系列，是李昢由展演身體過渡到機械身體裝置的思考。經歷多個階段的演變的《賽博格》系列，最早的草圖始於1996年，《賽博格》W系列（1998年起，用加熱軟化、冷卻硬化特性的塑膠）近似純白古典雕像的形體重新組構，導入機械與科技想像——結合日本漫畫的造型與冷冽的工業美學——充滿未來感，象徵人類對於透過科技超越肉身局限的持續渴望。 在展區中懸吊的《賽博格W6》(2001)一旁，佇立的《怪物：黑》（1998；2011年重製）像棵異形植物，屬李昢軟雕塑的變異版；《Plexus（神經叢）》(1997-98年)，將軀幹切分、視覺化內在神經結構，延續對身體與內在結構的思考。 以《Amaryllis（孤挺花）》(1999)為核心的《異序詞》系列，把自然與仿生機械元素融合為混合形態，既質疑「完美」的既定想像，更彰顯成功與失敗之間以賽博格及怪物譬喻風險與可能。《異序詞》系列的端倪，或許始見於《馬尾藻》(1998)和《怪物繪圖 No.1-6》(1998) ——這些畫作移印於展館牆壁之上，對應一系列用金線繪描在鮮艷布料上的機動裝甲(2004)；加上《異序詞》17件同名研究也一併展示，讓觀眾理解創作中的遞變。 李昢是位多面又多產的藝術家，她的創作常從邊緣觀察權力：既關注韓國的歷史、文化與政治脈絡，也放眼全球議題，探討權力與制度如何形塑身體、欲望與世界的想像。 📖全文請詳看： .hk/post/李昢-一九九八年至今的創作 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文｜黃小燕 圖｜M+博物館提供、部分藝術地圖現場拍攝 《李昢：一九九八年至今的創作》 展期｜2026年3月14日至8月9日 地點｜M+博物館 #藝術地圖 #artmap_artplus #artmap_大評論家 #李昢 #M+博物館 三星美術館 女性主義藝術 韓國 賽博格cyborg ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜ [email protected] 資訊投稿 ｜ [email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap

英國當代藝術的始作俑者 你不可能沒有聽過他們 |YBA & BEYOND: British Art in the 90s from the Tate Collection | 英國泰特美術館大展登陸日本 英國泰特美術館（Tate）藝術展《改變世界的90 年代英國藝術》（YBA & BEYOND: British Art in the 90s from the Tate Collection）今年登陸日本。這場為期超半年的展覽，集聚泰特館藏精華，一次性呈現英國當代藝術史上最具標誌性的作品，很多是首次在日本展出，分別在東京和京都巡迴展出。 《改變世界的90 年代英國藝術》聚焦1980年代末期至2000年代初的英國藝術，集合60位元英國當代藝術家的100件作品，回望二十世紀90年代的英國當代藝術軌跡。藝術是時代的切片，展覽完整還原1990年代英國社會變遷，涵蓋後柴契爾時代與全球化初興時期的青年文化爆發，探討身份政治的崛起。 | 從法蘭西斯・培根到英倫搖滾 走入展覽現場，法蘭西斯•培根（Francis Bacon）的紅色三聯畫第一個映入眼簾。這是法蘭西斯•培根在1988年對1944年舊作的再創作。作於二戰的首作《十字架底下人物的三張習作》描繪戰爭的滿目瘡痍與悲痛灰暗的時代情緒。44年後的1988年，即柴契爾夫人執政後期，經歷自由化改革的英國社會進入經濟繁榮和政治上升期，但法蘭西斯•培根仍以希臘神話中的三個復仇女神為原型，每格中分別有個扭曲的擬人動物。 自由主義經濟繁榮，帶來的不是老歐洲彼得邁爾式（Biedermeier）的感性雅致，而是搖滾般的英式叛逆。YBA是Young British Artists的縮寫，指英國青年藝術家。這個1980年代末至2000年代初在倫敦崛起的先鋒藝術群體，以反傳統、實驗性、直面社會議題為標誌。年輕藝術家挑戰學院派與商業藝術體制，通過繪畫、雕塑、裝置、影像、攝影、行為藝術等多元媒介，探討死亡、性、消費主義、身份政治和社會創傷等尖銳主題。 | 六個章節，再現先鋒大膽的英國90一代 YBA & BEYOND以6大章節、5個聚焦點再現英國當代藝術脈絡。「破碎的英格蘭：新世代的登場」仿佛社會新聞的頭版頭條，當柴契爾夫人召開記者會宣佈辭職時，倫敦橋爆炸，500多個員工正在街頭罷工；「大熊座：串起城市的影像」轉向城市景觀，讓城市成為被觀看與被改寫的場域；「共用那一刻：音樂、亞文化、時尚」以攝影師沃爾夫岡・蒂爾曼斯（Wolfgang Tillmans）的作品為主軸，把音樂、時尚與亞文化置入藝術語境。 展覽自上而下，由大變小，像攝影機鏡頭般，從廣角逐漸聚焦和收縮，從宏大指向微觀。第四章起，展覽傳遞出YBA的核心藝術理念，即身份敘事主流化，讓私人情感等同於公共藝術。「現代醫學」指向身體，觸及愛滋病引發的恐懼；「作為個人空間的家」將私人領域視為政治場域，在微小的個體空間中探索社會圖景；最後以「從平凡事物中誕生新意：身邊的材料」結束，呈現微不足道、脆弱短暫的物件，讓個體身份成為當代藝術的核心母題，讓藝術更關注人本身。 | 作為當代藝術鼻祖的YBA 當代藝術為何如此光怪陸離，令人費解？有這個困惑的人不只是你，大眾對當代藝術的「接受」，更多是因為習以為常，而非真正理解。如果你有這個困惑，不妨來展覽《改變世界的90年代英國藝術》中尋找答案，因為今天我們習以為常的諸多當代藝術話語，都能從YBA找到源頭。YBA不僅是90年代藝術潮流，更徹底改寫了當代藝術的規則邊界、創作邏輯和市場生態，今天我們看到的當代藝術形態，都深受其影響。 特納獲獎者翠西・艾敏《我的床》1999年橫空出世，震驚四座，把私人生活、垃圾、日用品、身體和創傷直接搬進美術館，終結了只有繪畫雕塑才是藝術的偏見，讓日常現成品與私密敘事成為當代藝術主流，徹底打破藝術的高雅門檻，普通人的生活、情緒和日常物件都能成為藝術素材。 YBA也是第一批主動商業化與品牌化先鋒藝術群體。達米安・赫斯特把藝術做成 IP進行規模化創作，與資本品牌深度合作，打破藝術家必須清貧的舊規。全球藝術市場規則因此被重塑，藝術家可以是創業者和品牌主理人，藝術與商業流量、大眾傳播不再對立，也是今天網紅藝術、IP和商業大展的源頭。 📖全文請詳看： .hk/post/英國泰特美術館大展登陸日本 📖想閱讀更新更多藝術地圖網站文章，歡迎先讚好專頁，請將專頁揀選為「搶先看」 文 | 勞拉申 圖 | 東京國立新美術館 YBA & BEYOND 時間：2026年2月11日 - 5月11日 地點：東京國立新美術館 YBA & BEYOND 時間：2026年6月3日 - 9月6日 地點：京都市京瓷美術館 #藝術地圖 #artmap_artplus #泰特美術館 #東京國立新美術館 #YBA & BEYOND Tate 藝術展 英國藝術 YBA ——— 探索更多藝術地圖 ——— 合作查詢 ｜[email protected] 資訊投稿 ｜[email protected] @artmap_artplus @artplus_plus @ampost_artmap