En 1980, de regreso en Buenos Aires, reclutó a una guardia pretoriana hecha a su medida: allí estaban el ritmo sísmico de Michel Peyronel en la batería y la presencia hercúlea de Víctor “Vitico” Bereciartúa en el bajo. Junto a Boff Serafine formaron Riff, una máquina de guerra sonora que rompió con la estética hippie y propuso otra manera de habitar el rock. “Nosotros hacíamos revolución con nuestra música y evolución con nuestra actitud –resumiría años después–. En ese entonces la banda más pesada era Serú Girán, con eso te digo todo”.
Fue una apuesta arriesgada, un gesto que incomodó a un mundo que aún miraba con desconfianza todo lo que oliera a cuero, motos y volumen sin ironía. Pero debajo de esa superficie había algo más complejo: un entendimiento profundo de la arquitectura del sonido como sostén absoluto. Vitico anclaba. Peyronel detonaba. Pappo abría camino. Esa impronta de garaje era su mayor acto de rebeldía: en un mundo que pedía conceptos abstractos, Riff respondió con acordes que golpeaban directo en el pecho, demostrando que la verdadera vanguardia consistía simplemente en no disfrazar la esencia. Y que El Carpo también sabía ser el capitán de una flota blindada.
Fotos: @gabriel_rocca
Diseño @hachevargas
Crear desde la herida es seguir el gesto órfico: ese impulso de transformar el dolor en melodía y de darle sentido al vacío. Después de un tiempo de silencio y de exilio emocional en Europa, Abril Sosa volvió a Buenos Aires para darle forma a su tercer disco solista, un trabajo que emerge de una doble pérdida: la ruptura con Catupecu Machu y el fin de un vínculo amoroso, dos despedidas que lo enfrentaron a una soledad creadora.
Encarnado en la figura del artista que invoca el poder de la música para sobrevivir, recreó el mito de Orfeo y descendió al Hades para convertir su desdicha en canto. En ese descenso reafirma lo que Nietzsche escribió en “El nacimiento de la tragedia”: allí donde conviven el impulso dionisíaco y la forma apolínea que lo contiene y le da sentido, se consolida una de las premisas más antiguas de la historia: que del dolor surge el arte, y del caos, la belleza.
Son pocos los artistas que lograron sobrevivir al vértigo del siglo pasado y permanecer con plena vigencia, convertidos en los últimos testigos vivientes de una era que ya no existe. Rod Stewart es uno de ellos. Figura de excesos y contrastes, ha sido un ilustre caballero de la Reina, un audaz chevalier de la bohemia y un indiscutido monarca de las crónicas del desamor y el deseo.
Un artista con el don de hacer de cada canción una ceremonia colectiva, un credo compartido donde la emoción se convierte en memoria. Como bien lo resumió el comediante Bill Maher, en un show del Lord inglés no hay un solo momento para ir al baño. Son 90 minutos de nostalgia y celebración, sin tregua ni fisuras. Un festín de recuerdos donde cada acorde es un juramento sonoro entre el intérprete y quienes crecieron con sus canciones. Porque cuando una voz se vuelve eterna, lo único que queda es rendirse ante su grandeza.
Diseño de tapa: @drinksbymarazzi
En cada proyecto, Martín Olveira se juega mucho más que un puñado de canciones: está la construcción de un personaje, el pulso de una época y la obsesión por empujar los límites de la música.
De esa búsqueda nace @marttein , su alter ego artístico que, entre ironía, crítica social y un hedonismo tan atractivo como incómodo, despliega un universo donde performance, discurso y sonido se entrelazan.
Lejos de quedarse en un nuevo lanzamiento, la charla recorre su imaginario: desde la puesta en escena y el rol actoral que asume en cada obra hasta sus referencias culturales, su fascinación por el artificio y la necesidad de transformar cada show en una experiencia compartida.
Y ahí aparece su manifiesto: “Se trata de construir universos amplios. No me interesa solo la música, sino traducirla a otros lenguajes: el teatro, el video, la performance. Eso me permite dialogar con distintas artes y enriquecer la propuesta. Creo que lo que uno puede aportar son emociones, momentos, reflexiones. Y que todo ese trabajo en conjunto –la música, la narrativa, la puesta en escena– genere algo particular, algo que quede resonando”, agrega.
Desde sus primeros pasos televisivos con su banda inicial, Sandro y Los de Fuego, hasta sus recitales rodeado de rosas, Roberto Sánchez construyó una figura magnética que trascendió géneros y fronteras. Hijo de inmigrantes humildes, autodidacta, desafiante, romántico y visceral, se animó a ser distinto en una época donde la singularidad era castigada.
Sobre el escenario fue la encarnación precisa entre el anhelo ardiente y la elegancia de un hombre que, con cadencia hipnótica y gestos que parecían coreografiar el deseo, dinamitó el molde del galán tradicional para reinventarlo y convertirse en un fenómeno cultural que aún resuena en la memoria.
Por eso, en el 80º aniversario de su nacimiento, revisitamos su vida a través de los hitos que explican por qué Sandro no pertenece al pasado ni al presente, sino a ese territorio indomable donde habitan para siempre los verdaderos mitos.
“Toca las campanas que aún pueden sonar, olvida tu oferta perfecta, hay una grieta, una grieta en todo, así es como entra la luz”, escribía el legendario músico y poeta canadiense Leonard Cohen en “Anthem”. La canción, lanzada a principios de los 90, llevaba un mensaje esperanzador en un contexto de oscuridad. Era una forma de recordar que las palabras, la música y el arte pueden ayudarnos a atravesar el dolor, y que en nuestras heridas puede habitar también una posibilidad de fortaleza, aprendizaje e incluso amor.
Benjamín Vicuña pareciera entender ese mensaje desde lo vivido. Encontró en la escritura un modo de habitar lo que duele. Su libro “Blanca. La niña que quería volar” no es solo un homenaje a su hija, sino también una bitácora emocional. Hace de sus heridas un puente, convierte lo personal en algo universal: el duelo como maestro involuntario y la escritura como refugio permanente.
Con el pulso sereno de un caminante literario, @bunburyoficial transita el lanzamiento de su nuevo álbum “Cuentas pendientes” como un peregrino, custodio de tradiciones antiguas y sembrador de nuevos destinos.
En esta travesía de acordes y memorias, despliega un mapa tamizado en el folclore, buscando reconectar con las voces primeras que lo habitan. Arropado por la guitarra española, el piano, el contrabajo y la percusión, cada canción evoca un diálogo con el pasado, donde la transitoriedad se celebra y la nostalgia se transforma en un canto de amor al presente.
“No es un disco de rock, no hay electrónica”, advierte el artista, consciente de que su obra abraza una herencia sonora más cercana a la fuente que a la modernidad. Los textos, que se debaten entre lo popular y lo literario, persiguen un equilibrio sutil en territorios que muchos maestros ya recorrieron.
Un disco que es brújula y memoria, semilla y horizonte, y que confirma, una vez más, que el verdadero arte reside en la obstinada necesidad de seguir creando, aun cuando el mundo entero parezca guardar silencio, esperando ser abrazado por una nueva melodía.
¿Cuánto coraje tenés que tener en el alma para, en plena oscuridad de la dictadura militar y con un hermano desaparecido, ponerte a escribir temas que manifiestan una ideología completamente opuesta a la del gobierno de turno?
¿Cuánta pasión radica en tu esencia para, entre el vocerío que aúlla que “sos un puto y un maricón”, subirte igualmente a un escenario vestido de colores y maquillado, a cantarle a esa misma gente, abanderando la novedad de una era a la que le sacás kilómetros de ventaja?
¿Cuánto amor tenés que tener en tu espíritu para saber que la muerte te pisa los talones y aun así, meterte en un estudio el poco tiempo que te queda de vida para grabar un disco entero?
Sí, el rock es rebelde pero también es audaz e intrépido, y desprende raíces que obran a la orden de los sentimientos más profundos, quizás imperceptibles para los menos sensibles. Y si el rock es rebeldía, también es valentía y amor, por ende, el rock también es victoria, y quien lo lidere, sin lugar a dudas, también releva estas distinciones.
Y aquí culmina este alegato final, con la certeza absoluta de que desde algún parlante alguien lo estará escuchando y generando ese encuentro musical que alguna vez Federico advirtió, desafiando así al tiempo, la distancia y la razón.
No más preguntas, señor juez.
Foto @gabriel_rocca
#federicomoura #fedemoura #virus #superficiesdeplacer
