Artchetypes🖌️❣️

ÚLTIMA LLAMADA 📣 Estamos construyendo Obert Estudis, un colectivo de estudios de artistas en València: un proyecto que abrirá las puertas de los espacios donde el arte se hace para dar visibilidad a una parte del sector que muchas veces permanece invisible. Creemos que los estudios en activo son una parte fundamental del tejido cultural de la ciudad. Queremos que se vean, que se conozcan y que se valoren. Ya somos 18 estudios y 75 artistas. El único requisito para participar es contar con un estudio de producción artística en activo en València o alrededores. El plazo de inscripción finaliza el 5 de abril. Escríbenos a @talarcos o @artchetypes_ 🖤 ÚLTIMA CRIDA 📣 Estem construint Obert Estudis, un col·lectiu d’estudis d’artistes a València: un projecte que obrirà les portes dels espais on l’art es fa per donar visibilitat a una part del sector que moltes vegades roman invisible. Creiem que els estudis en actiu són una part fonamental del teixit cultural de la ciutat. Volem que es vegen, que es coneguen i que es valoren. Ja som 18 estudis i 75 artistes. L’únic requisit per a participar és tindre un estudi de producció artística en actiu a València o rodalia. El termini d’inscripció finalitza el 5 d’abril. Escriu-nos a @talarcos o @artchetypes_ 🖤

Señales que ya no responden. Packaging sin objeto. Polvo como materia. Point Relais es la nueva exposición de arte contemporáneo de @peposalazarlacruz en @_pols___ , Valencia — y trabaja desde el fragmento, no para completarlo, sino para habitarlo. Salazar coge objetos cotidianos y los desconecta de su función. Las instrucciones persisten. Los códigos permanecen. Pero su capacidad de ordenar, de regular, de decirte qué hacer — se suspende. Lo que queda no es ruina. Es posibilidad. Un lenguaje escultórico que no se deja interpretar del todo. Ensamblajes que perdieron su totalidad y en esa pérdida construyeron algo nuevo. Ritmo. Intensidad. Extrañamiento. Espai Pols lleva cinco años acompañando procesos artísticos emergentes en Valencia desde una práctica site-specific, efímera y ecosocial. Point Relais es exactamente el tipo de arte que este espacio sabe acoger. Arte que no te explica.
Arte que te propone.

Con motivo del @pam_bbaa PAM!26 — el festival de arte emergente de la Universitat Politècnica de València — esta semana compartimos una serie de tres entregas revisitando los proyectos de los alumnos del @masterproduccionartistica de la @bbaaupv UPV. Hoy, el primero. Visitamos la clase de Talla del profesor @guillermo_ros — y lo que encontramos no fue un aula. Fue un espacio de trabajo real, materia en proceso, decisiones tomadas en tiempo real. El tipo de ambiente que solo se genera cuando hay un docente que sabe exactamente qué está acompañando. La visita fue tan extensa que hemos dividido el contenido en dos partes. En este primer vídeo: @lararibesfernandez , @sararrreyes , @azzahralopez , Hu, @_claudiasaez , @herruzopiera , @muma__________ de @mireyaa.22 , @sabinalarioss y @celiamarco_ . Cada uno en un punto diferente del proceso. Algunos todavía negociando con la materia en bruto. Otros llegando ya a algo con identidad y presencia propias. Todos con un pensamiento detrás, un criterio, una dirección. En una práctica como la escultura y la talla contemporánea — donde el material te empuja, te resiste, te obliga a tomar decisiones en cada gesto — eso no es un detalle menor. Es exactamente lo que distingue un proceso artístico de un ejercicio técnico. El PAM!26 llega del 19 al 22 de mayo en Valencia. Arte emergente universitario en su mejor momento.

Venecia, 1978. La Bienal se titulaba “De la naturaleza al arte, del arte a la naturaleza” y la representación española llegó dispuesta a hacerlo literal. Menashe Kadishman pintó 18 ovejas de azul y las soltó en el pabellón. Animales vivos como obra viva. Antonio Paradiso trajo un toro real junto a una vaca mecánica — la naturaleza y su simulacro frente a frente. José María Yturralde llevó sus estructuras volantes — geometría que desafiaba la gravedad y el espacio. Fina Miralles cubrió el suelo de arena y colocó una losa con la frase que lo decía todo: “Vuela alto, gaviota, que ya está aquí el hombre.” Pilar Palomer presentó su obra plástica en su primera participación oficial del Estado español en Venecia. Los ingenieros Fernández Ordóñez y Martínez Calzón llevaron fotografías de sus puentes — y demostraron que la ingeniería civil también era arte. Una Bienal que no exponía objetos. Exponía procesos, animales, materia y poesía.

El episodio de hoy va para todas las personas que trabajan en el sector del arte y alguna vez se han preguntado si esto tiene sentido económico real. ¿Se puede vivir de una galería de arte? El 40% de las galerías opera con pérdidas. El margen neto medio del sector es del 4,6%. Y sin embargo, cada año abren nuevas galerías convencidas de que esta vez será diferente. En el episodio 19 de Artchetypes analizamos el modelo de negocio real de una galería de arte contemporáneo — sin filtros y con datos. Con el Informe Art Basel UBS 2026, la visión de Nacho Ruiz — galerista de T20 Murcia y autor de La Galería — y los casos reales de Sabrina Amrani, Bombon Projects, Zielinsky, 1 Mira Madrid y las grandes: Gagosian, Hauser & Wirth y Zwirner. Hablamos de dónde vienen los ingresos reales de una galería, quién es el coleccionista nuevo que el sector todavía no sabe cómo hablarle, qué estrategias están funcionando y por qué el problema no es el arte — es el sistema que lo distribuye. Ya disponible en Spotify y YouTube. Enlace en bio. 🖤

Hay propuestas en ARCO en las que no puedes dejar de pensar cuando sales. Tránsitos. De la tierra al arte es una de ellas. El proyecto de @artesania_clm CLM para ARCOmadrid 2026 — comisariado por @ruizespinosa y con diseño de espacio de @fernando.sanchezherrero — no es una exposición de artesanía. Es una pregunta sobre lo que ocurre cuando el gesto más antiguo que existe — tejer — se convierte en lenguaje compartido entre artistas y maestros artesanos. Tres obras. Tres coautorías. Una sola lógica: la trama y la urdimbre como estructura de pensamiento. Abrigadero — @ireneinfantes_ y Ramón Cobo @wool4.life . Una arquitectura habitable de lana. El chozo trashumante revisitado como refugio, comunidad y memoria viva de un oficio en resistencia. Aigua en Cistella — @carlestarrasso y Juan Manuel Marcilla @cesteriamarcilla . Mimbre, agua y resina de pino. Los flujos invisibles del territorio convertidos en paisaje fragmentado — porque bajo la apariencia árida de Castilla-La Mancha fluyen memorias que sostienen la vida. Una lengua de otro tiempo — @mayapitaromero y Sergio Rosa @artesania_eustaquio_rosa . Textil teñido con plantas medicinales de la región. El refajo tradicional como ecosistema orgánico que absorbe, repara y recuerda. Todo ello bajo una luz pausada, concebida desde la calidez del interior de la tierra. Lo que demuestra este proyecto es que la artesanía no es patrimonio del pasado. Es una estructura de pensamiento viva. Y cuando las instituciones y los creadores colaboran con intención real, el resultado no es folclore. Es arte contemporáneo con raíces. ¿Lo viste? Cuéntame qué te pareció. 👇

Biología y técnica. Cuerpo y máquina. Metal y aceite de motor. Miento Miento Miento. Muto es la exposición que reúne a @mremesilvestrelinde y @raul.lorenzo.p en @sa.ce.ca — Sagunto Centro de Cálculo, un espacio autogestionado en el polígono industrial de Sagunto que desde 2022 funciona como estudio y sala de exposiciones independiente. Chapas de hierro soldadas siguiendo la arquitectura de la propia nave. Aceite de motor recogido de empresas vecinas — residuo industrial como sangre negra dentro de la máquina. Dibujo como contrapunto a la rotundidad del metal. El texto curatorial es de @meritt.xell . Comisariado por @_carlosperis Una propuesta donde lo inerte y lo vivo intercambian sus propiedades — y la periferia industrial se convierte en el escenario exacto para hablar de las fricciones de nuestro tiempo.

Todos te hablan de los looks de la Met Gala — pero nadie te cuenta nada de la exposición que se inaugura esta semana en el Metropolitan Museum. Se llama Costume Art. Y lo que propone es poner en diálogo prendas con obras de arte moderno y contemporáneo. Las esculturas curvilíneas de Henry Moore junto a Rei Kawakubo. Un vestido de McQueen bordado con órganos internos junto a un grabado anatómico. Un vestido de Duran Lantink cuyas formas serpentinas dialogan con Jean Arp. La obra Nana and Serpent de Niki de Saint-Phalle frente al bondage corporal de Michaela Stark. Y un vestido de Olivier Theyskens intervenido con una red arterial — junto a In Circles de Chiharu Shiota. “Cuando yuxtapones una prenda y una obra de arte, surge un nuevo significado. Uno más uno suman tres.” — Andrew Bolton, comisario de la exposición. Cattelan lo resume: la moda y el arte tienen las mismas obsesiones — el cuerpo, el poder, el deseo, el estatus. Aunque Rachel Feinstein lo separa por el tiempo: el arte nace para perdurar. La moda vive en el presente. Lo que hoy es tendencia, mañana es archivo. Andy Warhol dijo que la moda es más arte que el propio arte. 39 años después — el Met parece darle la razón. ¿Y tú? ¿Cuál es el look que más te ha gustado? A mí el de Emma Chamberlain 👇🖤

Nadie te habla del Museo del Barro de Paraguay. Y debería. Porque esto no es un museo — son tres. Arte popular, arte indígena y arte contemporáneo reunidos bajo una misma idea radical: que los tres tienen exactamente el mismo valor. Sin jerarquías. Sin folclore. Sin condescendencia. Todo nació en 1972 de una colección itinerante que viajaba por escuelas e instituciones públicas. Hoy el Centro de Artes Visuales de Asunción alberga más de cuatro mil piezas de arte popular paraguayo, más de mil setecientas piezas de arte indígena exhibidas estrictamente como arte, y la única colección permanente de arte contemporáneo del país. Durante la visita vimos dos exposiciones. Las Noguera — seis hermanas ceramistas de Tobatí que llevan la tradición guaraní hacia un mundo propio, con humor, con erotismo, con cuerpo. Y Afinidades — arte moderno de América y España con obra de León Ferrari, Antonio Berni o Rafael Canogar entre otros. Desde la museografía europea tendemos a hablar de la artesanía latinoamericana como algo del pasado. El Museo del Barro lleva décadas demostrando que es una estructura de pensamiento viva. Algo que en Europa estamos empezando a redescubrir ahora. Paraguay lo lleva haciendo décadas. Y nadie te lo había contado. Nuevo episodio ya disponible — enlace en bio. 🏺

Henry Darger escribió 15.145 páginas que nadie leyó en vida. No buscaba galerías. No pensaba en coleccionistas. No tenía estrategia de contenido. Solo producía — en silencio, en soledad, sin pedir permiso a nadie. ¿Era un fracasado?�¿O estaba haciendo exactamente lo que el arte debería permitirnos hacer? Vivimos en una era que ha convertido la creatividad en rendimiento. Y esa lógica ha colonizado también el mundo del arte. Duchamp, Gadamer, Heidegger, Kaprow. Cuatro formas de entender si el arte necesita público para existir. Ninguna respuesta cerrada — solo una pregunta que duele un poco hacerse: ¿Cuándo fue la última vez que produjiste algo sin pensar en quién lo iba a ver? Nuevo episodio ya disponible en YouTube y Spotify. 🖤

“El mercado de galerías no tiene un problema de oferta. Tiene un problema de conversión.”�— Magnus Resch, economista del arte, Yale. Esta semana se publicó el Art Basel & UBS Art Market Report 2026, firmado por la economista Clare McAndrew. Y los datos lo confirman. 📊 En 2025, el mercado global del arte movió 59.600 millones de dólares — después de dos años de caída, volvió a crecer un 4%.�🔨 Las subastas subieron un 9%.�🖼️ La venta más cara del año: un Klimt por 236 millones en Sotheby’s Nueva York. Pero debajo del top de lujo — Resch tenía razón. Menos compradores nuevos. Las ventas online caen a su nivel más bajo desde 2022. El comprador vuelve a las ferias. El mercado se fragmenta: arriba todo brilla, abajo todo cruje. Una buena noticia: por primera vez, las galerías del mercado primario alcanzan la paridad de género en representación de artistas. Eso sí es un cambio estructural. ¿Quieres que lo analicemos en profundidad? 👇 Comenta “informe” y lo desarrollamos en el próximo episodio. ✨

Anatomía de una escena Cómo se construye el tejido artístico de una ciudad Una escena contemporánea viva no aparece por casualidad. Se construye con 7 pilares que analizamos en el nuevo episodio: 1️⃣ La facultad de Bellas Artes — el semillero donde todo empieza 2️⃣ Estudios activos — donde ocurre el 80% de la producción 3️⃣ Espacios independientes — conversaciones sin filtro comercial 4️⃣ Galerías profesionales — el puente al mercado internacional 5️⃣ Instituciones vivas — el tejido conectivo del ecosistema 6️⃣ Ferias de arte — catalizador cuando funcionan bien 7️⃣ Coleccionistas locales — el aceite que mantiene todo en movimiento Una ciudad puede tenerlos todos y aun así no tener escena. Lo que construye tejido son los vínculos entre agentes. 🎧 Episodio completo disponible YA YouTube + Spotify Link en bio. Obras que aparecen; @adrian_jorquesss en @galeriavangar @sarah_viguer_cebria y @laraordonyez en @gva_ivam @anna_talens en @gva_ivam @mremesilvestrelinde y @raul.lorenzo.p en @sa.ce.ca @c__pino en @pratsnoguerasblanchard para @feriaarco @belen_who en @alarcon_criado para @feriaarco @silayir en @villamagdalena33 para @feriaarco (Solo deja etiquetar a 20)