#NOWNESSASIAPicks NEW: Director Sybilla Patrizia captures Taiwanese artist Ching Ya Lin's immersion into the traditional crafts of hyōgu (mounting) and kakejiku (scroll-making) in Nara, Japan. 📜
Nara, the ancient capital of Japan and heart of sumi ink production, acts as an essential collaborator in this film. As Lin seeks to "absorb the spirit of the environment", the boundary between nature and studio becomes porous. This film also uncovers Lin's deep sensitivity to materials like washi fibres, treating them not as passive objects, but as entities that carry memory, time, and life within them.
Patrizia's fluid cinematography mirrors the sensoriality of ink itself, exploring the philosophy of scrolls as 'nomadic' objects that embody a quiet acceptance of impermanence. As Patrizia expresses, "I wanted the film itself to mirror this quality, moving fluidly between moments rather than adhering to a rigid structure."
Tap the link in bio to watch the full #PrivateView film on NOWNESS ASIA 🎥
Featuring @vanialalalala@christineflintsato
Director & Producer @sybillapatrizia
Cinematographer @shunshun1312
1st AC @makoto_mk26
Gaffer @tetsuya_kusu
Editor @holly__thomso@trimediting
Edit Supervision @nanako_kawasaki_
Colorist @torn_studios.ltd
Thank You
@toma_unrestored
@kinkoenjp
@boku_undo1805
#NOWNESSASIAPicks NEW: Director Sybilla Patrizia captures Taiwanese artist Ching Ya Lin's immersion into the traditional crafts of hyōgu (mounting) and kakejiku (scroll-making) in Nara, Japan. 📜
Nara, the ancient capital of Japan and heart of sumi ink production, acts as an essential collaborator in this film. As Lin seeks to "absorb the spirit of the environment", the boundary between nature and studio becomes porous. This film also uncovers Lin's deep sensitivity to materials like washi fibres, treating them not as passive objects, but as entities that carry memory, time, and life within them.
Patrizia's fluid cinematography mirrors the sensoriality of ink itself, exploring the philosophy of scrolls as 'nomadic' objects that embody a quiet acceptance of impermanence. As Patrizia expresses, "I wanted the film itself to mirror this quality, moving fluidly between moments rather than adhering to a rigid structure."
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《佛手 Buddha’s hand》
手持法器的佛手畫，出於香格里拉唐卡畫院，使用天然礦物色粉入畫。
周圍鑲上會津木棉織品，在日本會津若松市購買的，當初看到非常美麗的織紋，帶了幾個顏色，和細膩的唐卡畫搭配起來，增添層次感。
這次用簡單的板架裝裱，以作品及布料為主的呈現方式。
This painting of a Buddha’s hand holding a ritual object was created by the Shangri-La Thangka Academy using natural mineral pigments.
The work is framed with Aizu cotton textiles purchased in Aizuwakamatsu, Japan. I was drawn to their beautiful woven patterns and brought back several colors. Paired with the delicate thangka painting, the fabric adds a rich sense of texture.
#NOWNESSASIAPicks NEW: Director Sybilla Patrizia captures Taiwanese artist Ching Ya Lin's immersion into the traditional crafts of hyōgu (mounting) and kakejiku (scroll-making) in Nara, Japan. 📜
Nara, the ancient capital of Japan and heart of sumi ink production, acts as an essential collaborator in this film. As Lin seeks to "absorb the spirit of the environment", the boundary between nature and studio becomes porous. This film also uncovers Lin's deep sensitivity to materials like washi fibres, treating them not as passive objects, but as entities that carry memory, time, and life within them.
Patrizia's fluid cinematography mirrors the sensoriality of ink itself, exploring the philosophy of scrolls as 'nomadic' objects that embody a quiet acceptance of impermanence. As Patrizia expresses, "I wanted the film itself to mirror this quality, moving fluidly between moments rather than adhering to a rigid structure."
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《🔴》
Hyogu Art Residency at Toma House in Nara, where I learned the traditional Japanese kakejiku (hanging scroll) technique.
Beyond seeing so many beautiful textiles and scroll ends, I finally encountered furunori—a 10-year-old fermented paste used in cultural conservation. Even though it was covered in mold, it didn’t smell bad at all.
I brought back several mounting books to study, and became especially interested in Japanese sliding doors (fusuma). I even bought two hikite (pull handles), and plan to build a door and install them myself.
Mounting originates from the idea of interior structuring and spatial design. In Japan especially, it is deeply connected to architecture and interior planning.
Works that integrate with interior space or architecture have a unique charm—it feels as if you are living inside the artwork itself.
在奈良藤間家完成裝裱，學習了日式立軸Kakejiku 做法。除了看到超多美麗的布跟軸頭之外，終於見到古糊本人（10年老漿糊，用在文化財保存修復）雖然長滿黴菌，但一點也不臭耶，就是有股潮氣的味道。
帶了裝裱的書回來研究，對日式拉門(襖)特別感興趣，買了兩個引手回來，之後要做一扇門把它們裝上去。
裝裱是由裝潢的概念延伸而來，特別在日本的建築與室內空間的規劃上，都和裝裱有很深的關聯。
像是屏風Byōbu跟襖Fusuma，用來區隔室內空間，上面繪有畫作，當陽光照進屋子的時候，貼上金箔的畫作反射光線，照亮整個房子，真的是超級浪漫；立軸Kakejiku懸掛的位置也暗示著隱密性，像是把畫作掛在最深處的房間裡，代表這是一個私密空間，不能輕易進入。
能夠和室內空間或整個建築結合的作品好有魅力，就好像住在作品裡的感覺。
A quiet yet extraordinary experience at Chichu Art Museum and the Art House Project – Minamidera.
去年10月因為去到奈良駐村，剛好碰上了瀨戶內海藝術祭，安排了兩天去到高松、直島跟豐島。
走完的感想是，原來這就是用身體去體驗作品的感覺啊！在直島一天徒步走完行程，在時間的控管跟用心來感受作品之間快速切換，這是一趟結束後才能冷靜下來回味的旅行。
在這次看到的所有作品中，有兩個讓我印象深刻的地方，一定會再回去。
《地中美術館》
裡面全程禁止攝影。
裡面幾乎沒有燈。
⬜️一開始進入清水模的牆面，一條細長的走道及兩側微光引入空間，接著是三角形的天空及四方形的草，從這裡就已跳脫我的經驗了，是沒有根據、沒有先前想法的空間。逐漸往上，全世界只看得到天空、清水模、草（還有很多人）像是迷宮，但是外星人蓋的。
⚫️大球球聖殿（我自己取的名字）
一個聖壇，像是天堂一樣的空間，不存在我腦袋中有過的經驗，是一個全新的神殿。在樓梯空間看見一顆原始古老的球體，在空間裡面，它像在人類出現之前就存在一樣，大理石黑灰花紋跟光滑表面，不是出土的那種古老原始，而是靈的層次那種古老與安靜。
挑高的天板跟四周留有空隙的光透進來，裡面沒有人工光源，變成一種濛濛灰灰的微光，今天是陰天，偶爾下雨，但薄薄的雲偶爾透出陽光，我想在不同天氣和時間之下，看見的場景和氛圍會截然不同。在空間裡眼眶熱熱濕濕的，是一種心的撼動。裡面的作品出自Walter De Maria
🪷莫內的睡蓮
我曾在倫敦看過莫內的睡蓮，在美術館精心安排的光線底下，他像是一個藝術品獨立於牆面和空間，但這邊的睡蓮不同，它是在自然光底下，和建築融為一體，像是它本來就在那裡一樣。沒有任何「我在這、來看我」的訊息，我覺得這裡的東西都有一種原本就在這的感覺。印象派本就在自然光底下，詮釋眼睛看見的光，灑在各種顏色上，而在這裡也只有自然光，重現印象派的精神，至它在它本就存在的空間裡。
⬜️方形的天空
在排隊看James Turrel的作品時，因隊伍太長，進到了一個白色的空間，整個空間只有白色和天空，看得見雲的變化，下雨天雨也會潑進來吧，裡面一樣有種神殿感。坐在椅子上靠著背看著天空的雲飄過，一樣我不知到我在哪，但是在古老的過去，我可能到過這裡。在這裡的所有東西，都是這個邏輯，我從未見過，卻有種在身體或精神記憶裡很深層的連結感。全部都很簡單，卻非常精，濃縮了所有的重點，在幾何圖形與線條中，發揮強大的力量，一種觸碰原始靈魂的途徑。要有空間和專注，就只有自己跟作品。
走出美術館，我覺得我沒有用手機，才能體會到這些，其實在逛的途中，看到有些人在還是在拍，我覺得好可惜。
裡面幾乎沒有燈，只有利用建築讓陽光灑進來，我去的時候是陰天，還是有光，期待下一次去是不同的天氣，走出整個園區發現外面有池塘跟小花園，是莫內的睡蓮。
《家計畫—南寺》Backside of the Moon
這是一棟建築，一走進裡面是極致的黑暗，什麼都看不到，慢慢眼睛會適應空間，能夠看到光，並能夠在裡面行走，由安藤忠雄設計，按James Turrel作品興建。
這個作品對我來說，完全不是走進去就好，這麼簡單的事情。
在裡面只有觸覺可以提醒我還在，眼睛張開跟閉著看見一樣的一片黑，沒有看過（我也看不到）沒有經歷過這種黑暗，我覺得我消失在一片黑色的宇宙裡，非常恐懼，快受不了要逃跑的感覺。慢慢坐著等待很久，看見了一個方形的光還有兩側灑下來的光線，這裡讓我徹底知道科學是一回事，感覺是另一回事。在黑暗裡面瞬間看見光，是暗適應，我知道，可是感受上來說，就是魔法啊！還有我的救世主出現了，至少我不是一片漆黑，我看得見一片光指引我。
我真的很害怕什麼都沒有的空間，不管是一片白或一片黑，沒有任何差別的空間，沒辦法判斷方向跟時間跟自己，漂浮在永恆的黑之中，沒有過去也沒有未來也沒有結束。
以上兩個地方，撼動我的心，都是安藤忠雄的作品，觸及心靈的建築。
因為沒拍到家計畫—南寺，就用直島上超好吃的可麗餅代替，這個也再要回去吃！為什麼！可以這麼好吃啊！
《2025的心》
While working, the more I become aware of myself, the more I feel that language falls short.
This was in October 2025—when I saw the shape of my mind.
關於心｜
在做作品的時候，越感覺到自己，越覺得語言沒辦法表達，要利用材料說話，這是2025年的10月，看到自己的心的樣子，把它記錄下來。
關於裱褙｜
在所有裝裱形式中，我最喜歡立軸，僅用上下兩支木棍，撐起一幅畫作，它的存在感沒有畫框來得強，反而有種自由，可以隨時卷起，換一幅再掛上。立軸裝裱的作品，從側面看是薄薄的紙，這是它吸引我的地方，看得出來是紙，有紙的厚度、質感，對我而言很重要。
裝裱對作品來說是一個整體的收邊，讓一件作品看起來更完整，但是在完整的過程中要取捨的是它的自由。我每次在想，當我在完整它的時候，是否保留一定程度的自由呢？多半時候我拿自己的作品來做，從它原始的樣子，到加上襯紙、布料，要如何達到完整與自由之間的平衡？我還在不斷嘗試。
在裝裱後，讓作品仍然是作品。
In The Tibetan Book of Living and Dying： “A wave appears to have a clearly separate individuality, with a beginning and an end, a birth and a death. Yet from another perspective, the wave does not truly exist as something independent; it is simply the activity of water.
When you begin to truly contemplate a wave, you will find that it is temporarily formed by wind and water, dependent upon a constantly changing set of conditions. You will also discover that each wave is connected to every other wave.”
在《西藏生死書》中提及關於無常的段落「海浪似乎具有明顯獨立的個體，有始有終，有生有死。從另一方面看，海浪本身並不是真的存在，只不過是水的行為而已。當你真正開始思考海浪時，你將會發現它是由風和水暫時形成的，依存於一組不斷在改變的條件。你也將發現每一波浪之間都有關聯。」
我時常想到這句話，每次看海浪時都會想到「水的行為」，看起來存在的，卻只是由一連串的反應組合而成的一個「波」，出現又消失。
雖然沒什麼關聯，不過裱褙就是在控制水，等待一個適合的乾濕度，控制紙的延展、含水量、漿糊的濃度等等，整個裱褙其實也就是水的行為而已。
這件作品，用我做的紙畫了「水的行為」，不一定是海浪，也許是造紙的時候用的那一缸水吧，拿著自己做的紙畫圖，就是會把造紙的過程一起帶進去。前陣子很著迷用點點畫水，總覺得這種微小聚集成的面積，有種說不出來的過癮，可能是感覺到它在動吧。
我不覺得作品一定要裱起來，有時候會覺得是一種限制（雖然我自己在做裝裱😀）。不過這件保留了紙張周圍的邊邊，在造紙過程中留下的邊邊，這個邊邊對我來說100%重要，我就是很在意邊邊，它要看起來是一張有靈魂的紙啊！
