ヨーロッパの美術館は、よほどのことがない限り、作品の写真を撮ってよい。19歳の頃から、フィルムカメラで撮った作品は、今改めて見ると、自分というレイヤーがたっぷり重なり、当時の自分の未来への憧れを内包していて、愛おしい写真だと思う。さて。
（前項続き）メルロ・ポンティの知覚論においては、「見る」という行為は、単純に外界を受動的に受信することではない。私たちは、身体を通して世界に触れ、世界の内部に巻き込まれながら知覚している。視覚とは、客観的な情報処理ではなく、「身体を持った存在による経験」だ。
私たちは決して世界を完全に透明に見ることはできない。常に身体の位置、記憶、感情、過去の経験、その時の空気や緊張感のようなものまでが知覚に入り込んでいる。「見る者」と「見られるもの」は明確に分離されたものではなく、両者は、互いに絡み合いながら成立している。
私はリヒターのぼかしに、その「絡み合い」が現れているように感じる。写真は本来、「対象をはっきりと捉えること」を目指すメディアとも言えるが、リヒターは、その明晰さをあえて揺すり、私たちは、「何が写っているか」を即座に消費することができない。「私はいま、どのようにこの像を見ているのか」という、自分自身の知覚の状態へ引き戻される。
リヒターのぼかしは、単なる視覚効果ではなく、「知覚そのものを意識化する装置」として機能している。そしてそこでは、写真はもはや「世界を正確に写す窓」ではなく、見る者の身体や意識が介入せざるをえない、不安定な場へと変容を遂げ、「見ること」の本質を問うている。
For Merleau-Ponty, seeing was never just a passive act of receiving visual information from the outside world. We perceive the world through the body. We are already inside the world, involved in it, affected by it.So perception is never completely neutral or detached.The way we see is always shaped by memory, emotion, physical presence, past experience — even by atmosphere, tension, or the feeling of a particular moment.In that sense, vision is not simply optical. It is embodied.
And Merleau-Ponty also questioned the clear separation between the viewer and the thing being viewed. For him, these two are always intertwined in some way. I sometimes feel that Richter’s blur makes that intertwining visible.Photography normally aims for clarity. It tries to present the object as something fixed and recognizable. But Richter deliberately destabilizes that clarity.And because of that, we can no longer consume the image instantly.Instead, we become more aware of our own act of perception. We begin to notice not only what we are seeing, but also how we are seeing.For me, this is why the blur feels important.
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#gerhardrichter #merleauponty
少しずつ日々の備忘録として、メモを走らせていこうと思います。今日は、昨年の暮れに見たリヒターの回顧展について。
ゲルハルト・リヒターの初期の写真的なポートレート作品は単なる「写真の模写」ではない。
写真は一見、現実を客観的に記録するメディアのように感じられる。けれども実際には、それは流れ続ける現実の、ある一瞬を切り取った断片にすぎない。つまり写真は、対象そのものを完全に表しているわけではなく、「ある一点」を固定したものに過ぎない。リヒターは、その固定性に違和感を持っていたのではないか。
彼のぼかしやブラシの操作は、単にイメージを不鮮明にしているのではなく、その瞬間を再び時間の流れへ戻そうとしているように見える。「写真に連続性を与える試み」だ。同時に、そのぼかしは、「見る」という行為そのものの曖昧さも示している。
写真を見ると、そこに客観的真実があるように感じてしまいがちだが、しかし実際には、鑑賞者は自分の記憶や感情や先入観を通してしか写真を見ることができない。リヒターは、その不安定さをあえて表面化させている（続く）。
If I can share a personal interpretation for a moment, I’ve always been very interested in Gerhard Richter’s early photo-based portraits. I don’t really see them as simple reproductions of photographs.We often think of photography as something objective — as if it simply records reality as it is. But when you think about it carefully, a photograph only captures one fragment of reality. Just one instant, cut out from a continuous flow of time and experience.Reality itself is always moving, always changing. But a photograph fixes one moment and isolates it.And I sometimes feel that Richter was uncomfortable with that fixed quality.So when he blurs the image, or drags a brush across the surface, I don’t think he’s simply making the picture unclear. It feels more like he’s trying to return that frozen moment back into time again — back into movement, uncertainty, continuity.That’s why I personally see the blur not as a loss of information, but almost as an expansion of the image.At the same time, I think the blur also reminds us of something else: that seeing itself is unstable.When we look at a photograph, we tend to trust it immediately. We feel that the image contains some kind of objective truth. But in reality, we never see an image neutrally. We always look through memory, emotion, personal bias, cultural background.In other words, the viewer is never completely objective either.And I think Richter makes that instability visible.So for me, these paintings are not simply paintings based on photographs. They almost feel like proposals about how we should look at photographs in the first place.（to be continued)
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#gerhardrichter
