Cada publicación de un nuevo disco de Kevin Morby es un acontecimiento que reordena las coordenadas de su cancionero, pero en esta ocasión el desplazamiento geográfico y vital que impulsa 'Little Wide Open' concede al proyecto una densidad inhabitual. Morby ha construido una carrera donde la fidelidad a ciertas obsesiones (el río, el tren, la autopista, los amigos que se fueron demasiado pronto) nunca ha degenerado en fórmula, y aquí la noticia de que será padre en agosto y la mudanza de Kansas a Los Ángeles convierten cada canción en un balance sin concesiones. La composición coincidió con un periodo de incertidumbre doméstica y profesional: el propio músico admite que su vida iba a cambiar de forma drástica, y esa conciencia del cataclismo íntimo que se avecina recorre el álbum sin traducirse jamás en dramatismo explícito, sino en una serenidad tensa que comparte linaje con ciertos discos crepusculares de la tradición norteamericana.
Lo que permanece después de recorrer 'Little Wide Open' es la sensación de haber asistido a una mudanza sentimental donde las cajas contienen tanto lápidas diminutas como cancioneros heredados. La lealtad a los amigos que murieron jóvenes, la fascinación por el cielo raso del Medio Oeste y el compromiso con la compañera que escribe en la habitación de al lado se funden en una secuencia que avanza por acumulación de detalles más que por estribillos rotundos. Morby no utiliza la paternidad como coartada para edulcorar el relato ni convierte el duelo en un espectáculo: simplemente describe lo que ve cuando conduce su camioneta hacia el río, cuando los insectos salpican el cristal delantero o cuando suena una canción de Tom Petty y entiende que la sencillez puede ser un modo de seguir vivo. La obra late con la misma mezcla de crudeza y regocijo que define a quienes han aprendido que la tierra prometida no existe, pero que igualmente merece la pena cargar los bártulos en el maletero de la ranchera y salir a buscarla.
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#kevinmorby #littlewideopen #deadoceans
📸 by Chantal Anderson (@chantalaanderson )
La pareja formada por Sam Ray y Kitty Ray siempre se ha caracterizado por componer unas canciones que, partiendo de grabaciones caseras y una estética deliberadamente cruda, han ido ganando una auténtica legión de seguidores fascinados por la simbología oscura y fantástica que atesoran sus temas. Tras sortear problemas de salud graves que pusieron su continuidad en jaque, el conjunto ha logrado estabilizar su formación y replantearse por completo su método de trabajo. 'Nude descending staircase headless' representa ese punto de inflexión, al ser su primera incursión en un estudio de grabación profesional bajo la supervisión de un productor externo. Esta motivación de cambio, alejándose de las limitaciones autoimpuestas del sonido casero, nace de un deseo consciente por explorar nuevas vías sin perder su esencia. El resultado es un trabajo que no rehúye las contradicciones, enfrentándose de lleno a la náusea existencial y a la adicción en una época que premia el mínimo esfuerzo creativo.
@realteensuicide canalizan su tormento externo hacia un sonido diáfano que multiplica más que nunca la crudeza de sus composiciones sobre el nihilismo contemporáneo. A propósito de su nuevo LP nos confiesan sus 'Liner Notes'.
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#realteensuicide #runforcover #nudedescendingstaircaseheadless
La vida de John Andrews cambió de ritmo al instalarse en un barrio de muelles y adoquines, donde compaginó la escritura de canciones con un empleo en el parque municipal. Cada pieza de 'Streetsweeper' nació en los ratos libres de una jornada laboral que exigía segar el césped de terrenos deportivos situados a la orilla del río, cerca de viejas construcciones industriales sin uso. John Andrews aprovechaba la pausa del mediodía para pedalear hasta su casa y registrar las voces antes de regresar al césped, y esa dualidad entre el trabajador anónimo y el creador se filtra en cada surco. Lejos de cualquier aspaviento, el músico presenta un conjunto que respira la paciencia de quien barre las mismas hojas cada otoño. La gratitud por un oficio modesto y la observación de los gestos que pasan desapercibidos se convierten en el verdadero asunto de estas nueve piezas. Aprovechando lo reciente de este hermoso nuevo disco, John Andrews nos cuenta las cosas que más le apasionan.
🔗 https://www.mindies.es/especial/liner-notes-002-john-andrews-the-yawns/
#johnandrewsandtheyawns #earthlibraries #streetsweeper
📸 Betsey Carroll y Adrienne (@itsadriennenotadrian )
🖌️ John Andrews
No nos olvidamos de repasar toda la buena música que nos dejó el pasado mes de abril. La recopilamos en esta playlist. https://www.mindies.es/media/las-canciones-de-abril-11/
#playlist #nuevamusica #novedades
La relación entre el cuarteto neoyorquino y el universo creado por Bryan Lee O'Malley se remonta a los albores de su carrera, cuando programaban música con cartuchos de Nintendo funcionales y ayudaban a difundir una escena de bits basada principalmente en internet. Tras poner música al videojuego original de Scott Pilgrim, aquel éxito les permitió financiar su primer álbum mediante crowdfunding. Ahora, dos décadas después, regresan al mundo de los beat em up con 'Scott Pilgrim EX', una banda sonora de setenta y un temas que sintetiza sus orígenes electrónicos legendarios con su presente de rock de garaje más áspero. Los miembros han priorizado componer con el mínimo equipo posible dentro de su autobús durante la gira que promocionaba 'Anyway', inclinándose por software diseñado para sistemas antiguos. Esta decisión no responde a una pose nostálgica, responde más bien a la voluntad de preservar una forma de creación que el acceso generalizado a los estudios digitales modernos podría barrer.
El rodaje para la serie animada 'Scott Pilgrim Takes Off' en 2023 supuso un punto de inflexión: Berkman y Silas reconocieron que canalizar la energía directa de la banda ficticia Sex Bob-Omb les reconectó con la manera en que aprendieron a tocar incluso antes de los primeros lanzamientos del grupo. Ese proceso de escritura colaborativa, volcado directamente a la cinta y lleno de distorsión, cristalizó en 'Anyway' durante 2025. El cuarteto abandonó su minucioso método digital habitual por otro más orgánico y compartido, alquilando la casa de la portada de American Football para escribir canciones mirándose a la cara en lugar de enviarse archivos a través de la red. Los temas resultantes colocaron las guitarras y las voces naturales al frente, con Peter Berkman escupiendo versos sobre la exigencia de convertir la vida en contenido perpetuo para las plataformas y sobre el vacío existencial de quienes han perdido toda alegría. Aprovechando su inminente y más que esperada gira por nuestro país, les hemos preguntado por las cosas que más les apasionan.
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📸 @abadjanelle
#Anamanaguchi #polyvinyl #scottpilgrim #oval #
El cuarteto neoyorquino capitaneado por Nara Avakian ha ido forjándose un hueco en la escena alternativa de la ciudad gracias a unas presentaciones en directo que atrapan al espectador en un torbellino de texturas ruidosas. Con su segundo larga duración, ‘Tearless, thoughtless’, la agrupación profundiza en una suerte de diario emocional que lidia con las secuelas de un entorno familiar fracturado y la sombra alargada del genocidio armenio. La escritura de Nara no rehúye los episodios turbios ni las contradicciones del apego, prefiere sumergirse en la incomodidad de los espacios domésticos vacíos o las carreteras secundarias de California.
La forma en que construyen las canciones bebe directamente de una estética que mezcla la producción digital del cambio de milenio con algún que otro arrebato noise. ‘Reseda’ funciona como un himno descolorido donde la repetición de un lugar físico, ese bulevar que ya no contiene la casa de la infancia, sustituye a la persona ausente. Nara canta sobre saber que una relación ha terminado antes incluso del golpe final, y esa certeza genera una tensión extraña entre la apatía y la rabia. En ‘Lizzie mcguire’ recurre a una escala arábiga en la guitarra para acompañar una confesión sobre la telebasura como mecanismo de aislamiento frente al miedo, mientras que la producción mete ese riff en un amplificador de karaoke de baja potencia, logrando un sonido deliberadamente chicloso y juvenil. Aprovechando lo inminente de este disco, hemos tenido el placer de entrevistar a Nara’s Room.
🔗https://www.mindies.es/entrevista/entrevista-a-naras-room/
#narasroom #naraavakian #realesstoughtless #MtnLaurelRecordingCo
Cola se mueven en esa línea donde la urgencia rítmica y el desencanto se alimentan mutuamente. Tras 'Deep in View' y 'The Gloss', llega un 'Cost of Living Adjustment' marcado por un hecho inevitable: los incendios de California de 2025 arrasaron la casa de Tim Darcy, y esa pérdida recorre el álbum como una corriente de amenaza difusa. En 'Hedgesitting', Evan Cartwright superpone percusión sampleada y en directo para crear un pulso desdoblado que desorienta, mientras Ben Stidworthy traza líneas de bajo entre New Order y una aspereza más cruda. Las guitarras se expanden hasta la saturación y la letra habla de hacer planes mientras todo arde; el resultado sugiere que bailar puede ser un primer acto de resistencia. La parte más política asoma en 'Satre-torial', con un juego de palabras entre el filósofo y la ropa como disfraz ideológico. Darcy canta que cualquier conquista nunca basta, pero se acepta porque la alternativa es no tener nada. El título mismo del álbum (el ajuste salarial que apenas compensa la inflación) funciona como metáfora de lo que hacemos para seguir a flote.
'Conflagration Mindset' aborda directamente los incendios con imágenes íntimas: beber cerveza en un vaso de plástico en un alojamiento temporal mientras uno se pregunta si podrá salvar los discos. Las texturas electrónicas crean un colchón espectral y la voz, casi hablada, transmite la urgencia sin adornos. El cierre con 'Skywriter's Sigh' contiene los versos más afilados: pedir un préstamo para mirar las estrellas, cuyo precio equivale a un mes de alquiler. El bajo recuerda a New Order pasado por un filtro espartano y la batería maquinal envuelve la canción en una urgencia constante. Ese choque entre el pulso incesante y la mordacidad de las letras resume el disco: un chute de energía para sacudir la parálisis y una invitación a mantenerse alerta como forma de réplica. Aprovechando lo reciente de este lanzamiento, le hemos preguntado a Evan y Tim por las liner notes particulares del disco.
📸 by Kristina Pedersen
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#cola #CostofLivingAdjustment #firetalk
La playa fluvial del Taboão funciona, desde hace tres décadas, como el escenario donde una parte significativa de la historia musical portuguesa ha tomado cuerpo con una calma que rara vez se encuentra en las grandes citas estivales. La edición de 2026 del Vodafone Paredes de Coura se sitúa sobre esa herencia con la naturalidad de quien conoce su lugar y no necesita explicarlo: la cita, fijada entre el 12 y el 16 de agosto, mantiene el pulso alternativo que ha definido al festival desde sus inicios y lo hace a través de un cartel que vuelve a tensar la cuerda entre la efervescencia inmediata y la curiosidad por lo que aún no tiene nombre masivo. En un tiempo donde los festivales tienden a replicar fórmulas, este encuentro en el norte de Portugal insiste en una programación que se articula como un criterio antes que como un escaparate, y ese proceder se nota en la manera en que los nombres convocados dialogan entre sí sin que nadie fuerce las conexiones. De entre los más de cuarenta nombres anunciados, hemos seleccionado diez propuestas que, por razones muy distintas, consiguen que la espera hasta agosto se haga larga: artistas que llegan con la urgencia de un disco reciente, otros que han convertido su directo en un rumor que corre de boca en boca y alguno que directamente desafía las etiquetas con las que se pretende ordenar el presente. Sin necesidad de alzar el tono, Vodafone Paredes de Coura 2026 ofrece un equilibrio poco común entre la sombra de su legado y la posibilidad de que, un año más, el próximo gran descubrimiento esté esperando en el recinto, a solo unos metros del río. 🏞️🚣🏼♂️🎸👨🏼🎤
🔗https://www.mindies.es/especial/los-10-conciertos-del-vodafone-paredes-de-coura-2026-que-no-deberias-perderte/
#vodafoneparedesdecoura #vodafoneparedesdecoura2026 #gregfreeman #ryandavis #bassvictim
Deb Never nos presenta un LP debut en el que la necesidad de plasmar las distintas fases de un vínculo afectivo actúa como columna vertebral de una obra forjada durante varios años. Su trayectoria previa, cimentada en una curiosidad constante por hibridar texturas lo-fi con herencias del grunge, había quedado reflejada en lanzamientos breves donde la experimentación sonora a menudo envolvía unas letras que buscaban su espacio. El germen de este trabajo brotó en sesiones domésticas a solas con una guitarra, antes de trasladarse a un estudio compartido con amistades y colaboradores cercanos, un contraste que define la esencia de lo que se escucha. La producción ejecutiva de Romil Hemnani contribuyó a preservar esa atmósfera de confesión sin renunciar a arreglos de cuerdas que amplifican la carga dramática.
El conjunto discurre como un viaje donde la agitación exterior de los días de grabación se filtra de manera paradójica en canciones que respiran calma y contención, fruto de un trabajo de destilación que redujo las ideas iniciales a su expresión más esencial. La artista construyó las melodías a partir de demos en su dormitorio antes de llevarlas al estudio, conservando esa desnudez germinal incluso cuando se añadían capas orquestales. El resultado final huye de la producción masiva y se acerca más a una atmósfera de club nocturno vacío al amanecer, un espacio donde el bullicio ya se ha extinguido y solo quedan los ecos de lo sucedido. Ese dominio de la escala íntima, unido a la decisión de exponer las costuras de lo que cuenta, define una personalidad artística más interesada en el detalle que en el estruendo.
https://www.mindies.es/review/deb-never-giant-arcade-critica-de-su-lp-debut/
#debnever #giantmusic #arcade
Loraine James construyó su reputación sobre una electrónica que siempre prefirió la insinuación al estruendo. En los últimos años esa tendencia se ha agudizado hasta abrazar un minimalismo digital que encuentra en la reducción de elementos su mayor potencia expresiva. ‘Detached From The Rest Of You’ surge de un período en el que la productora londinense batallaba con la desconfianza en sus propias capacidades, una sensación de insuficiencia que la llevó a replantearse los fundamentos de su escritura. La colaboración previa con Anysia Kym en el EP ‘Clandestine’ le proporcionó herramientas propias de las estructuras pop y ese aprendizaje atraviesa ahora todo el trabajo como una corriente subterránea que aflora en formas de canción más ceñidas. James describió este álbum como su disco de estrella pop IDM. La etiqueta contiene una verdad incómoda: la exposición de la voz propia, situada más arriba en la mezcla, supone un acto de afirmación que contradice la modestia que siempre ha caracterizado su figura pública.
https://www.mindies.es/review/loraine-james-detached-from-the-rest-of-you-critica-de-su-nuevo-disco/
#lorainejames #hyperdub #detachedfromtherest
Trazar la evolución de Aldous Harding exige aceptar que sus movimientos han respondido siempre a una lógica interna ajena a las convenciones del pop contemporáneo. Desde que emergiera con su propuesta, la neozelandesa ha construido una trayectoria donde cada entrega desplaza ligeramente los centros de gravedad de su mundo sonoro, manteniendo una relación de continuidad con el pasado que nunca deriva en repetición. La grabación de 'Train on the Island' junto a John Parish en los estudios Rockfield de Monmouth, espacio que ya albergó sesiones de obras previas como 'Party' y 'Designer', conecta este quinto trabajo con una geografía creativa conocida. Sin embargo, la familiaridad del entorno no se traduce en acomodamiento, sino que proporciona el marco para una indagación en las posibilidades del desdoblamiento y la distancia. La escritura del álbum parece partir de una premisa paradójica: acercarse a lo íntimo mediante el extrañamiento, explorar aquello que nos configura a través de la sensación de ajenidad que a veces produce el propio recuerdo. Es una colección que merodea los bordes de la identidad con la calma tensa de quien observa su reflejo hasta que los contornos comienzan a difuminarse.
https://www.mindies.es/review/aldous-harding-train-on-the-island-critica-de-su-nuevo-disco/
#aldousharding #4ad #trainontheisland
Jesca Hoop ha construido una trayectoria donde la migración constante entre formas acústicas y arreglos de cámara dialogan con una escritura llena de recovecos literarios. Su anterior entrega, 'Order of Romance', ya mostraba una querencia por desmontar las convenciones del folk anglosajón desde una óptica personal, algo que continuó en 'Selective Memory' con texturas más abstractas. Ahora, con 'Long Wave Home', asume por primera vez la producción completa de su obra y lo hace impulsada por un período de conmociones íntimas y colectivas durante 2025. Aquel año trajo consigo una serie de rupturas sentimentales y de amistades que describe como un autobús vaciándose de pasajeros en la estación, metáfora que vertebra la sensación de abandono y reevaluación vital que impregna el álbum. La grabación, además, se convirtió en una suerte de travesía errante por estudios ingleses mientras habitaba una furgoneta, combinando el aislamiento de la carretera con la ebullición creativa de colaboradores como el violinista Sam Amidon o el baterista Sebastian Rochford. Esta dualidad entre el repliegue personal y la urgencia por dejar constancia de lo que ocurría a su alrededor marca la totalidad de las composiciones.
https://www.mindies.es/review/jesca-hoop-long-wave-home-critica-de-su-nuevo-lp/
#jescahoop #curujasong #longwavehome
