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El AMOR BRUJO Y LA VIDA BREVE Por Alfredo Millan | millanfoto Las “nuevas teatralidades” logran que los grandes clásicos resuenen con fuerza en el presente; un caso de estudio perfecto es la pieza de Manuel de Falla, presentada recientemente en el Palacio de Bellas Artes. El montaje de Nuria Castejón rompe la estética tradicional para explorar las capas psicológicas y sociológicas de la obra. El fantasma que persigue a la protagonista deja de ser un cuento para convertirse en una metáfora del machismo asfixiante; frente a este peso, la emancipación emerge desde la fuerza de la sororidad femenina. Al atestiguar en el escenario esta mezcla cruda de flamenco a tierra, danza clásica y contemporánea, es evidente que las nuevas generaciones no rechazan la ópera ni el ballet; exigen narrativas que dialoguen con su propia rebeldía. La Compañía Nacional de Danza y la Compañía Nacional de Ópera se fusionan para recordarnos que la vida es demasiado breve para entregarla a un amor brujo —a esas imposiciones sociales que nos paralizan y nos exigen luto—. La obra de Falla sigue siendo el reflejo más nítido de nuestra época, un espacio donde el silencio y la tensión de la butaca construyen una experiencia irremplazable. —Un gran trabajo escénico en todos los sentidos. Directora de escena y coreógrafa | Nuria Castejón Director concertador | Alejandro Miyaki Asistente de coreografía y de dirección de escena, bailarina solista | Cristina Arias Director huésped del Coro del Teatro de Bellas Artes | Rodrigo Elorduy Diseñador, realizador de escenografía | Ricardo Sánchez Diseñador, realizador de iluminación | Rafael Mendoza Diseñadora de vestuario y maquillaje | Gabriela Salaverri @cndanzamx @erick_rofe @operadebellasartes @cecieguiarte @cesardelgadotenor #mfmillanfoto @gelikoide @nuriabaila2 @sofia_mri @asmiyaki @palaciooficial @carollodela @alex_hidalgo_mfc @fer.cervants @_camilasantiago_ @gretaelizondo @belemrodriguez_mezzosoprano #millanfoto @valeria.garciac

RATS Por Alfredo Millan | millanfoto 2026 ¿Puede el arte escénico salvarnos de la anestesia digital? Vivimos en una época donde la tecnología nos entrega el mundo digerido, provocando a menudo que nuestro pensamiento crítico se desvanezca ante tanta inmediatez. ¿Cómo contrarrestamos esta inercia? La respuesta está en la provocación y en el encuentro físico. Afortunadamente, el Black Box del Centro Nacional de las Artes, ubicado en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea (ENDCC), reabre sus puertas para ser ese antídoto. Y lo hace con un “OPEN” que es un golpe directo a la conciencia: el telón se levanta con “RATS”, una pieza escénica de Luis Ortega. Elenco: Compañía Uróboros Escena. ¿Nos comportamos como ratas en la sociedad actual? Esa es la premisa narrativa de esta obra. A través de una coreografía de altísimo calibre, “RATS” nos confronta con las crudas implicaciones de nuestras dinámicas sociales y comportamientos en masa. Todo esto elevado por un diseño de iluminación espectacular y la fuerza innegable de sus intérpretes. Con este arranque, el Black Box retoma su vocación esencial: ser un laboratorio vivo para la experimentación pedagógica y una plataforma de vanguardia para la danza actual e innovadora. Aquí se privilegia lo que ningún algoritmo puede replicar: El riesgo artístico, la inmediatez del encuentro humano y la formación en contexto. Es el puente dinámico perfecto entre las nuevas generaciones y la creación escénica de frontera. Frente a la pasividad y la desinformación: movimiento, arte y experimentación. ¿Crees que los espacios artísticos de este tipo son el último gran refugio del pensamiento crítico? Te leo en los comentarios y te espera el Black Box para vivir las nuevas experiencias. @luis.beto_ortega @marlene.ctz @cenartmx @beto_2099 @ale.corona27 @andruellagamz @viridianaf @bernardokasgal @jo.lu99 #millanfoto #mfmillanfoto #dancermillanfoto @lidyaromeroolivera @ilianrrr @isay_r.g @mujerluz1 @samrojastejeda @cxcarlo_ @jassocarloss_ @la_zul #comtemporarydance #dancetheatre

VOZ & CUERPOS Taller Coreográfico de la UNAM Puentes al Futuro | Temporada 115 Dirección Irina Marcano Por Alfredo Millan | millanfoto El contraste alto en las imágenes y las figuras en tensión nos plantean una interrogante: si la maestra Gloria Contreras se enfrentara a la quietud de la imagen fotográfica, ¿qué vería? Probablemente no buscaría el movimiento perdido ni observaría simples cuerpos ocupando un escenario; vería la partitura haciéndose carne. Ella, que esculpió el dinamismo a través de las notas de Bach y los salmos de Stravinski, encontraría en la quietud el eco visual de su propia música. La danza se erige aquí como una arquitectura del silencio. La fotografía, en su estrato más profundo, no congela el baile, sino que revela su esqueleto ontológico. En estos trazos de luz y tensión muscular que habitan la temporada 115 del TCUNAM, Contreras reconocería su devoción geométrica. Observaría aquellas esculturas pías —presentes en piezas como Ave María o Sinfonía de los salmos— que respiran en la inmovilidad, recordándonos que la coreografía sobrevive a lo efímero cuando la lente expone su naturaleza esencial. Quizá afirmaría que el movimiento más puro no siempre reside en el trayecto, sino en la máxima tensión de la pausa. El instante capturado deja entonces de ser una detención; es un Aleluya sostenido en el tiempo. La voz calla, la música termina. Pero en la imagen, el cuerpo sigue resonando. @tcunamoficial @tallercoreograficounam @claudialavista @irinilla25 @melvaolivas @bailarinestcunam__ @albarragan17 @leandrobeirodiaz @donleon36 @danzaunam #comtemporarydance @elra.moon @paulina.segura.1 @_salvador_sz @angelweck #millanfoto #mfmillanfoto #dancermillanfoto #contemporarydancer @aliirin @cristy190 @vianeyrodriguezmachuca @ruthmoran_02 @k_edithcarreon

ENTRE LA LUZ Y LA SOMBRA Alfredo Millan En una época distópica, donde a menudo gobierna el ruido y la ignorancia, el cuerpo de la mujer se levanta como un territorio de resistencia y verdad. El programa escénico “Entre la luz y la sombra”, del Ceprodac, nos recuerda que las asignaturas pendientes sobre nuestra identidad no son una moda, sino una urgencia vital. A través del diálogo de dos grandes creadoras, la danza nos devuelve a lo esencial. En “Lobos”, de Bárbara Alvarado, el movimiento se vuelve manada. Vemos el cobijo de la madre, el cuidado colectivo y la cooperación. Es un recordatorio instintivo de que, frente al aislamiento de hoy, la red de apoyo y nuestra conexión sagrada con el origen son nuestra única salvación. Por su parte, Beatriz Madrid, con “Luna negra”, nos enfrenta a una dualidad histórica y brutal: Lilith y Eva. Se rompe el mito de que debemos ser ángeles sumisas o demonios exiliados. La coreografía abraza los vacíos del cuerpo y une los contrarios para presentarnos una identidad femenina que exige ser completa, adueñándose de su erotismo y de su libertad. La luz y la sombra crean los claroscuros de nuestra existencia. Darle voz a las mujeres en el arte es iluminar las sombras de nuestra sociedad. Porque donde hay danza, hay memoria... y donde hay memoria, la ignorancia pierde su poder. En los estudios de la danza contemporánea, el cuerpo femenino deja de ser un “objeto bello o frágil” para convertirse en una herramienta somática de resistencia, fuerza y resiliencia. En el contexto distópico, obras como Lobos plantean que las soluciones sociopolíticas yacen en volver a nuestros impulsos cooperativos y de “manada”, desafiando el individualismo sistémico. la invocación de Lilith es un acto de reapropiación para legitimar la rebeldía, la autonomía sexual y la complejidad psicológica de la mujer moderna. @powespinosa @ceprodac.inba @cenartmx @barbaraalvarado631 @beatriz_madrid3 @rams_sz @aljjredo.idk @anapauoro @emoe.ruizdelsol @karendvidals @donaji_zamoramor @armindiana @emilyrodriguezln @cecytapiaa @dara_ahsoka @zaragozaraquel #millanfoto #mfmillanfoto #dancermillanfoto @cecilialugo_cz #contem

GALA CONTEMPORÁNEA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA Dirección | Erick Rodríguez PROGRAMA Déjà | Edgar Zendejas | México. Coreografía | Edgar Zendejas en colaboración con las y los bailarines de la Compañía. Composición musical | Hugo Morales Zendejas. Asistencia coreográfica | Jacqueline López. Diseño de Iluminación, Diseño de Vestuario | Mauricio Ascencio. Interpretes | Mariana Chaidez, Ana Isabel Jiménez, Ana Paula Montero, Ana Ramos, Corinne Jarvis, Onel Leyva, Raúl Proenza, Alec Reyes, Erick Santamaría, Alejandro Santana. Love, Fear, Loss | Ricardo Amarante | Brasil. Repositores | Karina Moreira, Norton Ramos. Música | Charles Dumont. Diseño de vestuario, Diseño de Iluminación | Ricardo Amarante. Realización de vestuario | Miguel Garabenta. Interpretes | Greta Elizondo, Juan Capellán, Mayuko Nihei, Alejandro Hidalgo. Underground | Jacqueline López | México. Música original | Alonso J. Burgos. Diseño de Iluminación | Raquel Cadena, Gerardo Martínez. Diseño y realización de vestuario | Blanca Carreón. Interpretes | Mahaimiti Acosta, Alexis Escamilla. Mare Crisium | Arshak Ghalumyan | Armenia. Música | Karl Jenkins, Armand Amar. Diseño de Vestuario, Diseño de Iluminación| Arshak Ghalumyan. Realización de vestuario | Gabriela Ayala. Interpretes | Nayeli Quiroz, Mariana Torres, Raquel Cadena, Alison Fraustro, Fernanda Cervantes, Michel Cutri, Irlanda Martínez, Greta Elizondo, Lorena García, Camila Santiago, Jessie Vega. Vértigo | Sonia Jiménez | México. Música |Arturo Márquez. Vestuario | Guillermo Vargas de 1/8 Takamura, Blanca Carreón. Iluminación | Elvira Ramos. Interpretes | Maximiliano Díaz, Braulio Fernández, Ixchel Gómez, Samantha Infante, Ana Elisa Mena, Alejandro Prieto, Raúl Proenza, Ana Ramos, Elisa Ramos, Alejandro Santana, Yoalli Souza, Emmanuel Talongo, Josefina Toscano, Axl Valencia. Ana Laura Várguez, Ximena González. @cenartmx @cndanzamx @danzaunam #millanfoto #dancermillanfoto @erick_rofe @yoalli_sousa25 @samantha.ctu @marianatorres27 @mahaimiti @sonitamaria @mmascencio @anapaumontero @gretaelizondo @mayuko_n_ #contemporarydancer

MR. GWYN Por Alfredo Millan Jasper Gwyn tenía lo que todos quieren: éxito, público, reconocimiento. Y sin embargo, sentía que se estaba volviendo un farsante. Su dicotomía es la de cualquier artista que se respete: ¿Seguir alimentando a la bestia del entretenimiento o buscar una verdad inútil y privada?. Dicen que para escribir de verdad, a veces hay que dejar de ser escritor. Jasper Gwyn, el protagonista de esta historia, descubre que las novelas le han quedado chicas. O quizás falsas. Decide matar su carrera en la cima del éxito no por falta de ideas, sino por hambre de realidad. Su nueva obsesión no es inventar personajes, sino “copiarlos”. Pero, ¿cómo se retrata a alguien con palabras? Gwyn no usa una cámara, pero su método es puramente fotográfico. Construye un estudio donde la luz respira y se extingue a un ritmo específico. Durante 32 días, en silencio absoluto, observa. Espera a que el sujeto deje de posar, deje de defenderse y simplemente sea. Lo que se vio en el Teatro Helénico bajo la dirección de Alonso Íñiguez no es una obra de texto, es un cuarto de revelado. Es la dicotomía brutal entre el ruido de la fama y la verdad que solo aparece cuando te detienes a mirar a otro ser humano hasta que duele. Si alguna vez has intentado capturar la esencia de alguien y sentiste que la técnica no alcanzaba, esta es la obra. De: Alessandro Baricco. Dramaturgia: Juan Cabello. Dirección: Alonso Íñiguez Con: Mauricio García Lozano. Angélica Bauter. Jacobo Lieberman. Lucero Trejo. Alejandro Morales. Arturo Reyes. Assira Abbate. Ana Sofía Gatica. Abraham Jurado. Luis Ra Acosta Cuerpo artístico: Silvia Herida. Alejandro Arreola. Enrique Cervantes. La Nars. Marina Ortíz. @mmascencio @garcialozano @25produccionteatro @juancabellomx @alonso_i @anasofiagaticaa @angiebauter @centro_cultural_helenico #millanfoto #mfmillanfoto #mrgwynmx @abrahamjuradoactor #theatrephotography #theatremillanfoto

Agradezco la invitación de Sergio Raúl López —referente de la crítica cinematográfica y el periodismo cultural— para conversar en ‘La Esquina’ de Imponente Radio. Charlaremos sobre el papel de la fotografía en las artes escénicas y un poco más. Como muestra de este diálogo, la invitación presenta un instante de la pieza ‘Sinapsis’, de la compañía Danza Visual. En la imagen aparece su directora, Patricia Marín, de pie, encarnando la potencia visual que define a las artes vivas. A quienes gusten acompañarnos, los espero en este streaming el viernes 9 a partir de las 12:00 pm. Un abrazo y lo mejor para todos ustedes en este convulso 2026. @sergioraulopez #millanfoto #mfmillanfoto #LaEsquina #artesescénicas #artesescenicas #FotografíaDeEscena #ArtesEscénicas #FotografíaArtística #ArtesVivas #CulturaMéxico #LaEsquina @patriciamarinescutia @danzavisual Sigue la transmisión en: /Imponenteradio

REGRESO (Alfredo Millan) Hay una trampa cruel en el hecho de crecer: el tiempo se encoge. Dejamos atrás esa época donde una tarde de domingo duraba siglos y donde una guerra de globos rojos era un asunto de vida o muerte, para entrar en un mundo donde la prisa nos borra los detalles. La premisa de “Regreso” toca una fibra sensible porque no nos pide simplemente que seamos infantiles, sino que seamos valientes. Plantea el juego no como una distracción, sino como una postura política íntima: jugar es un acto de resistencia. En un entorno que nos exige ser productivos, serios y divisivos, decidir tirarse al suelo a imaginar es casi una revolución. Es recordar que, evolutivamente, el juego fue nuestro primer lenguaje social, la primera forma en que aprendimos a decir “estoy aquí contigo”. Pero la obra da un giro doloroso y necesario hacia el final. Me lanza la pregunta: ¿Por qué cuesta tanto recordar? Quizá hemos olvidado el rostro, la mirada y las manos de quienes amamos —o de quienes fuimos— porque dejamos de mirar el mundo con asombro. La memoria necesita de la emoción para fijarse, y el juego es emoción pura. Al dejar de jugar, nos oxidamos, y en ese óxido se pierden los detalles de las caricias y las risas pasadas. Esta puesta en escena sugiere que la única forma de recuperar esos recuerdos perdidos, de que vuelva “esa ola suave de humanidad”, es permitiendo que el cuerpo se mueva sin juicio otra vez. Tal vez, si volvemos a jugar, la memoria deje de ser un archivo borroso y vuelva a ser algo vivo, presente y tangible. Dirección artística: César Brodermann. Performers: Angélica Albarrán, Emily Cattan, Alexis Corzetti, Miranda García de León. Aislinn Jiménez, Michelle Temoltzin Negrete, Aimé Irasema Sánchez, Santiago Sánchez y Eric Soto. Diseño Sonoro y en escena: Isay Ramírez. Acompañados de un gran equipo. Termina un año más (2025) y se lleva este gran proyecto y con la promesa de un “REGRESO”. @cesarbrodermann @aterno__ @aimeirasema @mirandaglb @santiago_sanchez_ram @___angiealbarran @emily_cattan @michelletemoltzinn @alexcorzetti @aislinnjt @ericsoto17 @cenartmx @isay_r.g #millanfoto #mfmillanfoto #dancermillanfoto @priscilagaes

SOÑANTES - INTENTO 1045 (Alfredo Millan) Lo que hace que “Soñantes Intento 1045” se sienta tan dolorosamente cercano no es solo la historia de un hombre atrapado, sino la anatomía de su resistencia. La obra acierta en algo fundamental: para sobrevivir a una vida que no nos pertenece, a veces es necesario romperse. La pieza se construye desde lo íntimo, pero resuena inmediatamente en lo colectivo. Vemos a un protagonista que está, literalmente, “roto en tres partes”: un cuerpo que carga con el peso autómata de la monotonía, un espíritu que se fuga hacia la fantasía para no asfixiarse, y una memoria obstinada que insiste en recordarle su identidad perdida. Es fascinante ver cómo estos fragmentos no son estáticos; se manifiestan a través de alter egos que lo acompañan en escena. Es un tránsito constante entre el desgaste de la realidad y la revelación del sueño. No es soñar por soñar; es el espíritu y la memoria conspirando para mantener al cuerpo con vida. Al ver esa lucha externa entre sus partes, uno no puede evitar preguntarse: ¿cuántas versiones de mí mismo estoy sosteniendo ahora mismo para seguir adelante? Esa mezcla de fractura interna y belleza visual es lo que hace de esta obra algo imperdible. Es en una de las mejores puestas escénicas del año que se nos va (2025), de compañía Onírico, Danza Teatro del Gesto. Es atestiguar cómo, a veces, estar roto es la única forma de dejar entrar la luz. Onírico Teatro | Danza teatro del gesto. Una obra de Juan Ramirez y Gilberto González. Intérpretes: Emmanuel Fragoso. Juan Ramírez y Ernesto Peart Falcón. Música: Julio Ordóñez. Iluminación Patricia Gutiérrez. @emmanuel_fragoso_j @patricia.gutierrez.arriaga @gilberto_onirico @oniricodanzateatro @danzainba @juaniluzorio #millanfoto #mfmillanfoto #dancermillanfoto #theatermillanfoto #artisticphtotography #dancermillanfoto @elnetofa #oníricoteatro

REACTOR ANTÍGONA (Alfredo Millan) ¿Quiénes somos hoy, en y desde el Sur? Y la respuesta, me atrevo a pensar, no se encuentra en un manifiesto estático ni en un denso tratado económico, sino vibrando en el cuerpo. Justamente el cuerpo que danza, ese que celebra el Encuentro SERSUR 2025. “Una plataforma diseñada por un gran equipo liderado por Claudia Lavista, directora de Danza Unam.” Somos, hoy más que nunca, la conciencia del despojo, pero también, y con más fuerza, la potencia de la reinvención. Durante demasiado tiempo, “ser” desde el Sur parecía significar ser en relación a otro: el Norte global, el centro hegemónico, el canon impuesto. Éramos definidos desde afuera; la periferia, el eco, lo “exótico” o lo “atrasado”. Pero hoy, ese “quiénes somos” resuena radicalmente distinto: “Somos memoria”, “somos narrativa”, y “somos redes”. “Reactor Antígona” es una propuesta que toma el mito clásico, que conocemos tan bien en su eje de “individuo vs. Estado” (Antígona vs. Creonte), y lo dinamita por completo. Lo interesante y radical es la tesis central: “Esta es una Antígona sin Creonte”. La obra nos dice: olvídense del tirano externo. El verdadero dictador es interno. Es la “dictadura del parentesco”, esa lealtad familiar que se convierte en una jaula, y, más agudo aún, la “supuesta virtud femenina de la sumisión”. El segundo elemento que me parece es el sincretismo. Traer a estos personajes griegos “que vienen del Caribe” lo cambia todo. Los migrantes eternos: la idea de Antígona, Edipo y Polinices como “siempre emigrantes” es desgarradora. Conecta el exilio antiguo de Tebas con la diáspora moderna, con los “pesados bultos” que cargan los que se van. Ya no es solo un drama familiar; es un drama social y migratorio. Lo impactante es la fisicalidad en un Polinices boxeador, un Edipo travestido y una Antígona con su carga. Me parece una relectura brillante necesaria y profundamente caribeña de un mito universal, que nos dice que, a veces, el enemigo más difícil de vencer no está en el trono, sino dentro de nuestra propia cabeza. @marianelaboan @daymedeltoro @danzaunam @claudialavista @culturaunam @rafaelsmorla #millanfoto #dancermillanfoto #mfmillanfoto

MUTABILIS TERRA (Alfredo Millan) Lo que me parece más lúcido es su renuncia a la nostalgia. En lugar de lamentar el “hogar perdido”, lo utiliza como el epicentro de una exploración más profunda. Al evocar a Casandra, no solo se recurre a un mito, sino a esa lucidez dolorosa que a veces nos habita: la intuición de que todo lo sólido se desvanece, la premonición del derrumbe que nos obliga a mutar. La elección de un lenguaje que nace del cuerpo, el sonido y la vibración es, en mi opinión, una declaración de honestidad. Porque cuando el mapa de nuestra vida se desgarra, las palabras ya no alcanzan. Lo que queda es el eco en el pecho, el temblor en las manos, el zumbido de la memoria. La pieza teatral en sí misma no es una obra narrativa convencional, sino una propuesta de teatro experimental, físico e introspectivo. La obra aborda el cambio violento e inevitable (la “mutación existencial”), no como un proceso suave, sino como un evento disruptivo que “hace arder la memoria”. El foco está en la inestabilidad y el desplazamiento, ya sea físico, emocional o territorial. Es un ritual catártico que busca transformar el luto en “posibilidades más gozosas de asumir el porvenir”. Podemos decir que es una invitación a procesar colectivamente el trauma del cambio para poder mirar hacia el futuro. Cabe destacar la dramaturgia actoral; su presencia en sí representa sus propias memorias en ese núcleo íntimo y vulnerable transformado en expresión artística envuelta en ese rojo carmín explosivo que salpica esa cartografía mental de sueños, recuerdos, temores y esperanzas. El matiz, por supuesto, es la dirección que amalgama el telar de la metáfora principal de esta tierra cambiante: violenta e inevitable (la “mutación existencial”). MUTABILIS TERRA. Dramaturgia actoral: Itzhel Razo. Creación vocal y sonora: Natalia Angel. Dirección escénica: Roberto Eslava. Se presentó en el Teatro “EL MILAGRO”. CDMX, 2025. @teatroelmilagro @itzhelrazo @traslapoteatro @nataliaangel_mx @sergio.miron #mfmillanfoto #millanfoto #theatermillanfoto #theatrephotography #artisticphotography

EGREGOR (Alfredo Millan) Un espectáculo que desmantela el dios del bolsillo. EGREGOR no es solo teatro experimental, es un puñetazo en la mesa de nuestra era. La obra se presenta como un artefacto multifactorial —mitad ópera barroca, mitad performance de cyberpunk— y su tema central es directo al corazón: la creación de un “Dios” digital y distópico, ese ser todopoderoso alimentado por nuestra big data y nuestro scroll infinito. Lo más escalofriante es que la obra nos sitúa en un futuro que “ya no es distópico”. No es un error semántico; es una declaración de guerra. La producción se niega a que etiquetemos su crítica como mera “ciencia ficción” lejana. Los síntomas de esa pesadilla —la entrega voluntaria de nuestra identidad, la rendición ante el algoritmo— ya están aquí, a tope. La distopía se ha vuelto tan cotidiana que ya no la vemos. “Egregor” es una llamada de auxilio. La colisión brutal de la ópera (el grito del alma) contra la multimedia (el brillo frío del código) es el campo de batalla por nuestra humanidad. Es un recordatorio urgente: debemos desmantelar ese “monstruo que cuidamos en el bolsillo” antes de que la realidad y el espectáculo sean indistinguibles, y perdamos lo último que nos queda de nosotros mismos. Dirección, creación, composición y musicalización: Santiago Cumplido. Cast: Danza Butoh: Vangeline (INueva York). Cantante de ópera y actriz: María Andrea Araujo. Acrobacia de manos: Caterina Albani (Guatemala). Acro clown: Raúl Zamora. Danza Butoh: Yaroslav Villafuerte. Danza neoclásica: Fana Muñoz. Danza neoclásica: Lorena Magaña. Danza neo-acro-urbana: Yan Carlos Ungaav (Cuba). Músico barroco: Mario Salinas. Músico electrónico: Yunue Itsi. Aparición Digital: Espartaco Martínez. Voz en Off 1: Dama G. Voz en Off 2: Iazua Larios. Se presentó en el Instituto Cultural Helénico @institutohelenico @creaturas_anonimas @egregorshowmx @santiagocumplidoc @vangelinebutoh @mariandrearaujo @catcatealbani @deliriumpsicoactivo @loremagana_ @damag_g @iazua.larios @yansomade @bibianimendozi @rulotheclown @ungaav #mfmillanfoto #millanfoto #dancermillanfoto @acacciadisole #comtemporarydance @lalobamusa @paulalancasterj @yunueitsi @mario.hikuri