허 먼 / H E R M O N

. Within a space where light disappears, the image is no longer simply something to be seen, but something to be physically felt Blue scenes slowly seep through the dark walls, and for a brief moment, you sit before the screen, experiencing time as it flows like breathing _ 빛이 사라진 공간 안에서 이미지는 단순히 보여지는 것이 아니라 몸으로 감각되기 시작한다 어두운 벽 사이로 스며드는 푸른 장면들, 그리고 잠시 머물며 화면 앞에 앉아 호흡처럼 흐르는 시간을 바라보는 경험 물의 무게 속에 잠겨 Under the Weight of Water 26.04.16 - 05.21 화 - 토 11 - 17 @iratinoriza #허먼갤러리 #미디어아트 #부산전시 #부산갤러리 #루프랩

물의 무게 속에 잠겨 26.04.16 - 05.21 허먼갤러리 Under the Weight of Water Irati Inoriza @iratinoriza

물의 무게 속에 잠겨 Under the weight of water 26.04.16-05.21 Ejercicios a Ofelia (2021)은 포르투갈레테의 싱크로나이즈드 수영팀과 협업하여 제작된 비디오 퍼포먼스이다. 이 작품은 Ophelia—William Shakespeare의 인물—를 참조하며, 강 위에 떠 있는 그녀의 몸짓을 반복이 점차 하나의 공동 이미지를 구성하는 집단 안무로 번역한다. 호흡, 부유, 그리고 상호 지지의 과정은 각 신체가 서로에게 영향을 미치는 행위를 형성하며, 그 결과 집단은 하나의 공통된 형상을 구현하게 된다. 물과의 접촉 속에서 신체들은 하나의 시각적 장으로 융합되고, 형상과 환경 사이의 지속적인 관계를 만들어낸다. Ejercicios a Ofelia (2021) is a video performance created in collaboration with the synchronized swimming team from Portugalete. The piece draws on Shakespeare’s Ophelia, translating her gesture of floating in the river into a group choreography in which repetition gradually composes a shared image. Breathing, flotation, and mutual support structure an action in which each body affects the others, and the group ultimately comes to embody a common figure. In contact with the water, the bodies merge into a single visual field and set in motion a continuous relationship between figure and environment. Ejercicios a Ofelia, 2021 / video, sound / 09’ 54” Direction_ Irati Inoriza(@iratinoriza ) Performers_ Portugalete synchronized swimming team (2020-21) Cameras_ Arriguri Edition_ Arriguri Music_ Juan Diego Calzada Make up and hair stylists_ Damme D’Comme Clothing_ Jon Seoane and Andrea Diego Production_ Rocío Agudo Location_ Swimming pool of Azkuna Zentroa – Alhondiga (Bilbao, SP) Supported by_ Fellowship Babestu 2020-21 Azkuna Zentroa – Alhondiga (Bilbao, SP) #looplab #looplabbusan2026 #loopplus #iratinoriza #hermongallery

이라티 이노리사 작가(@iratinoriza )의 국내첫 개인전《물의 무게 속에서 잠겨》이 오는 4월16일에 허먼갤러리에서 개최됩니다. 이라티 이노리사(1992, 스페인)는 유럽을 중심으로 활발히 활동하고 있는 작가입니다. 마드리드의 La Casa Encendida에서 수여하는 Generación 2024 Prize를 수상하였으며, 구겐하임 미술관 빌바오-뉴욕의 Basque Artist Program 2024에 선정되었습니다. 또한 2021년 Santander Bank Foundation이 주관하는 제9회 아트 어워드를 수상했습니다. 이라티 이노리사의 작업은 우리가 특정한 정체성을 획득하게 되는 사회적으로 부과되고 계승된 방식에 질문을 던집니다. 이는 우리의 일상과 맥락을 구성하는 신체, 이미지, 사물, 물질 간의 연결을 기반으로 합니다. 맥락을 해체하고 재의미화하는 과정을 통해, 그녀는 조각, 영상, 퍼포먼스 설치 작업을 생성하며, 대안적 현실을 상상하고 구축하는 방식을 탐색합니다. The first solo exhibition in Korea by Irati Inoriza (@iratinoriza ), Under the Weight of Water, will be held at Hermon Gallery on April 16. Irati Inoriza (b. 1992, Spain) is an artist actively working across Europe. She was awarded the Generación 2024 Prize at La Casa Encendida in Madrid and was selected for the Basque Artist Program 2024 at the Guggenheim Museum Bilbao–New York. She is also the recipient of the 9th Art Award from the Santander Bank Foundation in 2021. Her work questions the socially imposed and inherited ways in which we acquire a specific identity, based on the connections of bodies, images, objects and materials that represent our everyday life and context. By decontextualising and re-signifying, she generates sculpture, video and performance installations where she finds ways to imagine and construct alternative realities.

UPCOMING 물의 무게 속에 잠겨 Under the Weight of Water 2026.04.16-05.21 이라티 이노리사 Irati Inoriza 물은 오랫동안 전이의 공간으로 여겨져 왔다. 서로 다른 다양한 문화권에서 물은 변형과 성스러움, 그리고 오늘날까지도 우리가 자연과 관계 맺는 방식을 형성하는 상상력과 연결되어 왔다. 이 두 개의 비디오 작업에서 물은 몸을 둘러싸며 우리가 그것을 인식하는 방식을 변화시킨다. 물속에서의 움직임과 끊임없이 변하는 반사는 신체의 존재를 계속해서 달라지게 만든다. 때로는 또렷하게 드러나고, 때로는 분열되거나 증식되며, 혹은 사라지는 듯 보이기도 한다. 이러한 관점에서, 이 전시는 물, 반사, 그리고 관계에 의해 지속적으로 변형되는 몸들을 함께 제시한다. 이 두 작품을 함께 보면, 몸은 결코 고정된 것이 아니라 물, 반사, 그리고 관계에 의해 끊임없이 형성되는 존재로 제시된다. 두 작업 모두에서 정체성은 주변과의 접촉 속에서 만들어지는 유동적인 존재로 나타난다. 물의 무게 아래에서 이미지는 고정되지 않고, 휘어지고 흐려지며 끊임없이 변형된다. Water has long been a space of transition. Across very different cultures, it has been associated with transformation, the sacred, and with imaginaries that still shape our relationship to nature today. In these two video works, water surrounds the bodies and alters the way we perceive them. Movement in the water, together with shifting reflections, makes their presence constantly change: at times it comes into sharp focus; at others, it fragments, multiplies, or fades away. From this perspective, the exhibition brings together bodies that are continuously altered by water, reflection, and relation. Taken together, these two works present the body as something never fully fixed, but always shaped by water, reflection, and relation. In both pieces, identity appears as a shifting presence, formed in contact with what surrounds it. Under the weight of water, the image does not settle: it bends, blurs, and transforms. @iratinoriza

2026년, 허먼포커스의 여정을 함께해주셔서 감사합니다. 늘 그랬지만 허먼포커스는 씨앗을 뿌리는 마음으로 시작했습니다. 각자의 자리에서 자신만의 언어로 작업을 이어가는 작가분들을 응원하며, 그 가능성과 순간들을 함께 나누고자 했습니다. 그 여정 속에서 보내주신 따뜻한 관심과 응원이 큰 힘이 되었습니다. 이제 씨앗들이 각자의 자리에서 단단히 뿌리내리고 또 다른 이야기로 자라나기를 기대하고 응원드립니다.

HERMON FOCUS 2026 한혜림 한혜림은 돌봄과 관계의 의미를 일상의 장면 속에서 탐구하는 작업을 이어오고 있다. 그는 별 아래 모여 있는 어르신들의 매신자리를 기록하며, 그곳에서 이루어지는 돌봄의 방식을 관찰한다. 이 장면은 일방적인 역할로서의 돌봄이라기보다 서로를 지탱하는 관계 속에서 형성되는 돌봄의 모습으로 읽힌다. 작가는 아직 완전히 닳지 않은 시간과 풍경 속에서 관계가 만들어내는 작은 순간들을 포착한다. 이를 통해 돌봄이 특정한 역할이나 의무가 아니라 사람과 사람 사이에서 생성되는 하나의 관계적 감각임을 드러내며, 그 안에서 돌봄의 새로운 가능성을 조심스럽게 질문한다. - Hyelim Han Hyelim Han continues her practice by exploring the meanings of care and relationships within everyday scenes. She records gatherings of elderly people sitting together under the night sky, observing the ways care unfolds in those shared moments. Rather than depicting care as a one-sided role or responsibility, these scenes reveal it as something formed within relationships where people quietly support one another. The artist captures small moments created through human connections within landscapes and times that have not yet fully worn away. Through these observations, Han suggests that care is not merely a fixed duty or role, but a relational sensibility that emerges between individuals. Her work gently raises questions about the possibilities of care that arise within these shared moments of presence and connection.

HERMON FOCUS 2026 신도성 신도성은 현실과 꿈, 깨어 있음과 환상 사이의 모호한 경계에서 떠오르는 이미지를 탐색한다. 작가는 일상 속에서 스쳐 지나가지만 쉽게 설명되지 않는 장면과 감각들을 포착하며, 그것들을 낯선 이방인의 시선으로 바라보고 기록한다. 이러한 과정에서 이미지는 이해의 대상이기보다 먼저 응시하고 머무르며 감각적으로 경험되는 존재로 다가온다. 그의 작업은 현실과 환상, 꿈과 일상, 그리고 잊혀진 기억들이 서로 겹치며 형성되는 장면들을 따라간다. 평소에는 의미 없이 지나쳤던 풍경이나 사소한 대상들이 반복적인 관찰과 기록을 통해 점차 작가의 감각 속으로 스며들고, 서로 겹쳐지며 새로운 이미지의 층을 만들어낸다. 최근 수년간 이어온 하루 한 장의 드로잉은 이러한 태도의 기록이자 축적된 시간의 흔적이다. 이 드로잉들은 하나의 완결된 결과라기보다 세계를 통과하며 바라본 감각의 궤적에 가깝다. 작가는 설명되지 않는 상태를 그대로 남기기 위해 이미지를 수집하며, 현실과 환상 사이에서 생성되는 또 하나의 짧은 에피소드로서 작업을 이어간다. Doseong Shin Doseong Shin explores images that emerge within the ambiguous boundary between reality and dreams, wakefulness, and illusion. The artist captures fleeting scenes and sensations from everyday life that often pass by without clear explanation, observing and recording them from the perspective of a curious outsider. In this process, images approach the viewer not as objects to be immediately but as presences to be gazed at, lingered with, and experienced sensorially. His work follows scenes formed through the overlapping of reality and fantasy, dreams and daily life, and fragments of forgotten memory. Landscapes and minor objects that once seemed insignificant gradually seep into the artist’s perception through repeated observation and recording, layering upon one another to form new strata of imagery. For the past several years, Shin has maintained a practice of creating one drawing each day. These drawings function as both a record of this attitude and a trace of accumulated time. Rather than serving as completed results, they resemble trajectories of perception formed while passing through the world. By collecting images in order to preserve states that resist explanation, the artist continues his work as a series of brief episodes generated somewhere between reality and imagination.

HERMON FOCUS 2026 곽은지 작은 화면 속에서 밀도 있는 조형 언어를 탐구하는 곽은지는 2023년부터 시리즈를 통해 회화와 음악적 구조 사이의 관계를 실험하고 있다. 그래픽 악보(graphic score)에서 영감을 받은 그의 작업은 시각적 요소들을 리듬과 구조로 전환하며 화면 위에서 새로운 균형을 만들어낸다. 작가는 회화를 고정된 이미지가 아닌 끊임없이 재조정되는 균형의 과정으로 바라본다. 물감의 밀도, 빛의 저항, 레이어의 두께와 같은 물질적 요소들은 화면 위에서 흐르며 서로 관계를 맺는다. 그의 작업은 공간과 감정, 개인의 인식에 따라 변화하는 유동적인 균형의 상태를 탐구한다. 이는 안정과 불안정, 질서와 충동 사이에서 만들어지는 미묘한 긴장 속에서 드러난다. 결국 작가의 회화는 완결된 형태라기보다 에너지의 순환과 조율의 순간을 기록하는 과정이며, 화면 위에서 계속해서 흔들리며 생성되는 조형적 리듬을 보여준다. - Eunji Kwak Eunji Kwak explores a dense and refined visual language within small-scale compositions. Since 2023, she has been developing a series of works that experiment with the relationship between painting and musical structure. Inspired by graphic scores, her work translates visual elements into rhythms and structures, creating new balances across the pictorial surface. The artist approaches painting not as a fixed image but as a process of continuously recalibrated balance. Material elements such as the density of paint, the resistance of light, and the thickness of layered surfaces flow across the canvas and establish relationships with one another. Her practice investigates states of fluid balance that shift according to space, emotion, and individual perception. These conditions emerge through subtle tensions between stability and instability, order and impulse. Ultimately, her paintings are less about arriving at a finished form than about recording moments of circulation and attunement of energy, revealing a sculptural rhythm that continues to oscillate and unfold across the surface.

HERMON FOCUS 2026 양희성 양희성은 서로 다른 풍경들을 한 화면에 쌓고 지우는 과정을 통해 새로운 풍경을 만들어낸다. 수원의 도시 풍경과 재개발 구역의 장면들이 겹쳐지며 하나의 생태계처럼 보이는 화면이 형성된다. 작가는 현실의 풍경을 단순히 재현하기보다 여러 기억과 장소가 중첩된 복합적인 풍경을 탐색한다. 작업 과정은 낙하와 같은 축적의 방식으로 이루어진다. 자주 찾는 카페 창밖의 버드나무, 작업실 벽에 핀 곰팡이와 같은 일상적 장면들이 서로 뒤섞이며 가상의 풍경과 실제 풍경이 공존하는 화면이 만들어진다. 화면 속에는 낮과 밤, 서로 다른 시간대의 장면들이 함께 등장하며 현실의 시간감각을 흐트러뜨린다. 작가는 가까움과 멂, 현실과 기억, 외부 풍경과 내면의 감각 사이의 간격을 하나의 화면에 겹쳐 그린다. 이러한 과정 속에서 풍경은 단순한 장소의 재현이 아니라 다양한 시간과 경험이 충돌하며 생성되는 장면이 된다. 반복적으로 쌓고 지우는 작업을 통해 작가는 풍경 속에 축적된 이야기와 감정의 흐름을 천천히 기록해 나간다. - Heesung Yang Heesung Yang creates new landscapes through a process of layering and erasing different scenes within a single composition. Urban views of Suwon and images from redevelopment zones overlap to form a pictorial field that resembles a kind of ecosystem. Rather than simply reproducing real landscapes, the artist explores composite terrains where multiple memories and places converge. The working process unfolds through an accumulative method reminiscent of falling or sedimentation. Everyday scenes—such as the willow tree seen through the window of a frequently visited café or the mold growing on the studio wall—become interwoven, producing a surface where imaginary and actual landscapes coexist. Within the composition, scenes from daytime and nighttime appear together, subtly disrupting the conventional sense of time. By layering distances and proximities, reality and memory, and the external landscape with internal perception, Yang constructs a space where multiple temporalities intersect. Through this repeated process of building and erasing, the landscape emerges not as a simple depiction of a place but as a scene generated through the collision of different times and experiences. The artist gradually records the flow of stories and emotions embedded within the landscape through this slow accumulation.

HERMON FOCUS 2026 장두루 장두루는 자연 속에서 채집한 재료와 일상의 경험을 바탕으로 삶의 순환과 관계를 사유하는 작업을 이어간다. 작가는 나물 채집과 밥상 준비 같은 일상적 행위를 통해 자연이 우리에게 건네는 것들을 다시 바라본다. 직접 담근 된장과 채집한 나물로 차린 식탁처럼, 그의 작업은 자연과 사람이 서로 기대어 살아가는 관계를 담담하게 드러낸다. 작품에는 자연을 대하는 태도와 삶의 방식에 대한 성찰이 담겨 있다. 작가는 돈을 버는 일의 가치보다 서로 돌보고 시간을 나누는 삶의 의미를 이야기하며, 자연이 베푸는 것들을 잘 누리고 다시 돌려줄 수 있는 존재가 되기를 바란다. 이러한 생각은 작품 속 소재와 이야기로 이어지며 자연과 인간의 관계를 따뜻한 시선으로 풀어낸다. 또한 작가는 바람, 나무, 열매와 같은 자연의 흐름 속에서 삶의 균형을 찾는다. 바람을 일으키는 부채, 열매를 맺는 나무와 같은 이미지들은 자연의 순환과 돌봄의 의미를 상징한다. 장두루의 작업은 자연이 우리에게 건네는 작은 신호들을 기억하며, 그 속에서 함께 살아가는 삶의 태도를 사유하게 만든다. - Duru Jang Duru Jang continues a practice that reflects on the cycles of life and relationships through materials gathered from nature and experiences from everyday life. Through ordinary activities such as foraging for wild greens and preparing meals, the artist revisits what nature offers to us. Much like a table set with homemade soybean paste and gathered greens, her work quietly reveals the interdependent relationship between nature and human life. Her works contain reflections on attitudes toward nature and ways of living. Rather than emphasizing the value of earning money, the artist speaks about a life in which people care for one another and share time together. She hopes that humans can become beings who fully receive what nature offers and are also able to give back in return. These thoughts continue through the materials and narratives within his works, unfolding the relationship between humans and nature through a warm and contemplative perspective. Jang also finds balance in life through the rhythms of nature—wind, trees, and fruit. Images such as a fan that creates wind or a tree that bears fruit symbolize the cycles of nature and the meaning of care and nurturing. His work encourages us to remember the small signals that nature offers and to reflect on a way of living together within those rhythms.

HERMON FOCUS 2026 최여정 최여정은 ‘문’이라는 상징을 통해 자신의 내면과 시선을 탐구하는 작업을 이어간다. 작품 속 하얀 문은 완전히 닫혀 있지도, 완전히 열려 있지도 않은 상태로 존재하며 관객을 경계와 틈 사이에 머물게 한다. 이 문은 안과 밖을 나누는 구조이자 타인을 이해하려는 시도의 출발점이며, 동시에 예술이 지닐 수밖에 없는 거리감을 상징한다. 작가는 자신의 내면을 직접적으로 드러내기보다 관객이 조심스럽게 들여다보도록 유도한다. 문 너머에는 명확한 설명이나 단서 대신 감정의 흔적과 시선의 방향, 남겨진 여백이 존재한다. 이는 타인을 바라보는 행위가 언제나 불완전하고 주관적일 수밖에 없다는 사실을 드러내며, 작품은 관객이 스스로 질문을 던지게 하는 공간이 된다. 결국 작품은 ‘들여다본다’는 행위 자체에 주목한다. 우리는 어디까지 타인을 이해할 수 있는지, 그리고 타인을 바라보는 시선은 어떤 의미를 갖는지에 대한 질문이 작품 속에 남는다. 최여정의 작업은 명확한 답을 제시하기보다, 관객이 스스로 들여다보고 사유하는 경험을 만들어내는 데 의미를 둔다. - Yeojeong Choi Yeojeong Choi continues her exploration of her inner world and perspective through the symbolic motif of the “door.” In her works, the white door exists in a state that is neither fully closed nor fully open, inviting viewers to linger in the space between boundaries and gaps. The door functions as a structure that separates inside from outside, a starting point for attempting to understand others, and at the same time a symbol of the distance that inevitably exists in art. Rather than revealing her inner self directly, the artist encourages viewers to look in carefully and tentatively. Beyond the door, instead of clear explanations or clues, there remain traces of emotion, directions of gaze, and lingering spaces of emptiness. This reflects the idea that the act of looking at others is always incomplete and subjective, transforming the work into a space where viewers are prompted to ask their own questions. Ultimately, the work draws attention to the act of “looking in” itself. It raises questions about how far we can truly understand others and what it means to direct our gaze toward them. Rather than presenting definitive answers, Choi’s work creates an experience in which viewers are invited to observe, reflect, and contemplate for themselves.