c2x3｜區塊鏈藝術媒體

2026 這一年，數位藝術重新回到當代藝術的中心。從 Art Basel Miami Beach 的 Zero 10，到 MoMA 與 Whitney 持續將生成藝術、AI 與網路文化納入展覽與典藏，過去被視為網路次文化的創作形式，開始被重新放進主流藝術敘事之中。NFT 熱潮退去後，留下來被討論的，反而不再只是市場、區塊鏈或收藏機制，而是一些更貼近日常的問題：演算法如何影響觀看？社群平台如何塑造身份？當網路人格成為一種長期表演後，「真實性」究竟還剩下什麼？也正是在這樣的轉向中，Maya Man 開始被放到一個關鍵的位置上。 ​ 👀 網路人格裡的藝術家 Maya Man 的創作長期圍繞在網路文化、女性形象與自我表演之間。她的作品橫跨生成系統、網頁藝術、AI、錄像與社群媒體，但和許多以技術為核心的生成藝術家不同，她真正關心的是：人在演算法與觀看機制之中，如何慢慢學會扮演自己。從《FAKE IT TILL YOU MAKE IT》到《StarPower》與《StarQuest》，她反覆描繪一種介於真誠與表演之間的網路人格。人開始意識到自己正在被看見，也逐漸把「成為某種人」當成一種長期經營的狀態。 ​ 👀 從生成藝術裡長出的另一種方向 Maya Man 來自資訊工程與程式設計背景，並在 UCLA 的 Design Media Arts 接觸到 Casey Reas 所代表的生成藝術脈絡。這樣的路徑讓她自然站在兩種世界之間：一邊是演算法、系統與軟體邏輯，另一邊則是社群媒體、自我表演與網路文化。她延續生成藝術對規則與系統的關注，但逐漸將焦點從圖像本身轉向人。對她而言，演算法不只是生成視覺的工具，而是一種會影響觀看方式、情緒表達與自我理解的日常機制。 ​ 👀 成為適合被觀看的人 《FAKE IT TILL YOU MAKE IT》看似熟悉的社群媒體美學：粉彩色調、勵志語錄與精緻介面，但作品真正處理的，是人如何在平台上持續建構與表演身份。那些畫面既迷人又帶著不安感，像每個人都在努力成為更適合被觀看的人。《Glance Back》則把焦點轉向觀看本身：人物回望觀眾，既在凝視，也在等待被看見。人開始下意識地想像自己如何被觀看，甚至在觀看他人之前，就已經先把自己轉化為一個可被觀看的形象。 ​ 👀 網路人格還剩下多少「人的感覺」 到了《StarQuest》，AI 被正式放進創作核心。那些角色像極了短影音平台上的人：情緒飽滿、渴望被注意，卻始終帶著一種微妙的不自然。動作略顯僵硬，表情過度真誠，情緒濃烈得近乎刻意，像是 AI 正在學習「人應該如何表現自己」。但看著看著會發現，這種不自然，其實和今天的網路內容非常接近。長期在演算法影響下，人格正在被推向某種標準化狀態。生成，也從圖像轉向了人格本身。 ​ 👀 小結：活成一種適合被觀看的樣子 Maya Man 很少直接談論科技或未來，她更關注那些早已滲透進日常生活的狀態：自拍、滑手機、情緒表達、被觀看。她的作品之所以成立，不在於 AI 本身，而在於它太接近今天的生活。近到讓人開始意識到——我們可能早已活在一種持續被觀看的狀態裡，甚至在不知不覺中，學會把自己變成一個更適合被觀看的人。

✨ Tyler Hobbs 用《Please Respond》重新定義生成藝術協作 ⠀ 生成藝術家 Tyler Hobbs 於 2026 年 5 月 6 日啟動了名為「Please Respond」的連續協作計畫，計畫靈感來自超現實主義「殘骸拼貼」遊戲。在接下來的 10 天內， 10 位藝術家將形成一條演算法工作流，每一位藝術家不僅接收前人的圖像，更直接繼承原始程式碼，並以此為基礎進行修改、擴展或重塑。這種數位 DNA 的傳遞，讓原本孤立的創作演變為一場長達 10 天的視覺進化論。 ⠀ 🔹 程式碼中的協作即興 ⠀ Hobbs 將此次協作比作爵士樂即興演奏，每位藝術家就像在相同的節奏背景下進行演奏。這個計畫包含 fingacode 與 Aleksandra Jovanić 等 10 位名家。藝術家們面臨著極大的技術挑戰，例如 Kjetil Golid 在收到 mpkoz 的 Shader 著色器代碼時，必須逐行解析陌生的邏輯。最終每個人都融入了鮮明的個人風格，但在微觀細節中仍能看見前代藝術家的演算法遺緒，呈現出宏觀敘事與微觀細節的交織。 ⠀ 🔹 藝術家主導的策展新模式 ⠀ 作為「藝術家兼策展人」， Tyler Hobbs 繞過了傳統畫廊，在生成藝術平台 Shape 上自行發起這場前衛展覽。他強調這種由藝術家主導的模式能激發更純粹的創作能量。為確保收藏的永續性，計畫推出「Season Pass」模式，以 0.7 ETH 的價格讓藏家完整擁有一系列作品，而非短期炒作。這反映了數位藝術在經歷 2021 年的波動後，創作者更傾向於建立長期且穩定的社群聯繫與收藏文化。 ⠀ 🔹 AI 時代下的創作主體性 ⠀ 面對 AI 技術與 vibe coding 的挑戰， Hobbs 保持樂觀但堅定的立場。他認為寫程式雖變得容易，但藝術創作的核心在於「做出決策」與「提出問題」，這是多年實踐累積的眼光，而非 AI 提示詞所能輕易取代。對於他而言，數位工具是形塑當代生活最重要的材料。若藝術不與這些工具對話，將面臨脫離現實的風險。此計畫證明了生成藝術正逐步走出邊緣，成為當代藝術規範中不可忽視的重要媒介。 ⠀⠀ 參考網站：RIGHT CLICK SAVE ⠀ #區塊鏈藝術 #web3 #NFT #c2x3 #二三設計

【本周快報】 ⠀⠀⠀ 🔹 Tyler Hobbs 新作《Please Respond》邀生成藝術家共創 🔹 Verse 展覽《New Bad Image》聚焦失控美學 🔹 威尼斯雙年展中演算法與 AI 裝置成亮點 🔹 Refik Anadol 於洛杉磯開設 AI 藝術博物館《DATALAND》 🔹 Maya Man 新作《StarPower》探索 AI 與網路表演 ⠀⠀ ⠀⠀⠀ ➊ Tyler Hobbs 新作《Please Respond》邀生成藝術家共創 ⠀⠀⠀ 《Please Respond》於 2026 年 5 月 6 日在鏈上生成藝術平台 Shape 正式上線，由生成藝術家 Tyler Hobbs 發起，邀集 fingacode、Kjetil Golid、Aleksandra Jovanić 等 10 位藝術家接力創作。計畫靈感來自超現實主義「屍體拼貼」遊戲，每位藝術家需接續前一位的程式碼進行改寫與延伸，讓作品在十天內持續演化，探索生成藝術中風格、結構與創作者身份如何在演算法之間流動與變形。 ⠀ ➋ Verse 展覽《New Bad Image》聚焦失控美學 ⠀⠀ 由策展人 sssluke 策劃的《New Bad Image》將於 2026 年 5 月 4 日在Verse上線，集結 Petra Cortright、Parker Ito、Ann Hirsch等藝術家，探討社群平台與 NFT 生態的圖像邏輯。展覽提出「新壞圖像（New Bad Image）」概念，透過故意失真、壓縮、過度特效與混亂拼貼，反向操作演算法偏好的高辨識度美學，讓影像從可讀、可流通的內容，轉向帶有摩擦感與情緒噪訊的視覺狀態。 ⠀ ➌ 威尼斯雙年展中演算法與 AI 裝置成亮點 ⠀⠀ 2026 年第 61 屆威尼斯雙年展將於 5 月 9 日至 11 月 22 日登場，多檔展覽聚焦數位藝術、AI 與演算法創作。其中，《Strange Rules》於 Palazzo Diedo 展出，探討「Protocol Art」如何重新定義科技與藝術關係。另一亮點則包括 Eva & Franco Mattes 以生成式 AI 探討網路情緒操控，以及 Sougwen Chung 結合機器人與即時繪畫的沉浸式創作，展現當代藝術與科技融合的新方向。⠀⠀ ⠀ ➍ Refik Anadol 將於洛杉磯開設 AI 藝術博物館《DATALAND》 ⠀⠀ 由土耳其裔藝術家 Refik Anadol 與 Efsun Erkılıç 共同創立的人工智慧藝術博物館《DATALAND》，將於 6 月 20 日在 The Grand LA 正式開幕。館內總面積超過 3,200 平方公尺，包含五個展覽空間與 AI 運算基礎設施。首展《Machine Dreams: Rainforest》將透過大量生態資料訓練的 AI 模型，打造沉浸式雨林環境，館內亦將常設展示 Infinity Room，結合 AI 氣味生成與已滅絕夏威夷鳥類錄音，呈現多感官數位藝術體驗。 ⠀ ➎ Maya Man 新作《StarPower》探索 AI 與網路表演 ⠀ 藝術家 Maya Man 於 bitforms gallery 推出個展《StarPower》，透過生成式軟體與 AI 影像模型，重新詮釋美國競技舞蹈、真人秀與社群媒體文化。展覽核心作品《StarQuest》以 111 段 AI 生成短片即時重組，模糊表演、演算法與真實身份之間的界線，並延續她對網路「真實性」與女性表演文化的長期關注。

✨ 2026 威尼斯雙年展：技術、協定與非人視角的數位轉型 ⠀ 第 61 屆威尼斯雙年展（Venice Biennale）於 2026 年 5 月 4 日展開預展，本屆由已故策展人 Koyo Kouoh 的團隊以 In Minor Keys 為題，引領全球 100 個國家場館參與。今年的亮點在於「後媒介」（post-medium）生態的崛起，數位與類比的界線日益模糊。展覽不僅關注 AI 與社交媒體，更將重心轉向「協定藝術」（Protocol Art），探討藝術家如何主動形塑科技規則，而非僅僅被動反應。 ⠀ 🔹 Strange Rules：定義協定藝術的新場域 ⠀ 由藝術家組合 Holly Herndon 與 Mat Dryhurst 協同名策展人 Hans Ulrich Obrist 策劃的「Strange Rules」，於修復後的 Diedo 宮殿展出。該展覽將宮殿視為演進中的實驗室，探討治理媒體與科技的「協定」。 Dryhurst 強調，若藝術家要在未來擁有代理權，就必須參與科技規則的制定。展覽集結了 Trevor Paglen 與 Simon Denny 等名家，透過 AI 數據信託與跨學科對話，重新定義藝術家在演算法時代的主動角色。 ⠀ 🔹 聖馬可島與非人類代理人的覺醒 ⠀ Sandretto Re Rebaudengo 基金會於聖馬可島（San Giacomo）開幕，展出 Matt Copson 的「Fanfare/Lament」。藝術家利用磷光漆與雷射動畫，在古老火藥庫中創造出隨光影延遲的「幽靈軌跡」。這類作品被視為「非人類代理人」，在島嶼的生態系統中對觀者施加力量。值得注意的是，該島嶼實現了能源自給自足，透過太陽能系統與回收建材，將當代數位藝術與永續生態實踐緊密結合，反思人類在地球上的存續。 ⠀ 🔹 數位神話與社交媒體的憤怒誘餌 ⠀ 印度藝術家 Nalini Malani 於鹽倉展出「Of Woman Born」，利用 30,000 張 iPad 繪圖轉化為 67 部動畫，將古代神話與當代戰爭聯繫。同時， Eva & Franco Mattes 則在「Rage Bait」展覽中探討網路「憤怒誘餌」現象。他們訓練 AI 模型僅識別特定網路迷因，並在泳池上方懸掛巨大的 LED 螢幕，反射出模擬遊戲「非玩家角色」（NPC）重複動作的影像，以此揭示人們在數位演算法循環中被困住的詭異與不安感。 ⠀ 🔹 跨越感官與維度的光學實驗 ⠀ 在坎納雷究區（Cannaregio）的神秘花園中，聖座（Holy See）展館以「耳為魂之目」為題，邀請 Patti Smith 與 Brian Eno 等藝術家創作出「傾聽自然」的裝置。這套儀器能將風、水、昆蟲的微聲與電磁活動轉化為跨物種的演化樂章。而在聖克萊門特島， Chris Levine 的大型雷射裝置「Higher Power」則將光束射向威尼斯夜空。這些作品共同回應了本屆雙年展的核心：減緩步調，重新校準人類對數位與自然共生關係的感知。 ⠀⠀ 參考網站：RIGHT CLICK SAVE ⠀ #區塊鏈藝術 #web3 #NFT #c2x3 #二三設計

【Creative Media Gathering #33 經驗分享 ╳ 跨域能力 ╳ 互動設計】 ⠀ Creative Media Gathering #33，講座，分別由互動程式工程師陳韋安（chwan1） 與創科互動創辦人詹清智 TeddyJan 帶來的兩段精彩分享。詹清智分享，關於跨域的求學經驗、跨領域的合作經驗，以及如何在工作上理解他人。陳韋安帶來的分享，關於四個案例分享，以及工作的體悟。 ⠀ 🌵拓展互動與程式極限 本職工作為互動程式設計師的陳韋安，熱衷實踐每個互動專案。《TheWhole》是陳韋安與安納奇舞蹈劇場合作，在空總 Fusion Vision Lab 球形投影場地（直徑約 13 至 15 公尺）呈現的作品。透過感測器感測舞者肢體，讓其可以驅動粒子運動效果，也讓身體和影像產生緊密連結。《媽祖訊號》則是國家兩廳院 LabX 計畫中，藝術家楊凱婷以白沙屯媽祖進香為主題的創作。作品蒐集進香過程中各種「訊號」，探討信仰如何以各種形式的訊號存在。 ⠀ 🌵數位、娛樂、文化和現場性交集之處 陳韋安觀察到，互動裝置的形式類型並非無限擴張，沉浸式體驗、感測互動、拍貼機台等形式其實早在十多年前就已存在，只是隨著技術演進換了新的面貌。正如科技預言家凱文凱利所言，1900 年型錄中的商品百年後幾乎仍買得到——技術衍生的形式會持續存在，只是呈現方式不斷更新。在業界待久了，便能預見下一波趨勢的走向。他認為：「我自己所在的這個行業，是踩在數位、娛樂、文化和現場性交集之處。」 ⠀ 🌵跨領域的真正收穫是讀懂人心 身為創科的創辦人，走過這段多元的學習與工作歷程，Teddy 歸納出一個關鍵體悟：跨領域帶給他最大的資產，不是技術本身，而是「能夠理解不同領域的人在想什麼」。他的求學過程涉及設計、資工、新媒體藝術三個領域，養成了他不同領域的專業。但是，他謙虛地表示，在創業後經歷許多的溝通與磨合，他對於「跨領域」有更深一層的體悟。他更加重視如何讓人可以相互合作，各自完成各自腳色的任務。他認為：「跨領域學習的真正目的，是讀懂人心。」 ⠀ 🌵理解先於需求，同理先於執行 「要怎麼樣去站在不同人的立場去理解？」這是 Teddy 拋出的疑問，並且他舉了兩個自己的親身案例。第一個是如何應對客戶看似窒礙難行的要求，第二個是如何與起先稍有對立的合作夥伴，成為互信的關係。這些經驗讓他轉換以往的思考方式，建立自己對於瞭解合作夥伴的方式。「跨領域」貌似老生常談，但是 Teddy 透過實際的經驗去體會，並且在新的案子來臨或是與不同對象合作時，能夠嘗試站在對方的立場，去以對方的思維思考，並了解到「大家都是想把事情做好」。 ⠀ 閱讀全文： 陳韋安：https://matters.town/a/zb5df1t1kmdi 詹清智：https://matters.town/a/k1dy00hknznu ⠀ 關注 CMG 創意媒體聚：/

✨ Aaron Hertzmann：在 AI 時代守護「人」的創作價值 ⠀ AI 科學家與藝術家 Aaron Hertzmann 在 2026 年 4 月與 Peter Bauman 的對談中指出，儘管 AI 能自動化許多開發任務，但真正的「作者身份」仍是一種根植於人類社交關係與主動性的社會建構。他強調，我們關心的是「人」，只有人能進行藝術創作，電腦並非人類，缺乏社會行為與真實的代理權，因此無法取代藝術家在社會中的核心角色。 ⠀ 🔹 藝術史的技術循環與演進 ⠀ Hertzmann 透過歷史類比指出，當前的 AI 浪潮與攝影、錄音及串流技術的興起驚人地相似。 150 年前人們曾擔心攝影會殺死藝術，但事實證明新工具只是改變了創作方式。他將 AI 視為一種新媒介，而非藝術家的終結。隨著觀眾與創作者對工具的理解日益成熟，藝術將進入更具主體性的階段，超越單純的技術模仿，發展出真正屬於 AI 時代的藝術語言。 ⠀ 🔹 數位糾纏與民主化的迷思 ⠀ 針對技術民主化， Hertzmann 認為雖然門檻降低讓更多人能參與創作，但這並不代表天賦與技能不再重要。當工具變得隨手可得，專業藝術家與業餘愛好者之間的區隔將在於作品是否能產生深層的共鳴。他觀察到，真正的藝術家會與媒材深度「糾纏」，將工具視為自身能力的延伸。無論是寫程式還是操作模型，創作過程中的選擇與探索才是賦予作品意義的關鍵。 ⠀ 🔹 工程師與藝術家的文化交匯 ⠀ Hertzmann 挑戰了浪漫主義時期以來對科學與藝術的二分法。他認為發明家與藝術家在創意特質上高度重疊，兩者都具備「如果嘗試這個會怎樣」的衝動與探索精神。雖然 19 世紀的知識專業化劃分了工程師與藝術家的界線，但在當代機器學習研究中，許多研究員雖不自稱藝術家，其產出的創作卻具備極高的社會影響力。這種跨領域的融合，正重新定義我們對創造力的認知。 ⠀⠀ 參考網站：Le Random ⠀ #區塊鏈藝術 #web3 #NFT #c2x3 #二三設計

【本周快報】 ⠀⠀ 🔹 新北美《大廳計畫》力邀國內外知名生成藝術家展出 🔹 fx(hash) 未來成謎，前成員坦承平台營運失衡 🔹 Art Blocks 導入 AI 代理，開放機器參與收藏與交易 🔹 Piter Pasama 新作將於 Art Blocks 發行，令人期待 🔹 Google 攜手 Thinking Machines 強化 AI 基礎設施 ⠀⠀ ⠀⠀ ➊ 新北美《大廳計畫》力邀國內外知名生成藝術家展出 ⠀⠀ 由多位國際藝術家共同參與的《在變動之中生成：演算法的藝術》大廳計畫將於新北市美術館展出，首檔自 2026 年 4 月 25 日開展，由王新仁率先登場。後續將接續呈現陳芷渝、Aleksandra Jovanic、Kazuhiro Tanimoto 與林經堯等來自不同背景脈絡的藝術家，展現多樣的演算法創作實踐。展覽將美術館入口轉化為生成場域，觀眾可透過手機調整參數，直接參與作品生成，使觀看與互動交錯進行，持續改變作品狀態。 ⠀ ➋ fx(hash) 未來成謎，前成員坦承平台營運失衡 ⠀ fx(hash)前核心成員於沉默一個月後公開表示，平台進入暫停運作期間已遭解職，並坦言內部複雜性導致發行與藝術家支援機制失靈。儘管曾試圖提升曝光與社群動能，最終仍未能落實穩定執行，亦承認外界期待與平台實際承載能力存在落差。其中特別指出部分藝術家未獲妥善溝通與支持，對此致歉，並表示未來將轉向策展與數位藝術發展。 ⠀ ➌ Art Blocks導入AI代理，開放機器參與收藏與交易 ⠀ 生成藝術平台 Art Blocks 宣布導入 AI 代理機制，於 2026 年 3 月上線 MCP（Model Context Protocol）伺服器，使 AI 能直接讀取平台結構與數據，參與作品搜尋、鑄造與交易流程。產品長 Jordan Lyall 表示，此舉旨在將 AI 視為「新型收藏者」，因應代理技術快速發展。不過平台仍限制 AI 作為創作者身分，暫不開放其發行作品，顯示在擁抱技術的同時，仍維持人類創作核心。⠀⠀ ⠀ ➍ Piter Pasama 新作將於 Art Blocks 發行，令人期待 ⠀ 生成藝術家 Piter Pasma 新作《MASKS》於4月23日於 Art Blocks 上線，定價 0.05 ETH、限量 128 件。本作延續其以極簡程式碼生成 3D 形態的創作路徑，僅以約 3800 字元、無外部依賴的瀏覽器運算完成，並直接鑄寫於以太坊區塊鏈。作品透過數學公式生成無限變化，探討「面具」作為文化塑形與身份建構的隱喻，體現其一貫高壓縮、長形式生成藝術語言。 ⠀ ➎ Google攜手Thinking Machines強化AI基礎設施 ⠀⠀ Google Cloud 與 AI 新創 Thinking Machines Lab 達成數十億美元等級合作，將擴大雲端與運算資源整合。該公司由前 OpenAI 技術長 Mira Murati 領導，將部分工作負載轉移至 Google 專為 AI 優化的 A4X Max 架構，搭載 Nvidia Blackwell GPU。此次合作顯示大型模型競爭持續升溫，企業正加碼高效能運算基礎設施，以支撐客製化AI模型與雲端服務發展。

✨ 洛杉磯新地標 LACMA 開幕，重寫藝術史的流動展場 ⠀⠀ 洛杉磯郡立美術館（LACMA）耗資 7.24 億美元打造的 David Geffen Galleries 將於 2026 年 4 月正式亮相。這座由瑞士建築大師 Peter Zumthor 設計的建築，打破了傳統博物館以歐洲為中心的線性敘事。展廳不再按照年代或地理嚴格劃分，而是讓不同文化與時空的藝術品並置，呈現出全球化視野下的藝術交融與多元敘事。 ⠀⠀ 🔹 建築美學與結構挑戰 ⠀⠀ 這座橫跨 Wilshire 州際公路的單層建築，以優雅的混凝土曲線展現出強烈的 1960 年代美學風格。建築結構具備先進的防震設計，能在地震發生時朝任何方向移動 5 英尺而不受損。儘管展覽空間因環境評估縮減了 10,000 平方英尺，但環繞式的全景落地窗與特製不鏽鋼窗簾，成功將加州的自然陽光轉化為流動的展場背景，模糊了藝術與城市的界線。 ⠀⠀ 🔹 跨學科的策展實驗室 ⠀⠀ 館長 Michael Govan 將新展館視為「實驗室」，目前展出約 1,700 件館藏。策展捨棄了固定的部門區域，將 15 個策展部門的作品混合陳列。例如「汽車文化」（Car Culture）展區將 1963 年的 Studebaker 跑車與現代繪畫並列；「地球與水」則彙整了古希臘陶器與加州當代藝術。這種去中心化的展示邏輯，鼓勵觀者在流動的空間中自行探索藝術聯繫。 ⠀⠀ 🔹 室外景觀與文化傳承 ⠀⠀ 戶外空間同樣精彩，除了修復後的 Alexander Calder 噴泉噴泉，還展出了 Jeff Koons 於 2025 年創作的植物雕塑，採用加州原生植物確保全年盛開。室內則收藏了 Francis Bacon 的三聯畫等珍貴贈品。雖然混凝土空間帶來的回音噪音仍有待優化，但這種強調視覺與感官優先、減少文字說明干擾的展示方式，確實為 21 世紀的博物館營運模式開創了充滿活力的全新範本。 ⠀⠀ 參考網站：ARTnews⠀ ⠀⠀ #區塊鏈藝術 #web3 #NFT #c2x3 #二三設計

從人臉合成到量子之光：Nancy Burson 如何改寫我們「看見」的方式 ​ 不確定大家是否還記得，2018 年《時代雜誌》的封面，曾以強烈視覺語言呈現政治觀點：美國總統川普與俄羅斯總統普丁的臉孔被合而為一，在兩者之間不斷轉換，讓人難以辨識。這件影像出自 Nancy Burson，對應赫爾辛基高峰會後的外交氛圍。 ​ Nancy Burson 她不只是早期數位影像藝術家，而是重新定義影像的人。從臉孔合成、年齡模擬，到身份與種族的重組，她持續挑戰我們對「看見」的信任。這次在 Light Matter 中，她進一步轉向光本身，那些閃動的光點讓人開始懷疑，我們看到的究竟是影像，還是觀看本身。 ​ ✨ 她是誰？從影像邊界開始改寫的人 Nancy Burson 常被稱為電腦藝術先驅，但她的關鍵在於重新定義影像。她很早就意識到，影像不只是再現，而是一種可被計算與重組的結構。 在 1970–80 年代，她已用電腦生成臉孔，發展 morphing 技術，動搖「眼見為憑」。臉不再是個體，而是資料集合。這項技術被用於失蹤兒童年齡模擬，也進入藝術創作，處理性別、種族與權力議題。她讓影像從再現轉為結構，並提前提出今天 AI 與影像運算的核心問題。 ​ ✨ 她是怎麼走到這裡的？從繪畫到機器的觀看 回頭看 Nancy Burson，她並非從科技出發。她最早學繪畫，1960 年代進入紐約藝術圈，接觸跨領域實驗，並透過 Experiments in Art and Technology 進入科技與藝術交界。 ​ 之後，她與 Nicholas Negroponte 團隊合作，在 MIT 發展影像合成技術。但這不是技術主導，而是她長期關注「臉如何構成」的延伸。她曾長時間進行人體藝術攝影，等待技術成熟。機器對她而言，不只是工具，而是一種新的觀看方式。 ​ ✨ 經典作品：從性別、權力到他者的轉換機制 在 Nancy Burson 的創作中，《Androgyny》（1982）、《Warhead I》（1982）與《Human Race Machine》（2000）構成一條清晰的發展軸線。她先透過合成六男六女的臉，讓性別從本質轉為可計算的結構，動搖我們對辨識的信任；接著在《Warhead I》中，將國家領袖依核武數量加權，讓權力轉化為一張無法辨識卻可感知的臉，使政治成為一種觀看經驗；到了《Human Race Machine》，她進一步讓觀眾親自進入系統，將自身轉換為不同種族的樣貌。這三件作品從觀看到參與，從影像到經驗，逐步揭示一件事：那些看似穩定的身份，其實都建立在可被運算與重組的機制之上，而我們的「看見」，從來都不是單純的直覺，而是一套被建構出來的判斷系統。 ​ ✨ 最新作品：從「合成臉孔」到「觀看光的行為」 在 Light Matter 中，Nancy Burson 將焦點轉向光。展覽於 Heft Gallery 舉行，透過低光環境讓光成為主體。 ​ 《Quantum Entanglement Paintings》延續合成概念，但轉向光的交互。觀眾拍攝時，光點會移動與變色。她稱之為「photonography」，強調影像在觀看中生成。 展覽也包含錄像與裝置作品，讓觀眾進入一種介於觀測與感知之間的狀態。她從重組臉孔，走向觸發現象，持續挑戰影像的穩定性。 ​ ✨ 結語：當我們早已活在她提出的問題之中 回頭看 Nancy Burson 的創作，她始終在拆解「自然」。臉孔、性別、種族與權力，都被轉化為可計算的結構。 在 Light Matter 中，她將問題推向觀看本身。當影像依賴觀眾才成立，真實開始動搖。 而這正是我們當下的處境。在 AI 與影像運算時代，我們早已活在被生成與預測的世界裡。Burson 所做的，不只是創作，而是一種持續的提醒：我們如何相信影像，也決定了我們如何理解自己。

✨Art Paris 2026：實體與虛擬交織的藝術新場域 ⠀⠀ Art Paris 2026 將於 2026 年 4 月 9 日至 4 月 12 日重返巴黎大皇宮（Grand Palais），迎來第 28 屆展會。本屆展覽將集結來自 20 多個國家的 165 間現代與當代藝術畫廊參與。展會以「巴別塔：法國的藝術與語言」（Babel: Art and Language in France）與「修復」（Reparation，涵蓋文化與個人層面的修復）為核心主題，並透過「Promises」單元聚焦新興藝術家與創作能量。 ⠀⠀ 🔹虛實融合的展會模式 ⠀⠀ 在疫情後加速的數位轉型下，Art Paris 建立線上觀展系統，使全球藏家可遠端瀏覽作品與畫廊資訊，形成虛實並行的混合展會模式。這種機制不僅延伸市場觸及範圍，也改變作品流通與展示邏輯，使藝術博覽會從單一場域轉向跨空間、多節點的展示網絡。 ⠀⠀ 🔹AI時代下的實體價值 ⠀⠀ 面對 AI 與數位影像的高度複製性，實體展會的不可取代性反而更加凸顯。策展總監 Guillaume Piens 指出，藝術博覽會仍是面對面交流與感知作品的關鍵場域，觀眾可直接感受材質、尺度與空間氛圍，這種感官經驗與社交互動，是純數位平台難以取代的核心價值。 ⠀⠀ 🔹主題策展與文化定位 ⠀⠀ 本屆以語言與修復為主軸，回應當代社會的文化與政治議題，強化展會的策展深度。相較於單純交易平台，Art Paris 透過主題導向與單元規劃，引導畫廊呈現更具脈絡性的作品，在全球約 370 個藝術博覽會競爭下，差異化與永續成為關鍵挑戰。Art Paris 透過減少廢棄物與優化物流降低環境衝擊，同時面對 AI 與數位技術帶來的結構變革。 ⠀⠀ 參考網站：contemporarylynx⠀ ⠀⠀ #區塊鏈藝術 #web3 #NFT #c2x3 #二三設計

【本周快報】 ⠀⠀ 🔹 Art Basel 展作《Algorithmic Synesthesia》大獲好評 🔹 Nancy Burson《光之物質》紐約展出，描繪量子糾纏 🔹 愛爾蘭數位藝術研討會 4 月登場，聚焦生成式 AI 🔹 Lumen Prize 2026徵件開跑，獎金3萬美元 🔹 Keiken 談世界建構：從意識、幻想到人機共創 ⠀⠀ ⠀⠀ ➊ Art Basel 展作《Algorithmic Synesthesia》大獲好評 ⠀⠀ 在 Art Basel Hong Kong 2026 的 Zero 10 展區中，藝術家 Harvey Rayner 的作品《Algorithmic Synesthesia》，成功引導新藏家理解生成藝術。觀眾可透過軟體即時生成作品、上鏈鑄造並印製實體版畫，強化「參與即創作」的概念。現場逾百人完成收藏，顯示生成藝術正加速擴展市場接受度。 ⠀ ➋ Nancy Burson《光之物質》紐約展出，描繪量子糾纏 ⠀ Nancy Burson 全新個展《光之物質》（Light Matter）於赫夫特畫廊展出至 2026 年 4 月 12 日。本展首度呈現其「量子糾纏繪畫」，以成對粒子點構成畫面，結合湧現行為視覺化連結概念；並同步展出量子觀測影像、經典電腦合成肖像及行為展演。整體作品圍繞「萬物相互影響」的量子與靈性命題，將不可見的能量轉化為可感知的視覺經驗。 ⠀ ➌ 愛爾蘭數位藝術研討會 4 月登場，聚焦生成式 AI ⠀ 第 3 屆愛爾蘭 Symposium on Digital Art 將於 2026 年 4 月 22 日在 University College Cork 舉行，由 Sample-Studios 與校方合作主辦。議程涵蓋生成式 AI 訓練、沉浸式體驗、音樂視覺化與多感官裝置等主題，並設有「身體作為硬體」跨域論壇，探討人機交互與數位表演。活動結合展覽開幕，呈現理論與實作並進的數位藝術發展趨勢。⠀⠀ ⠀ ➍ Lumen Prize 2026徵件開跑，獎金3萬美元 ⠀ Lumen Prize 2026 正式開放徵件至 5 月 23 日，本屆為第 15 屆，總獎金 3 萬美元，並調整分類為Systems & Structures、Experiential Innovation、Legacy Futures。評選由媒材導向轉向強調系統性與創作方法，涵蓋生成藝術、AI 與沉浸式實踐。頒獎典禮將於 Kunstsilo Museum 舉行，反映數位藝術評選標準正朝結構與經驗重塑。 ⠀ ➎ Keiken談世界建構：從意識、幻想到人機共創 ⠀ 藝術家團體Keiken共同創辦人Hana Amori與Peter Bauman探討「世界建構」作為創作方法，強調其同時涉及意識、社群與經驗生成，並將幻想視為一種心理保護機制，而關係性則構成創作倫理，使人類與機器得以在共享框架中協作；Keiken亦透過遊戲引擎與跨媒體實踐發展可進入的多重世界，將體驗視為創作核心單位，並指出人機共創正在重塑敘事與製作流程，使世界建構由靜態敘事轉向可互動的動態系統。

✨《Friday Live》結合遊戲節，電玩重返博物館舞台 ⠀⠀ 於維多利亞與艾伯特博物館（Victoria and Albert Museum, V&A）舉辦的「Friday Late」活動，結合倫敦遊戲節，將電玩帶入古典展廳。從即時編碼音樂到大型互動遊戲，觀眾穿梭於歷史建築中探索不同裝置，體驗遊戲、聲音與表演的交會，展現電玩作為文化載體在當代藝術語境中的高度延展性。 ⠀⠀ 🔹玩家也是表演者，模糊參與與觀看 ⠀⠀ 策展人強調，當遊戲進入展覽空間並被放大呈現，玩家同時成為「表演者」。如《Sex With Friends》在公開場域中引發觀眾互動與歡笑，使遊戲從私人娛樂轉化為集體觀看與即時回應的劇場經驗，進一步改變觀眾對於「觀看」與「參與」的界線理解。 ⠀⠀ 🔹觀眾參與共創文化 ⠀⠀ 活動強調群體創作與即時參與，例如《Robot Karaoke》透過演算法生成歌詞，引導觀眾共同演出並形成現場共鳴；《The Line is the Game》則讓參與者進入角色扮演情境，在排隊行為中創造敘事，進一步模糊遊戲、行為藝術與社會互動之間的界線。 ⠀⠀ 🔹當電玩走入博物館 ⠀⠀ 策展人指出，將電玩置於博物館脈絡，可重新理解其文化價值與歷史定位。當遊戲與文藝復興繪畫、古典雕塑並置，觀眾得以在時間跨度中重新閱讀其意義，理解電玩不僅是娛樂產業產品，更是連結歷史記憶與當代文化的重要媒介與敘事形式。 ⠀⠀ 參考網站：The Guardian⠀ ⠀⠀ #區塊鏈藝術 #web3 #NFT #c2x3 #二三設計