Una de mis pinturas favoritas es Woman in the Wilderness (1923), de Alfons Mucha. Además de ser conocido como el padre del Art Nouveau, Mucha dedicó gran parte de su obra a retratar la epopeya eslava. La primera vez que me topé con esta pintura fue en el Museo Mucha, en Praga. Recuerdo que hubo dos cosas, en particular, que me hicieron quedarme observándola fijamente: su azul profundo y la manera tan hermosa que tenía de tratar la desdicha.
También conocida como “Siberia”, la pintura representa la desesperanza que se extendió por Rusia después de una hambruna devastadora, en la que murieron más de cinco millones de personas. Sí, más de cinco millones. Como consecuencia de la 1 GM y las políticas de la revolución Bolchevique.
La mujer mira fijamente una estrella, como si depositara en ella toda su fe y sus últimas esperanzas de vida.
Por más sórdido que suene, mi parte favorita son los tres lobos que la acechan, los cuales podrían interpretarse como los tres poderes del Estado moderno. Aunque yo prefiero pensar que, en medio de la estepa siberiana, esos lobos solo esperaban poder alimentarse de ella y así sobrevivir una temporada más en medio de la nieve.
*La foto del museo es sacada de Google.
El país que en los 60’s fue miembro fundador de la OPEP (Organización de Países Exportadores de Petróleo, con sede en Viena) En los 90’s pasaba por transiciones que hoy no están en la memoria de mi generación ni de las venideras.
Por eso me pregunto ¿Caracas siempre fue tan violenta como se la imagina? ¿Qué desencadenó esa hemorragia?
Caracas sangrante de Nelson Garrido es una obra olvidada, censurada e incómoda para cualquier gobierno. Hoy es tan relevante como lo fue en 1993 cuando se publicó. Lo que nos muestra la imagen es un recuerdo que no deberíamos borrar. La promesa del petróleo venezolano no es más que el sinónimo de un saqueo constante y permanente.
Hoy ya pasaron 20 días de la captura de Maduro.
Arte Pop Brasileño
Hasta el 02/02 en el @museomalba
“La nueva figuración brasileña se desarrolló en un contexto hostil, donde la rápida urbanización de las ciudades era representativa del progreso, pero que excluía de igual manera a quienes no podían progresar al mismo ritmo. Fueron los marginados quienes elaboraron el extenso trabajo que, con la ayuda de la pinacoteca de São Paulo, es exhibido hoy en el MALBA”.
“La influencia estadounidense en el consumo de masas ya se empezaba a establecer de manera imperial. El alunizaje y la exportación de imágenes fueron de gran ayuda. Dentro de este contexto global se desarrolló el arte pop brasileño, el cual tomó los elementos formales del arte pop estadounidense, pero no para funcionar como una extensión de él ni para enriquecerlo, sino para criticar su autoridad y manifestarse en contra de su propio Estado represivo”.
Vale la pena la visita!
Ahora me dio por escribir y recomendar muestras y exposiciones. Si consigo suficientes lectores en Substack, me diseño un blog más bonito.
El otro día acompañé a una madre y su hija al Malba. Eran del Noroeste de Brasil. Ambas muy amables y cálidas. La hija, apenas nos cruzamos me dijo: “Vamos a ver a Abaporu?” (De Tarsila do Amaral). No solo le dije que si, sino que además es una de las pinturas más importantes del museo.
Tarsila do Amaral es para la pintura brasileña lo que es Frida Kahlo para la pintura mexicana. Contextos y entornos distintos, solo para ejemplificar. Y que una adolescente de 17 años sienta una emoción tan grande al ver una de sus pinturas favoritas, me generó una satisfacción que no todo el tiempo se logra: La realización.
Fue una sensación parecida a cuando vi en persona El matrimonio de Arnolfini de Jan van Eyck. Una pintura que tanto se analiza en la facultad. La diferencia esta vez que es no fue mi experiencia directa sobre la imagen la que generó esa emoción. Sino poder brindarle la emoción a otra persona y experimentarlo a través de ella.
Un momento corto, veloz, pero lo suficientemente significativo como para dedicarle un post.
Hoy me autodenominé un explorador definitivo.
Caminé mas de 1 hora “sin rumbo” (todos los caminos llevan a algún museo) y terminé entrando al Museo del Palacio de Bellas Artes. Allí me topé por primera vez con la obra de Jorge González Camarena, en una exposición temporal.
Si quisiera tener una introducción a la historia de México, creo que comenzaría por ver su obra. Se puede notar la influencia del art deco en conjunto con la herencia cubista, lo cual desemboca en lo que el mismo Camarena terminó llamando “Cuadratismo”. Una expresión pictórica que le valió para realizar arte histórico, crítico y nacionalista.
Fue vocero de aquella lucha (y convergencia) entre la cultura mesoamericana y la española, lo que eventualmente dio paso a la cultura mexicana. Hay algo en su paleta medio sangriento, terroso, oscuro, que puede dar cuenta de todos los procesos por los cuales habrá tenido que pasar la región.
No dejó de ser un moderno, un posible adelantado. Por eso mismo, si quisiera saber más de México, creo que lo haría a través de su obra.
Lo demás del post es un cevichito de nopal (ojo, no es con leche de tigre, es con leche de pantera, hecha con agua de frijol).
“La magia soy yo” sos vos.
“Al inicio del 1630 Rembrandt se muda de Leiden a Ámsterdam… Muchos de sus clientes pertenecían a la creciente clase mercantil, cuya riqueza venía en gran parte del intercambio comercial entre Europa y otros continentes. Estos estaban relacionados a la colonización y a compañías como la Dutch East India Company (VOC), criticada hoy día por sus prácticas de explotación y extractivismo…. Si bien era conocido por representar copa elegante, su uso de la luz y la representación de la personalidad a través de las poses lo hacían sobresalir ante sus competidores”.
